Pat Metheny - "Moondial" (2024)

"Moondial" es el tercer movimiento, con variaciones, de una secuencia de álbumes que comenzó con One Quiet Night (Warner Bros., 2003) y continuó con What’s It All About (Nonesuch, 2011), una grabación en solitario, sin sobregrabaciones, en la que el guitarrista amèricano de jazz contemporàneo PAT METHENY toca solo una guitarra acústica barítono (en el álbum de 2011 tocó otras guitarras en tres temas, pero era principalmente una guitarra barítono). Las variaciones vienen con la propia guitarra, un instrumento de cuerdas de nylon hecho a medida por la reconocida Linda Manzer.

 Junto con un nuevo tipo de cuerdas de nylon hechas en Argentina, la guitarra le permite a PAT METHENY usar un novedoso sistema de afinación con un rango que va desde el bajo hasta el soprano, algo que anteriormente solo había encontrado posible con cuerdas de acero. 

El programa se divide en dos partes: originales de Metheny, escritos en la carretera en 2023, y versiones, entre las que se incluyen “You’re Everything” de Chick Corea, “Here, There And Everywhere” de Lennon y McCartney, “Somewhere” de Leonard Bernstein y “Everything Happens To Me” y “Angel Eyes” de Matt Dennis.

PAT METHENY describe el álbum "como un disco que tiene una vibra general de “intensa contemplación” y es “un disco del anochecer al amanecer, hardcore y suave”, lírico, lleno de matices y hermoso, tan encantador como una flor, está diseñado para hacer sonreír a los oídos"

Contaba el propio PAT METHENY: "El sentimiento de este disco sigue la naturaleza del instrumento, la onda central aquí es la de una contemplación resonante..Esta guitarra me permite llegar a lo profundo, a un lugar al que quizás nunca haya llegado antes, este es un disco que va desde el anochecer hasta el amanecer, muy suave"

"A menudo, como oyente, me he encontrado buscando música para llenar esas horas y, honestamente, me resulta difícil encontrar el tipo de cosas que me gusta escuchar...Por más música "suave" que haya, mucha de ella simplemente no me satisface"

"Este disco podría ofrecer algo a los insomnes y a las personas que se quedan despiertas toda la noche y buscan los mismos sonidos, armonías, espíritus y melodías que yo buscaba durante las noches y las mañanas en las que se grabó esta música"

"Hubo muchas noches claras durante ese diciembre y, en mi imaginación, parecía que la luna estaba observando lo que yo buscaba en la montaña del norte de Nueva York donde estaba grabando"

"Esta música es para mí un reflejo de esas horas solitarias de invierno, pero sobre todo representa un nuevo reino sonoro y armónico que espero que todos disfruten escuchándolo tanto como yo disfruté conociéndolo"

El Nuevo Album "Moondial" esta editado en CD, Vinilo y en las diferentes plataformas digitales, a travès del sello BMG

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafè FM, para escuchar y disfrutar el estilo y el sonido del guitarrista contemporàneo de jazz PAT METHENY desde Su Nuevo Album "Moondial"

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GEORGE BENSON - "Dreams Do Come True: When Gerge Benson Meets Robert Farnon" 2024)

El guitarrista y vocalista amèricano de jazz GEORGE BENSON, ganador del premio Grammy presenta Su Nuevo Album orquestal perdido hace mucho tiempo, el primero desde que regresó a Warner Music Group a principios del 2024 "Dreams Do Come True: When George Benson Meets Robert Farnon", editado en CD Deluxe y en Disco de Vìnilo  a travès de Rhino Records-

En 1989, GEORGE BENSON colaboró ​​con el célebre compositor y arreglista Robert Farnon y su orquesta para crear "Dreams Do Come True", los exuberantes arreglos de Farnon complementan perfectamente la voz conmovedora de GEORGE BENSON y su trabajo fluido de guitarra en clàsicos estandards de jazz como "Autumn Leaves", "At Last" y "My Romance". La fascinante colección también incluye clásicos pop reinventados como "Yesterday" de los Beatles y "A Song For You" de Leon Russell. 

GEORGE BENSON grabó "Dreams Do Come True" durante un período prolífico y decidió retrasar el lanzamiento del álbum, mientras tanto, las grabaciones desaparecieron y permanecieron perdidas hasta hace poco, cuando fueron redescubiertas 35 años despuès en el archivo personal del propio de GEORGE BENSON.

El guitarrista GEORGE BENSON confesaba: “Después de encontrar este tesoro musical perdido hace mucho tiempo, contraté a mi amigo genio, Randy Waldman, para que me ayudara a revivirlo. Misión cumplida”.

Las sesiones de grabación originales de "Dreams Do Come True" fueron capturadas impecablemente por el ingeniero ganador del premio Grammy® Al Schmidt, quien manejó la consola de grabación para algunos de los álbumes más exitosos de Benson. Las 11 pistas fueròn remasterizadas, Benson se asoció con el pianista, compositor y arreglista ganador del premio Grammy® Randy Waldman como su coproductor, agregando sobregrabaciones y arreglos corales expresivos a lo largo del disco reinventado.

