ANAT COHEN - "QUARTETINHO" (2022)

 La multiinterpretista y compositora nominada al Grammy ANAT COHEN cambia su enfóque en un sonido de grupo más pequeño e íntimo en su último lanzamiento, el infinitamente colorido "Quartetinho" (pronunciado "quar-te-CHIN-yo", es decir, pequeño cuarteto). Los músicos del grupo con sede en Nueva York, todos extraídos de las filas del Tentet, provienen de diferentes rincones del mundo: Cohen y el bajista Tal Mashiach de Israel, el pianista y acordeonista Vitor Gonçalves de Río de Janeiro y el vibrafonista y percusionista James Shipp de los Estados Unidos. Lo que comparten es un profundo amor por la música en toda su heterogeneidad. Todo está ampliamente documentado en "Quartetinho", que incluye originales de Cohen, Mashiach y Shipp junto con material de los grandes maestros Antonio Carlos Jobim, Egberto Gismonti y más.

El resultado es infinitamente melódico y lírico, con una amplia gama de timbres y sutiles detalles de orquestación. En la mayoría de los casos, los cuatro músicos crearon arreglos juntos como grupo, y cada uno trae al encuentro sus respectivos dones en múltiples instrumentos. Anat Cohen, con "destreza líquida y sentimiento auténtico" toca el clarinete y también superpone líneas de clarinete bajo y melodías dobles, dando un tono de registro bajo rico y terroso a la mezcla. Vitor Gonçalves, tanto en el piano acústico como en Rhodes, es igualmente fluido en el acordeón para la melancólica "La guitarra vieja" de Mashiach y el conmovedor arreglo centrado en el clarinete bajo de Cohen de "Going Home", un extracto de la Sinfonía del Nuevo Mundo de Dvořák que se ha convertido en una canción folclórica. propio (y apropiado aquí, dada la clarividente y amplia visión del compositor checo sobre la música de las Américas). Tal Mashiach se aleja del bajo para tocar la guitarra acústica en su pieza introspectiva de cierre “Vivi & Zaco” (también con toques del acordeón de Gonçalves). Y James Shipp, cuyo "Baroquen Spirit" abre el álbum con una vena de cámara de rubato con destellos de disonancia fugaz, contribuye con una percusión variada y un vibráfono armónicamente expansivo.

El primer concierto en vivo de "Quartetinho" tuvo lugar el 7 de marzo de 2020 en el Teatro Miller de la Universidad de Columbia; el 8 de marzo, Miller cerró, seguido rápidamente por gran parte de los EE. UU. y el mundo. “Un año y medio después finalmente entramos al estudio para grabar”, confesaba Anat Cohen. “Tomó un minuto, pero esto es solo el comienzo. Siempre animo a los miembros de la banda a escribir. Mi próxima idea es ir a algún lugar y pasar dos semanas escribiendo música juntos para nuestro próximo proyecto, aportando todas nuestras influencias.de una manera no específica de género. Nuestra mezcla de influencias y la ilusión y ganas de colaborar y ensayar no se encuentra tan a menudo. Es emocionante encontrar personas que realmente quieran reunirse y jugar. No importa en qué estemos trabajando, siempre se nos ocurren ideas, probamos cosas y todos somos multiinstrumentistas, por lo que siempre hay muchas opciones que podemos tomar. Este tipo de 'campamento de escritura' sería una gran experiencia y algo que no había hecho antes".

"Quartetinho" es el último de una serie de salidas musicales brasileñas que han llegado a constituir un elemento importante en el cuerpo de trabajo de Cohen. Ha realizado dos discos a dúo con el guitarrista de siete cuerdas Marcello Gonçalves (sin relación con Vitor), Outra Coisa: The Music of Moacir Santos (2017) y Reconvexo (2021). También se unió al Trio Brasileiro (percusionista Alexandre Lora, guitarrista Douglas Lora, mandolinista Dudu Maia) en el lanzamiento de Anzic de 2017 Rosa Dos Ventos. Estos proyectos fueron grabados en Río de Janeiro y Brasilia y recibieron nominaciones al GRAMMY por Mejor Álbum de World Music (Outra Coisa) y Mejor Álbum de Jazz Latino (Rosa Dos Ventos). Cohen también ha trabajado en Choro Ensemble, Samba Jazz Quintet de Duduka Da Fonseca y Beat the Donkey de Cyro Batista.