Este álbum marca el último capítulo en la ilustre carrera de GEORGE BENSON como un gigante tanto del jazz como de la música contemporánea. Durante su permanencia en Warner Records de 1976 a 1993, Benson lanzó 12 álbumes de estudio, incluido "Breezin´", disco innovador no solo encabezó las listas de éxitos de pop, R&B y jazz, sino que también le valió a GEORGE BENSON tres de sus 10 premios Grammy®,Certificado triple platino, "Breezin'" sigue siendo uno de los álbumes de jazz más vendidos de todos los tiempos, en el 2009, el National Endowment of the Arts (NEA) reconoció a GEORGE BENSON como "Maestro del Jazz", el máximo honor del país para los artistas de jazz.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafè FM, para escuchar y disfrutar en Primicia Exclusiva el Nuevo Album del guitarrista y cantante GEORGE BENSON - "Dreams Do Come True: When George Benson Meets Robert Farnon"

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Dwane Clemons - "Center Of Gravity: Live At Smalls" (2024

El veterano trompetista amèricano de jazz DWAYNE CLEMONS, quien reside en Copenhaguen, presenta Su Nuevo Album "Center of Gravity: Live at Smalls", que serà lanzado el 18 de octubre de 2024 a través del sello internacional Cellar Music Group

El Nuevo Albùm de DWAYNE CLEMONS cuenta con la participación de la saxofonista alto Amanda Sedgwick, el saxofonista tenor Aaron Johnson, el pianista JinJoo Yoo, el bajista Paul Gill y el baterista Taro Okamoto

DAWYNE CLEMONS, el trompetista afincado en Copenhague influenciado por Louis Armstrong, Red Allen, Roy Eldridge, Dizzy Gillespie, Kenny Dorham y Fats Navarro, se complace en anunciar el Nuevo Albuim "Center of Gravity: Live at Smalls", toda una suntuosa grabación de 2023 en el  sagrado club de Nueva York (USA) 

En el 2015, DWAYNE CLEMONS habià lanzado el Albùm "Live at Smalls", una selección de Standards de Thelonious Monk, Bud Powell, Gigi Gryce y otros, con la participación del saxofonista alto y barítono Josh Benko, el pianista Sacha Perry, los bajistas Murray Wall y Jon Roche, y el baterista Jimmy Wormworth.

Diez años despuès DWAYNE CLEMONS hace su regreso triunfal a ese escenario del sótano, esta vez bajo el estandarte del sello Cellar Music Group y con otra banda estupenda: la saxofonista alto Amanda Sedgwick, el tenorista Aaron Johnson, el pianista JinJoo Yoo, el bajista Paul Gill y el baterista Taro Okamoto.

Clemons ha estado relacionado con el entorno de Smalls-Mezzrow durante más de tres décadas; su primer contacto con el futuro propietario de Smalls, Spike Willner, fue a fines de la década de 1980. La década de 1990 fue dura para Clemons, ya que cumplió cinco años en el sistema penitenciario del estado de Texas por una condena por narcóticos. Sin embargo, en 1994, recibió cartas de Willner y del trompetista James Zollar, alentándolo a venir a tocar a Nueva York

El trompetista había querido formar la banda Center of Gravity desde mediados de la década de 2010, cuando el oriundo de Copenhague vivía en Estocolmo. El concepto de la banda: “Quería hacer algo con trompeta, tenor y alto”, dice Clemons. “Quería utilizar a Amanda y a [un antiguo colega] Aaron Johnson en particular. Quería utilizarla porque siempre me ha gustado mucho; es una de mis colegas más recientes y una de mis nuevas amigas”.

En general, Clemons se siente abrumado por Sedgwick, Johnson, Yoo, Gill y Okamoto. “Tocan la tradición, tocan el lenguaje, pero al mismo tiempo no es artificial”, señala. “Son creativos e imaginativos. Tienen la esencia de la música en su forma de tocar. Me siento inspirado cuando los escucho”.

"Center of Gravity-Live At Smalls" comienza con una melodía de uno de los centros de gravedad del jazz: “Burgundy”, del pianista y educador fundador Barry Harris. “Es una melodía que siempre me ha costado tocar, especialmente la introducción y el final”, admite Clemons. “Solo quería tocarla bien para Barry”. Si esa melodía alguna vez desconcertó a Clemons, no se nota aquí: Clemons canaliza “Burgundy” con gracia y autoridad ganada. “No se basa en [el estándar] ‘Out of Nowhere’, pero me recuerda a él”, dice Clemons. “Es una melodía hermosa”.

El siguiente tema que da título al álbum es “Center of Gravity”, una melodía de la contralto Sedgwick. “Me encanta su forma de escribir, tiene su propia manera de escribir”, dice Clemons. “Tiene un contenido musical real y honesto para el swing; me encanta el arreglo y la melodía. Es una melodía divertida de tocar y espero tocarla más veces”.

El título de “Hey George” es un juego de palabras con “Sweet Georgia Brown”, y la melodía está basada en ese estándar. “Es una melodía que hemos estado tocando durante años”, explica, señalando que la ha tocado tanto en Estados Unidos como en Copenhague. “Es una de esas melodías que te dan algo de energía”.

El arreglo de Clemons de “Honeysuckle Rose” es el siguiente: “Esta es una versión de Cootie Williams de 1943, cuando tenía a Bud Powell, que tenía solo 18 o 19 años, en el piano”, explica. “No estoy seguro de quién hizo este arreglo, pero la melodía está un poco embellecida”.

Dice que “Hornin’ In” de Monk es “otro viejo favorito que solía tocar con mi quinteto… Siempre me ha gustado Monk, y pensé que era una buena idea bajarle el tono. Una vez más, quería aprovechar esa línea frontal de dos partes, con el tenor contra la trompeta y el alto”. Archive “I Cover the Waterfront” en “viejos favoritos”: “Es una de esas melodías que siempre me apetece escuchar, hombre”.

Sedgwick recibe otro protagonismo con su “Shadow and Act” original. “La escribió dedicada a Ralph Ellison”, aclara Clemons. “Él escribió el libro Invisible Man [de 1952, no el clásico de H.G. Wells]; escribió una colección de ensayos, y “Shadow and Act” fue uno de ellos. Entonces, ella le dedicó esta canción”.

El estándar “Smoke Rings” es “una melodía que he estado tocando recientemente; es bastante raro escuchar una melodía como esta, que tiene esta hermosa estructura armónica y melodía. Lo mismo con “Sweet Emmalina, My Gal”: “Es algo que recientemente me he decidido a adoptar como vehículo y parte del repertorio”. El álbum concluye con “When I Grow Too Old to Dream”, basada en el arreglo de Arnett Cobb para saxofón tenor.

“Es un vehículo divertido para tocar”, dice Clemons sobre esta última melodía, como lo hace con otras. Y esa es la naturaleza de un “vehículo” en esta música: empujar hasta los límites exteriores, sin sacrificar nunca el Center Of Gravity

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Mavis Pan - "Rising" (2024)

 

La joven pianista, compositora y vocalista amèricana de jazz MAVIS PAN lanzará su nuevo álbum "Rising" coproducido y con la participación del reconocido saxofonista amèricano Ted Nash, el 4 de octubre de 2024.

"Rising" es un mosaico de obras que narran el flujo y el reflujo de los altibajos de la vida y el viaje de MAVIS PAN para superarlo todo. El álbum cuenta con una formación estelar que incluye a Ted Nash (saxofón tenor, flauta y clarinete), Geoff Burke (saxofones alto y soprano, flauta alto y clarinete), Mark Wade (bajo), Jared Schonig (batería) y la propia MAVIS PAN en piano y voz. 

El Nuevo Album "Rising" presenta una colección de 12 piezas (13 en la edición digital de lujo), comprende una selección de obras cuidadosamente seleccionadas que abarcan un período de 20 años de la vida y la obra compositiva de la artista. Cada pieza es una huella de un momento, una persona, un lugar o un desafío que MAVIS PAN ha enfrentado y superado.

“El jazz se trata de estar en el momento y me propuse capturar cada momento fugaz con una canción”, confiesa MAVIS PAN...“No hay mejor manera para que un compositor exprese sus anhelos y frustraciones que poniendo los dedos sobre el teclado y las notas en el papel”...Es asì que "Rising" relata una amplia gama de momentos y emociones, con piezas que encapsulan la alegría y la emoción de ser recibida como una “diva” en su gira por Arabia Saudita; el regreso al atractivo y casi magnético Nueva York; el relato de los obstáculos que enfrentó como mujer de color e inmigrante en su primera llegada a Estados Unidos; las consecuencias que cambiaron el mundo del derrame cerebral de su padre y la reconciliación con su transformación de ser una niña a la que su padre amaba consentir a ser su cuidadora, este álbum es un derramamiento del corazón de MAVIS PAN, y pinta magistralmente ese desbordamiento en un lienzo musical exuberante.

El título del Nuevo álbum "Rising" se deriva de la experiencia de MAVIS PAN haciendo exactamente lo que su nombre significa: levantarse a pesar de la adversidad..."Levantarse indica victoria", afirma MAVIS PAN... "de levantarse de un pozo emocional y espiritual profundo"... "Entre todos los reveses y la desesperación, estuve rodeada de queridos amigos y seres queridos que me han demostrado un gran amor y me han animado a levantarme de nuevo"..."Al salir del fondo emocional, sigo avanzando y hacia arriba con el espíritu de resiliencia"

En el plano musical, el nuevo álbum "Rising", la pianista y cantante MAVIS PAN se inspira en su dominio de los géneros del jazz y la música clásica occidental, pero los combina con los sonidos de los lugares que ha visitado. “Este álbum es una huella musical de los lugares a los que he viajado y de las personas especiales que he conocido y que me han inspirado”, dice MAVIS PAN..“Abarca desde el funk afro hasta los valses cinematográficos franceses, desde el tango español hasta el tarab (éxtasis musical) de Oriente Medio, además de las nostálgicas canciones folclóricas taiwanesas”...“es casi como música de cámara contemporánea con métrica mixta, un diálogo contrapuntístico complejo entre diferentes voces y armonías derivadas de la estructura modal y atonal, pero combinadas con una vivacidad étnica”.

MAVIS PAN ha desarrollado un estilo compositivo distintivo que es exclusivamente suyo, inspirándose en eminencias del clasicismo occidental como Bach, Chopin, Ravel, Debussy y Bartok, y fusionándolo con los estilos de íconos del jazz contemporáneo con los que ha interactuado, como Toshiko Akiyoshi y Lionel Loueke (quienes la alentaron a incorporar su herencia étnica a su música). “Son las canciones de un pájaro migratorio”, afirma la propia MAVIS PAN.

En este Nuevo Album "Rising", MAVIS PAN ofrece al público una mirada sonora vulnerable a su propia vida a través del uso de un montaje de dos décadas. Desde la celebración jubilosa hasta la súplica suplicante en medio de la desesperación, Rising es en última instancia una historia de esperanza, que se vuelve aún más conmovedora porque todo es real. Con Rising, Pan muestra a los demás que el camino hacia arriba, la forma de elevarse, a veces es vivir, experimentar, caer y volver a levantarse.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafè FM, para escuchar y disfrutar el estilo y el sonido de la joven pianista / cantante y compositora amèricana MAVIS PAN desde Su Nuevo Album "Rising"

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Diana Arias Trio - "Viaje del Pez" (2024)

La joven contrabajista colombiana DIANA ARIAS, radicada en Argentina, ha participado activamente durante casi 14 años en la escena local. Ha tocado y grabado con músicos como Ernesto Jodos, Diego Schissi, Adrian Iaies, Juan Cruz de Urquiza, Yamile Burich, entre muchos otros artistas, y en conciertos y festivales como el Festival Nacional de las Artes (Sudáfrica, 2019), Ushuaia World Music International festival (2019), Barranquijazz y AJazzGo (Colombia, 2017). Además, ha formado parte de varias ediciones del Festival Internacional de Jazz de Buenos Aires (2015-2019). Lideró el Ensamble Tumboró con quienes tocaron en diferentes escenarios de la ciudad, como “La Usina del Arte”.