Los Esperamos, cafecito de por medio en Jazz Cafè FM - Radio Argentina de Jazz, para disfrutar la Premiere Exclusiva presentando a la clarinetista israelì de jazz ANAT COHEN desde Su Nuevo Album "Quartetinho" editado por el sello Anzic Records

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BRIAN LYNCH & SPHERES OF INFLUENCE - "SONGBOOK VOL.2: DANCE THE WAY U WANT TO" (2022)

El trompetista amèricano de jazz BRIAN LYNCH, ganador de varios premios GRAMMY®, se enorgullece en anunciar el lanzamiento del segundo volumen de su aclamada serie Songbook: "Brian Lynch And Spheres Of Influence – Songbook Vol. 2: Dance The Way U Want To", que estarà disponible el 12 de agosto a travès de Hollistic MusicWorks.

La serie "Songbook" de BRIAN LYNCH recupera las muchas composiciones originales que grabó para otros sellos a lo largo de su carrera en su propio sello Hollistic Music Works, en versiones nuevas y mejoradas. Viniendo directamente después del aclamado "Songbook Vol. 1: Bus Stop Serenade", que fue nombrado uno de los mejores álbumes de 2021 de Jazz Times, "Dance The Way U Want To" continúa el proyecto con un enfoque en trabajos que narran la mezcla personal única de Lynch de estilo de jazz moderno directo con elementos musicales afrocaribeños. , reflejando su larga y distinguida carrera en ambos idiomas.

“El encuentro con la música afrocaribeña y la clave ha sido esencial para formar mi concepto musical general, estilo de interpretación y producción compositiva”, explica Lynch. La génesis de lo que podría llamarse el 'lado latino' de su obra musical se remonta a los primeros días del trompetista en su ciudad natal de Milwaukee como parte de La Chazz, una agrupación de 11 integrantes formada por el guitarrista Toty Ramos, donde Lynch tocaría toque los excelentes temas originales de jazz latino del líder junto con sus minuciosas transcripciones de salsa y gemas latinas directamente de los discos.

Fue junto a Ramos donde los oídos de Lynch se abrieron a las grandes listas de éxitos del ícono del piano puertorriqueño Eddie Palmieri, con quien Lynch colaboraría en su asociación musical de varias décadas. Por primera vez, Lynch vio las profundas conexiones que tenía esta música con el jazz, así como las obras de los artistas con los que se había iniciado, como Horace Silver, McCoy Tyner, Dizzy Gillespie y John Coltrane. Esta tenencia juvenil en La Chazz marcó el comienzo de la educación permanente de Lynch en la música afrocaribeña y sentó una base sólida para su carrera profesional de jazz latino. Después de mudarse a la ciudad de Nueva York desde Milwaukee, tocó y grabó con orquestas de salsa para Angel Canales y realizó una gira internacional con el legendario vocalista Hector LaVoe.

"Dance The Way U Want To" presenta música formada durante un período de casi cuarenta años, desde 1980 hasta 2018, incluidas dos nuevas composiciones grabadas aquí por primera vez: "E.P's Plan B", dedicada a Palmieri; y “The Disco Godfather”, un homenaje al humorista negro y cineasta pionero Rudy Ray Moore. Los "remakes" se basan en gran medida en el material cortado originalmente durante la larga asociación de Lynch con el sello Criss Cross, que van desde "Change Of Plan", grabado en su álbum debut como líder (Peer Pressure de 1986), hasta números como "Across The Bridge” y la canción principal “Dance The Way U Want To”, de su serie de álbumes de ConClave entre 2003 y 2010. Lo más destacado del álbum es una conmovedora versión instrumental de “Que Seriá la Vida”, el hermoso bolero que Lynch co- escribió con la cantante Lila Downs para el álbum ganador del premio GRAMMY de Lynch en 2006 "Simpático".