Ha tenido una amplia experiencia a través de diferentes estilos musicales. Cuando era niña, integró la orquesta infantil de salsa “La Charanguita”, liderada por Luis Carlos Ochoa, con la que viajó por Colombia, Holanda y Alemania. También fue integrante de la orquesta femenina de salsa D´Caché con la que viajó a varios países, acompañando al reconocido cantante Gilberto Santa Rosa. Participó como músico Supernumerario en la “Orquesta Filarmónica del Valle”, durante tres años (Colombia, 2007-2009). Entre otros proyectos a los que se sumó en su tierra natal.

El Nuevo Albùm "Viaje Del Pez", editado en Abril del 2024 por el sello Ears&Eyes Records, tiene una buena mezcla de emociones, inquietudes e ideas, que a través del proceso de unos años de trabajo, dan como resultado un conjunto de composiciones que conforman este disco. Algunas canciones se basan en un estilo más tradicional y otras con mucha más libertad para improvisar, y es especialmente en estas últimas, en las que el pianista Ernesto Jodos y el baterista Sergio Verdinelli despliegan toda su madurez musical. Tiene canciones bastante cortas para un disco de jazz, pero en su totalidad, los 9 tracks ofrecen un muy buen recorrido para quien quiera escucharlos. Aunque hay “arreglos”, estos no definen el alma del álbum, sino que la profunda interacción del trío deja ver claramente, a su vez, el discurso de cada integrante con sus diferentes propuestas, logrando un resultado muy natural.

Pacífico: Es una composición que está inspirada en la chonta (instrumento del Pacífico colombiano), la melodía principal evoca ecos del sonido de este instrumento mientras el groove acompaña desde un ritmo irregular. Continúa con una improvisación alrededor de la canción, en forma corta, en la que Ernesto Jodos comparte toda su magia desde el piano, inspirada en el imaginario del Pacífico colombiano donde las corrientes de los ríos son recorridas en canoa y donde habitan músicos locales.

Trigridia:

De sencilla belleza, esta canción de ritmo irregular tiene la particularidad de que su melodía parece terminar donde comienza un motivo recurrente, realizando luego una especie de loop. Al final, se puede apreciar un solo de batería de Sergio Verdinelli.

Don de la noche: Al final de la introducción, la composición se convierte en una especie de marcha 3/4 que tiene una melodía corta y relajada que fluctúa entre dos tonalidades. La melodía de piano que se escucha al inicio de la pieza, es retomada al final por el contrabajo. 

Mango: Propone una melodía en dos tonalidades para luego explorar una libertad casi total para improvisar, mientras alguien lleva la voz cantante, como es el caso del primer solo de piano que luego decanta hacia un solo de contrabajo en compañía de la batería, y siguiendo el “charlataneo”, se escucha un solo de batería que nos lleva de nuevo a escuchar la melodía, un poco más corta esta última vez.

Viaje del Pez: Se genera una melodía introspectiva a través de un motivo corto que se va desarrollando poco a poco, que a su paso avanza, deja un espacio para que el trío explore a través de una especie de guía para improvisar (forma) asumiendo un juego de sombras y luces como reflejos pasajeros.

La Espera: En un ejercicio de búsqueda de acordes cercanos entre sí, surge la inspiración para la composición de esta balada que busca expresar con claridad cada momento de la pieza. De manera poco convencional, comienzo con un solo de contrabajo acompañado del piano, para luego seguir con un solo de piano con la presencia de la batería que completa el trío. En una tercera ronda, finalmente se escucha la melodía con el arco en el contrabajo.

Desbaratá: Nuevo guiño a la música del Pacífico colombiano, en el que se escucha vagamente una melodía tradicional de la región, pero como su nombre lo indica, bastante trastocada. Se trata de una búsqueda de improvisación libre con diferentes puntos de encuentro con algunos de los motivos temáticos.

Salida: Luego de la introducción, piano y bajo se encaminan a una conversación que se desarrolla en forma de oficios con un ritmo que recuerda un aire de “Zamba” argentina. El nombre hace referencia a una particularidad de la forma, ya que la melodía solo se escucha al final.

Y la Lluvia: Para concluir, una acertada introducción improvisada de Ernesto Jodos al piano da paso a una composición con aire de bolero melancólico, en la que el trío logra un baile melódico con gesto romántico.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafè FM, para escuchar y disfrutar el estilo y el sonido de la joven contrabajista colombiana-argentina DIANA ARIAS con Su Trio desde el Albùm "Viaje del Pez"

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Gonzalo Rubalcaba - "Borrowed Roses"

 

El maestro pianista cubano GONZALO RUBALCABA recontextualiza el Gran Cancionero Americano e interpreta canciones populares en Su Album de solo piano "Borrowed Roses", editado por el sello Top Stop Music

"Borrowed Roses" es el tercer álbum de piano solo GONZALO RUBALCABA y el primero dedicado íntegramente a los cánones del "Gran Cancionero Amèricano" y del "Gran Cancionero de Standards de Jazz".

En "Borrowed Roses", el pianista GONZALO RUBALCABA ha creado una obra maestra en respuesta a una propuesta bien concebida. Surgió de Gregory Elias, el propietario de Top Stop Music, quien reclutó a Rubalcaba para tocar en el lanzamiento de Aymée Nuviola ganador del Grammy a la Mejor Música Tropical en 2019, Journey Through Cuban Music y, en 2020, lanzó su cinética colaboración nominada al Grammy "Viento Y Tiempo: Live at Blue Note Tokyo" que precedió a su sublime dúo de voz y piano, "Live in Marciac" publicado por Rubalcaba en su sello 5Passion y que ganó el Grammy Latino en 2022.

"He seguido a Gonzalo durante muchos años", dice Elias, baterista y letrista de joven, antes de ingresar al mundo del derecho y las finanzas. "Hay otros pianistas de Cuba que son inmensamente talentosos, pero él es único. Quizás porque ha vivido tanto tiempo en Estados Unidos, ha absorbido y asimilado muchos géneros del extranjero y los ha combinado con su educación cubana. Quería que hiciera algo con canciones que fueran imperecederas, que importaran al público estadounidense, ya sea jazz o no.

La idea, concebida por primera vez en 2019, quedó en suspenso debido a la pandemia, la idea del disco de piano solo nunca estuvo lejos de su mente. "Nunca lo olvidé y le envié un correo electrónico a Gregory", dice Rubalcaba. "Respondió rápidamente y comenzamos a hablar sobre encontrar un estudio con un buen piano. En ese momento, Bösendorfer había enviado a un técnico para reconstruir mi piano, que tiene unos 25 años. Era como tener un piano nuevo. Entonces pensé en hacer el disco en casa, donde está el piano. Eso significaba que tendríamos que alquilar un montón de cosas para que el espacio sonara preciso, para hacer la grabación y también el equipo que necesitábamos para hacerlo. Gregory dijo: "¿Por qué no? Veamos cómo podemos organizar todo". Agradecí que estuviera muy abierto a cualquiera de mis ideas más locas".

Rubalcaba y Elias se pusieron a seleccionar el repertorio, 15 canciones cada uno, y finalmente seleccionaron las 12 que Rubalcaba interroga en este recital incisivo y poético. Entre las que entraron en la lista se encuentran: "Here, There and Everywhere", "Shape of My Heart" de Sting, "Summertime", "Someone to Watch Over Me" y "Do It Again" de Gershwin, y "Night and Day" de Cole Porter. Entre las canciones de Rubalcaba se encuentran “Windows” de Chick Corea, “Very Early” de Bill Evans, “Chelsea Bridge” y “Lush Life” de Billy Strayhorn, “In A Sentimental Mood” de Ellington y “Take Five” de Dave Brubeck.

La grabación se desarrolló a lo largo de dos días de sesiones de siete horas de gran concentración. Rubalcaba había grabado previamente sólo “Here, There and Everywhere” y “In A Sentimental Mood”, pero explora e interpreta con una claridad audaz, como si hubiera interpretado cada canción incontables veces a lo largo de su carrera. “Muchos músicos –y yo soy uno de ellos– conocen el título y más o menos de qué habla la pieza, pero no profundizamos en el mensaje de la letra y hacemos nuestra propia traducción musical”, dice. “Para este álbum, leo la letra de cada pieza que contiene letra para internalizar el mensaje. Realmente afecta la forma en que ves la música, la forma en que la tratas en términos de arreglos, o cómo improvisas la historia que quieres contar, o lo que incluyes armónicamente, o cómo alteras la estructura”. Con la excepción de “Very Early”, que Rubalcaba tocó sólo una vez, cada tema es el producto de dos o tres tomas. “Traté de hacer cada toma de manera muy diferente para tener contraste”, dice.

“Tocar en solitario es un camino diferente a tocar en trío, cuarteto o cualquier otro conjunto. Es un gran desafío, pero también presenta muchas posibilidades. Lo que puedes hacer con un piano es casi infinito. Tienes que encontrar una manera de utilizar todas estas posibilidades que tienes ante ti de acuerdo con lo que necesitas estética y artísticamente en cada momento. Exige que estés bien entrenado, que conozcas el instrumento, que conozcas la música, que te conozcas a ti mismo. Si no te conoces a ti mismo, no puedes buscar una evolución”.

Los Esperamols, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafè FM, para escuchar y disfrutar el estilo, la tècnica, el sonido y la improvisaciòn del prestigioso pianista cubano GONZALO RUBALCA desde Su Album "Borrowes Roses"

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Lizzie Thomas - "Duo Encounters" (2024)

La célebre vocalista amèricana de jazz LIZZIE THOMAS presenta Su electrizante Nuevo Album "Duo Encounters", su quinto álbum como líder de banda, editado a fines del 2023 por el sello Dot Time Records

"Duo Encounters" muestra a la inventiva vocalista de jazz demostrando su estilo vocal cálido y sensual y su sensibilidad swing junto a una docena de sus colaboradores favoritos para un conjunto de duetos íntimos y aventureros. LIZZIE THOMAS está en gran compañía en cada tema de "Duo Encounters", que incluye actuaciones del pianista Helio Alves, los bajistas Ron Carter, Dezron Douglas y Noriko Ueda, los pianistas John Di Martino y Rossano Sportiello, los guitarristas Russell Malone, Ron Afif y Guilherme Monteiro, el percusionista Café da Silva, el saxofonista Wayne Escoffery y la violonchelista Mairi Dorman-Phaneuf.

La vocalista de jazz nacida en Pittsburgh pagó sus cuotas desde el principio en Nashville, donde tocó en conciertos, dirigió un estudio de piano y profundizó sus habilidades vocales de jazz. Desde allí, Thomas se mudó a la ciudad de Nueva York, donde rápidamente se la consideró una vocalista preeminente. Thomas es bien conocida por su residencia mensual en 90 Thompson St en Soho, que duró una década, así como por sus actuaciones con entradas agotadas en los emblemáticos lugares de jazz Birdland, el Triad Theatre y Chelsea Table & Stage. El lanzamiento en 2020 de New Sounds From The Jazz Age fue un gran paso adelante para LIZZIE THOMAS. El álbum aclamado por la crítica, presentó a LIZZIE THOMAS junto al pianista y arreglista John Colianni, el guitarrista Russell Malone y el bajista Jay Leonhart, demuestra la atractiva personalidad musical de LIZZIE THOMAS y su impresionante facilidad vocal, ya sea tocando a ritmos rápidos o acariciando una tierna balada.

El lanzamiento del Album "Duo Encounters" en Dot Time Records consolida la estatura de LIZZIE THOMAS como una de las mejores cantantes de jazz de Nueva York. El álbum reúne a LIZZIE THOMAS con una docena de instrumentistas importantes en un dueto cada uno y en lugar de cantar un set convencional frente a un pianista o guitarrista acompañante, las interpretaciones son aventureras, llenas de una estrecha interacción entre los artistas y contienen mucha variedad en instrumentación, estado de ánimo y tempos.