"Dance The Way U Want To" documenta un aspecto esencial del mundo musical de Lynch y representa una fase importante de su vida musical a través de los grandes músicos que forman el grupo en este álbum, la edición de Miami de su conjunto de larga duración Spheres Of Influence. Todos los músicos de este álbum tienen conexiones con la gran escena musical de Miami, ya sea a través de su residencia en el área o por su relación con The Frost School Of Music de la Universidad de Miami, donde Lynch ha enseñado desde 2011.

El baterista Hilario Bell fue una parte fundamental del álbum de big band ganador del premio GRAMMY 2019 de Lynch, The Omni-American Book Club, al igual que el percusionista Murphy Aucamp y el pianista Alex Brown, colaboradores frecuentes y valiosos en sus grupos durante los últimos años y en demanda. músicos de la escena neoyorquina. El otro pianista de este disco, Kemuel Roig, quien ha formado parte de los grupos de Arturo Sandoval y Al DiMeola entre otros, es uno de los ejemplos más brillantes del talento residente en la región del Sur de la Florida, al igual que el bajista del disco completo, Rodner Padilla, un actor y productor internacionalmente aclamado y ganador de varios premios GRAMMY Latinos. Estos talentosos músicos han formado el núcleo de los grupos de actuación de Lynch en Miami durante más de cinco años y también han tocado en sus grupos en festivales y conciertos, tanto en todo el país como internacionalmente.

Tom Kelly, Chris Thompson-Taylor y Aldo Salvent, los elocuentes saxofonistas de este álbum, fueron encontrados originalmente por Lynch en Frost, Salvent como estudiante de doctorado en el programa Studio Music and Jazz y Thompson-Taylor y Kelly como estudiantes de pregrado participantes en Lynch's Artist Ensemble (Aucamp, Roig y Brown también han sido parte del famoso programa de jazz de Frost durante el tiempo que Lynch estuvo allí).

De hecho, este brillante conjunto ha ayudado e instigado suntuosamente a Lynch en su proyecto en curso para recuperar completamente su catálogo de composiciones para él y Hollistic MusicWorks. Una vez más, como en Songbook Vol. 1, Lynch ha convertido este lanzamiento en un conjunto de dos discos, el segundo disco esta vez presenta versiones editadas de las pistas optimizadas para la programación de radio. Y una vez más, las nuevas versiones se dan cuenta del potencial de la amalgama hard bop/clave de Lynch más plenamente que en cualquier versión anterior.

“La razón por la que comencé mi propio sello fue para darme la libertad de grabar mi propia música, junto con la música de otros artistas a los que disfruto y respeto, de una manera que se dé cuenta del potencial de la música en la mayor medida posible”. afirma Lynch. "Dance The Way U Want To" cumple esa visión magníficamente, con una excelente interpretación, una excelente calidad de sonido y valores de producción que hacen que estas nuevas interpretaciones sean verdaderamente definitivas. 

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafè FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar la Premiere Exclusiva del Nuevo Album del pianista BRIAN LYNCH con SPHERES OF INFLUENCE-"SONGBOOK VOL.2: DANCE THE WAY U WANT TO"

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CLIFF KORMAN TRIO - "BRASILIFIED" (2022)

A lo largo de su carrera, CLIFF KORMAN siempre ha amado y se ha inspirado en la música brasileña y el jazz moderno. Al mismo tiempo, el pianista ha resistido consistentemente la tentación de tocar de una manera predecible, y en su lugar se ha estirado y ha creado nuevas interpretaciones.

 

"Brasilified" es Su Nuevo Album que lo presenta acompañado junto con el bajista Augusto Mattoso y el baterista Rafael Barata, profundizando en un conjunto de ricas composiciones de maneras sorprendentes.

 

El álbum completo estará disponible el 12 de agosto como un lanzamiento solo digital, será precedido por dos sencillos: “Speak No Evil” de Wayne Shorter (29 de julio) y “Triste” de Antonio Carlos Jobim (5 de agosto).

 

El Nuevo Album comienza con una extensa exploración de la “Guadalupe” del clarinetista Paulo Moura. Desde su comienzo atmosférico hasta la interacción intuitiva de los músicos, esta intrigante actuación está llena de pasión y aventura. Lo que sigue es una melodía relajante de Milton Nascimento ("Viola Violar") que presenta el piano conmovedor de Korman tocando sobre el ritmo infeccioso. “Triste” recibe una nueva ambientación armónica, aunque aparece su famosa melodía.