El Nuevo Album "Duo Encounters" presenta doce interpretaciones reflexivas e innovadoras de estándares de jazz atemporales, arregladas para un contexto de dúo, emparejando a LIZZIE THOMAS con un "quién es quién" de la primera línea del jazz. El álbum comienza con una sensual interpretación de “Love For Sale”, con el pianista Helio Alves, que ejemplifica, desde el primer tiempo, el cálido tono vocal de Thomas y la intencionalidad y el alma que la vocalista pone detrás de cada nota; a continuación LIZZIE THOMAS se comunica con el Sr. Ron Carter para una interpretación animada de “Willow Weep For Me”, esta pieza es uno de los mejores ejemplos de la interacción estelar que LIZZIE THOMAS emplea a lo largo del lanzamiento con sus compañeros de dúo.

Otro punto destacado del lanzamiento es la conmovedora interpretación del clàsico “My Foolish Heart” junto al guitarrista Russell Malone. Malone proporciona un telón de fondo sonoro perfecto sobre el que se eleva la voz de Thomas, otra propuesta sorprendente y única es la versión del clásico “Lush Life” junto al saxofonista Wayne Escoffery: la calidad vocal y la narración de LIZZIE THOMAS recuerdan los sonidos clásicos de Nancy Wilson y Billie Holiday. En el Standard “Everytime We Say Goodbye”, ofrecce la cantanted un fraseo con tintes blues, circunloquizando el ritmo de una manera magistral junto a la bajista Noriko Ueda. El álbum concluye con una interpretación verdaderamente especial de “Round Midnight” con la participación de la violonchelista Mairi Dorman-Phaneuf. Los tonos dulces de la vocalista se pueden escuchar a capela durante una sección antes de que entre el acompañamiento contrapuntístico de Dorman-Phaneuf. La pieza se construye tremendamente a medida que las voces y el violonchelo se entrelazan entre sí y finalmente caen en una impresionante línea descendente al unísono que cierra el arreglo y este lanzamiento inventivo en su conjunto.

Confesaba la cantante LIZZIE THOMAS: “Este álbum nació después del confinamiento por la COVID, cuando finalmente pude entrar en la misma habitación y crear musicalmente con otro músico. La intimidad de la comunicación dentro del entorno del dúo es emocionante. Hay algo muy satisfactorio con simplemente dos instrumentos. Para Duo Encounters, invité a instrumentistas excepcionalmente geniales que tienen cada uno su propio estilo para entablar conversaciones musicales con mi voz. Este álbum trata sobre crear y revelar las partes profundas del viaje musical”.

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Ben Wolfe - "Unjust"

El destacado bajista y compositor amèricano de Jazz BEN WOLFE presentaba en febrero de 2023 Su Album solista "Unjust", una convergencia de maestros del jazz que ofrecen interpretaciones dinámicas de la nueva música de Wolfe

"Unjust" celebra la sorprendente interacción entre múltiples conjuntos impulsados ​​por la misma sección rítmica firme y presenta un elenco multigeneracional de colaboradores familiares y jóvenes fenómenos: el trompetista Nicholas Payton, los saxofonistas Immanuel Wilkins y Nicole Glover, el vibrafonista Joel Ross, los pianistas Addison Frei y Orrin Evans y el baterista Aaron Kimmel.

A lo largo de una carrera que abarca más de cuatro décadas BEN WOLFE se ha ganado su estatura como uno de los compositores más destacados de nuestro tiempo. Las obras de Wolfe han sido descritas como "Mingus y Miles Davis se encuentran con Bartok y Bernard Herrmann" (Ben Ratliff - The New York Times). "Unjust" es el décimo álbum de BEN WOLFE como líder: “esta grabación trata mucho sobre la interacción de los músicos entre sí, con el material y, en cierto modo, con el estudio mismo”.

En la canción que da título al álbum, “Unjust”, escuchamos un cuarteto sin piano con Nicholas Payton y Nicole Glover al mando. Es inevitable escuchar matices de Monk en la melodía y los cambios de acordes de la pieza, una conexión que Payton, Glover y Wolfe exploran individualmente en solos tremendamente conmovedores. Kimmel también emprende una expedición propia con una apertura destacada, que marca su participación todopoderosa en la sección rítmica de Wolfe:“Tengo un gran respeto por el arte con el que Aaron Kimmel toca la batería y crea música, lo que se evidencia en toda esta grabación… Fue un placer absoluto grabar este disco con Aaron”.

“The Heckler”,en esta pieza, la sección rítmica se abre paso a través de un swing de ritmo alegre mientras Payton cuenta una historia ferviente con su trompa, BEN WOLFE reflexiona: “Nicholas Payton, a quien conozco desde hace muchos años, es alguien por quien siempre he tenido un gran respeto… Nicholas es un músico brillante y extremadamente intuitivo; aporta un profundo conocimiento y amor por la música. Su sonido es hermoso, lleno de historia y sentimiento. A pesar de todos los dones que posee Nicholas, todavía reside completamente dentro del conjunto”.

Joel Ross e Immanuel Wilkins desempeñan papeles fundamentales en el conjunto, cada uno complementando al otro a la perfección en todo momento. Wolfe señala: “Aunque tienen voces fuertes e individuales, a menudo me encuentro escribiendo para ellos como si fueran un solo músico… Siempre es inspirador y una alegría tocar con los dos”. Ross y Wilkins, quienes también aparecieron en Fatherhood de 2019, quizás brillen más en “Hats Off to Rebay” y “Sideways”. Estas pistas demuestran el tremendo sonido que se crea cuando los dos músicos duplican una melodía y luego se embarcan en la invención melódica. Respecto de la saxofonista Nicole Glover, Wolfe comenta: “La interpretación de Nicole en la canción ‘Lullaby in D’ es perfecta y no podría ser más hermosa… Sentí que aportaría algo especial, pero no tenía idea de la cantidad de aplomo que aportaría”.

El destacado bajista y compositor amèricano de Jazz BEN WOLFE presentaba a fines del 2023 Su Album solista "Unjust", una convergencia de maestros del jazz que ofrecen interpretaciones dinámicas de la nueva música de Wolfe

"Unjust" celebra la sorprendente interacción entre múltiples conjuntos impulsados ​​por la misma sección rítmica firme y presenta un elenco multigeneracional de colaboradores familiares y jóvenes fenómenos: el trompetista Nicholas Payton, los saxofonistas Immanuel Wilkins y Nicole Glover, el vibrafonista Joel Ross, los pianistas Addison Frei y Orrin Evans y el baterista Aaron Kimmel.

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Brian Landrus - "Brian Landrus Plays Ellington & Strayhorn"

El especialista en instrumentos de viento bajo BRIAN LANDRUS, acompañado por el guitarrista Dave Stryker, el bajista Jay Anderson y el baterista Billy Hart celebran la música de Duke Ellington y Billy Strayhorn en el magnífico nuevo álbum de estudio "Plays Ellington & Strayhorn" editado a mediados del mes de Julio 2024 por el sello Palmetto Records y grabado en Estados Unidos en Agosto del 2023.

Duke Ellington profesó que cuando componía para su venerada orquesta escribía para los músicos individuales, no para sus instrumentos. Para su impresionante nuevo álbum que celebra la música atemporal de Ellington y su frecuente compañero compositor Billy Strayhorn, el especialista en instrumentos de viento BRIAN LANDRUS esencialmente invirtió ese concepto. Para encontrar su interpretación personal de las obras de Ellington y Strayhorn, BRIAN LANDRUS creó una orquesta virtual compuesta por el músico que conoce mejor que ningún otro: él mismo.

"Brian Landrus Plays Ellington & Strayhorn", editado en Julio del 2024 por el sello internacional Palmetto Records, presenta a BRIAN LANDRUS en un espectro completo de instrumentos: saxofones barítono y bajo, clarinetes bajo y contra alto, flautín y flautas C, alto y bajo. Con el ingeniero y productor ganador del Grammy, John Kilgore, superpone sus voces multicolores en un sonido orquestal rico y distintivo que recuerda los timbres exuberantes de la clásica Ellington Orchestra mientras muestra un tono sonoro evocador propio. Esa tonalidad recibe una base brillante gracias a la sección rítmica estelar que Landrus ha reunido para la ocasión: el guitarrista Dave Stryker, el bajista Jay Anderson y el baterista Billy Hart.

Si bien la música de estos dos compositores legendarios ha sido una influencia para Landrus a lo largo de su vida, fue tocar un concierto de música sacra de Ellington con el profesor de Berklee Gregory Hopkins lo que desencadenó este proyecto. “Escuché estas obras maestras y pensé que podría haber espacio para la exploración con los sonidos que yo podía ofrecerles”, recuerda. “Pero no quería simplemente hacer un disco en cuarteto de canciones de Duke. Se me ocurrió que una forma de hacer justicia a la música sería utilizar todos los instrumentos de viento a mi disposición y hacer algo que pareciera tan rico como los originales”.

"Hay elegancia y sofisticación en la música de Ellington y Strayhorn", confiesa Landrus. “Pero está mezclado con esa cualidad más oscura que Mingus siempre reconoció: estos frotes armónicos y texturas hermosas. Definitivamente quería agregar mis propios colores a estas composiciones, pero no intentaba reinventar cada canción. Sentí que los timbres inusuales de los instrumentos de viento les darían una atmósfera única que no se había escuchado antes en estas melodías. Dejé que esas cualidades sonoras me guiaran en la dirección que sentí que sería más respetuosa para Strayhorn y Duke”.

El material de "Brian Landrus Plays Ellington & Strayhorn" es una mezcla de clásicos familiares y Ellingtonia más oscuro. El álbum comienza con “Agra”, de la Suite Far East de 1967, su melodía es un gemido bajo y resonante envuelto en vientos aireados mientras los mazos de Hart apuntalan la pista con el ritmo hipnótico de una caravana en el desierto. La suite también está representada por “Isfahan”, aquí una conmovedora mezcla de urbanidad de salón y agallas de farolas. Mientras tanto, “The Telecasters” y “Star Crossed Lovers” provienen de Such Sweet Thunder, inspirada en Shakespeare, la primera impulsada por los pinceles de claqué de Hart, la segunda un escaparate del elocuente lirismo de Stryker. Landrus volvió a la música sacra que inspiró el álbum de “Praise God”, son instrumentos de viento de madera anclados por el estentóreo bajo arco de Anderson.

“Chelsea Bridge” de Strayhorn y “A Flower is a Lovesome Thing” son piezas icónicas, dada la calidad embriagadora de los fascinantes arreglos de Landrus. Su “Daydream”, elegíaco en la grabación original, se transforma con un ritmo de bossa nova, Landrus desafía la gravedad con su melodioso bari. Gregory Hopkins aporta un arreglo melancólico para la que quizás sea la composición más conocida de Strayhorn, “Lush Life”, que comienza con una gasa de nostalgia antes de tejer los instrumentos de viento en filigranas danzantes.

El segundo arreglista invitado del álbum, el líder de la banda Ayn Inserto, comienza “Warm Valley” de Ellington con líneas en cascada, luego deja que el barítono entrecortado de Landrus cante la melodía sobre un ritmo de balada dolorosamente lento, con los brillantes acordes de Stryker repicando con los susurrantes platillos de Hart. El guitarrista también prepara el escenario para una fascinante interpretación de “Prelude to a Kiss” y cambia a acústico para emparejarse con Landrus en una tierna versión a dúo de “Lotus Blossom” de Strayhorn. Landrus cierra el álbum solo, ensayando una reflexiva “Sophisticated Lady” en el saxo bajo, cuyo tono gigantesco contrasta irónicamente con el elegante tema.

"Brian Landrus Plays Ellington & Strayhorn" no es sólo un testimonio de la inmortalidad de estos brillantes escritores, sino también de la visión orquestal de BRIAN LANDRUS. El Nuevo álbum es una celebración de dos de los más grandes compositores de Estados Unidos, vistos a través de una perspectiva sonora fascinante y evocadora.

BRIAN LANDRUS

El multiinstrumentista y compositor amèricano de jazz Dr. BRIAN LANDRUS es un artista de instrumentos de viento bajo reconocido internacionalmente. Especializado en saxofón barítono, saxofón bajo, clarinete bajo, clarinete contra alto, flauta contralto y flauta baja, Landrus se ubica constantemente en las encuestas de críticos de DownBeat y JazzTimes. Fue galardonado con el premio "Rising Star" en DownBeat para barítono en 2015 y para clarinete bajo en 2021. El lanzamiento de Landrus en 2022, Red List, reunió a un conjunto de estrellas para crear conciencia sobre las especies en peligro de extinción en todo el mundo. Su álbum orquestal de 25 piezas, Generations, fue nombrado una de las mejores grabaciones del año por NPR, DownBeat, JazzTimes, All About Jazz y muchas otras publicaciones internacionales. Landrus ha actuado con algunos de los grandes músicos del mundo, entre ellos: Fred Hersch, la Orquesta Maria Schneider, Nicholas Payton, Esperanza Spalding, Feist, Rakalam Bob Moses, la Orquesta Gil Evans, The Temptations, Darcy James Argue, The Beach Boys, Donny McCaslin , Ravi Coltrane y muchos más.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafè FM, para escuchar y disfrutar de una Nueva Premiere Excluiva presentando al vientista amèricano de jazz BRIAN LANDRUS desde Su Nuevo Album "Plays Ellington & Strayhorn"

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Ediciòn Lounge - "Smooth-Neo & Romantic"

Desde el mes de abril del 2024, Jazz Café FM-Radio Argentina de Jazz (Saavedra, CABA) en transmisión directa con UDPlay 88.1 FM Santa María, Mercedes, provincia de Buenos Aires, Argentina, presenta Edición Lounge - «Smooth-Neo & Romantic », todos los sábados y domingos de 22 a 02 horas.

Edición Lounge invita a la audiencia a escuchar y disfrutar de una selección musical exclusiva con lo mejor del Smooth Jazz, la Bossa Nova, el Neo Soul, Chill Out y todo el Romantic Jazz.

Durante cada emisión podrán escuchar artistas como Euge Groove, Michael Franks, Marchio Bossa, Bob James, Lin Rountree, Chris Botti, Gato Barbieri, Jorgelina Alemán, Luciana de Rissio, Gerardo Selci, Sabrina Claudio, Bob Baldwin, Marion Meadows, Antonio Carlos Jobim , Joao Gilberto, Diana Krall, Kandace Springs, George Benson, Anita Baker, Robert Glasper, David Sanborn, Marc Antoine, Marchio Bossa, Bill Evans, Joe Lovano, Oscar Peterson, Chet Baker, Antonio Carlos Jobim, Camera Soul y Kely Uchis, Rick Braun, Elaine Elias y muchos más.

Comenta Carlos Fernández Pacin sobre Edición Lounge: En esta Nueva Propuesta Radial-Musical que es "Edición Lounge-Smooth-Neo & Romantic", se combinan estilos musicales muy poco difundidos como el Smooth Jazz, el Neo Soul y la Bossa Nova, y desde el lado del Jazz se presenta el lado romántico de músicos y cantantes clásicos y contemporáneos, nacionales e internacionales. La propuesta es que el oyente pueda disfrutar de una exclusiva y variada selección musical, el equilibrio perfecto entre las palabras y la música, que pueda deleitarse escuchando a intérpretes poco difundidos y que recuerde a cantantes y mùsicos reconocidos como Frank Sinatra, Ella Fitzgerald, Bill Evans, Tony Bennett, Sarah Vaughan, Chet Baker, Joe Pass, Oscar Peterson, John Coltrane, entre otros. El Neo Soul es un nuevo estilo musical muy poco difundido en Nuestro Paìs, siendo todo en èxito en Europa y Estados Unidos, en el cual se combina el Soul romántico de los años '70 con el R&B y la música de jazz, hay mucha influencia del estilo y la música de músicos amèricanos como Marvin Gaye, Donny Hathaway, Aretha Frankin, Sade, entre otros"

La presentación y musicalización de "Ediciòn Lounge-Smooth-Neo & Romantic" está a cargo del reconocido Locutor Nacional Carlos Fernández Pacín, Director / Productor y Musicalizador de Jazz Cafè FM-Radio Argentina de Jazz (Online)

Agrega Carlos Fernandez Pacin:«Es todo un desafío la presentación de “Edición Lounge”, ya que se podrá escuchar en directo desde ambas radios – Jazz Café FM-Radio Argentina de Jazz (CABA) y UDPlay 88.1 FM Santa María (Mercedes, Bs. As) – con sus propias audiencias y llegando a otras audiencias nacionales e internacionales. Cuidando mucho la selección musical y la calidad de sonido, se transmite en 320kbps y en Estereo Hi-Fi, para que el oyente pueda disfrutar con el alma y el corazón las 4 horas de los Sábados y de los Domingos… ¡Los esperamos!!!

"Edición Lounge" se puede escuchar desde:

https://radiojazzcafefm.com.ar

http://udplay.com.ar/