 

El saxonista alto Paulo Levi es invitado en los próximos dos números. "Speak No Evil". “As Rosas Não Falam” es un contraste, una balada malhumorada y melancólica que se convierte en un vals de jazz, bellamente interpretada por el cuarteto. “Dininha” continúa en esa línea con una interacción particularmente cercana entre Korman y el bajista Mattoso. Korman interpreta “Da Cor do Pecado” solo al piano, pensando en voz alta en el teclado mientras explora varios estados de ánimo con una emoción tranquila. Su original “Brasilified” es la actuación más extrovertida de la sesión, un jovial revolcón que conduce el baterista Rafael Barata. El conjunto continuamente estimulante concluye con una segunda y más breve versión de "Guadeloupe" que no es menos aventurera que la versión de apertura.

 

CLIFF KORMAN nació en Nueva York, estudió con los maestros del jazz Barry Harris, Kenny Barron, Roland Hanna, Ron Carter y Dave Liebman, y obtuvo su doctorado en la Escuela de Música de Manhattan, donde creó y dirigió el Brazilian Jazz Ensemble. En 1981 conoció al clarinetista brasileño Paulo Moura en el Instituto de Música del Mundo de Creative Music Studio en Woodstock y ese fue un punto de inflexión, lo que resultó en una carrera que ha incluido una serie gratificante de interpretaciones de jazz moderno de la música brasileña. En el camino, el ingenioso pianista grabó con Gerry Mulligan, Astrud GIlberto, Ana Caram, Christy Baron, Chuck Mangione, Jon Lucien y Corina Bartra, y produjo una serie de música brasileña para el sello Chesky, incluyendo Entre Amigos con Rosa. Passos y Ron Carter. Como líder, encabezó discos como Mood Ingênuo: The Dream of Pixinguinha and Duke Ellington, Rhapsody in Bossa (la música de Gershwin y Jobim), Gafieira Dance Brasil, Trains Of Thought y Migrations. Además, Korman, quien ha vivido mucho tiempo en Brasil, es profesor del Instituto Villa Lobos-UNIRIO en Río de Janeiro, enseñando Música Popular Brasileña e Improvisación.

 

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafè FM-Radio Argentina de Jazz, la Premiere Exclusiva el Nuevo Album del pianista CLIFF KORMAN - "BrasiliField".

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JEAN FINEBERG - "JEAN FINEBERG & JAZZPHORIA"

La saxofonista-flautista tenor JEAN FINEBERG pone la guinda al pastel de 50 años de carrera lanzamiento del Album  "Jean Fineberg & JAZZphoria" en su sello Pivotal Records. 

 JEAN FINEBERG ha estado acumulando un cuerpo asombroso de logros que incluye bandas de rock y fusión, sesiones de trabajo sobre éxitos del pop y giras con íconos del jazz, la salsa, desde principios de 1970.

 El Octeto (el JAZZphoria del título) incluy a la saxofonista barítono-clarinetista bajo Carolyn Walter, la tecladista-flautista Erika Oba, las trompetistas Marina Garza y ​​Tiffany Carrico, la guitarrista Nancy Wenstrom, la bajista Susanne DiVincenzo y el baterista Lance Dresser, además de invitados especiales.

Gran parte del personal de JAZZphoria coincide con la Big Band de mujeres de Montclair, la célebre Bay Ensamble del área del cual Fineberg ha sido asistente de dirección y compositor residente desde 1997. 

Confesaba la propia JEAN FINEBERG:"Yo quería un ambiente de equipo”, añade con respecto a su estrategia. “Tenemos eso en la big band, así como en JAZZforia. … Sin embargo, tenemos un hombre en la batería, ¡así que no somos una de esas bandas de un solo género!”

La apertura "Bluesworthy" es un swing clásico de big band, mientras que

“Unfinished Business” es un tango astuto, “Dive Bar” es un blues punzante dirigido por guitarras.,“Raw Bar”, aunque usa un lenguaje armónico del Medio Oriente, se remonta a la banda de fusión "DEUCE" que Fineberg codirigió en la década de 1980 “No quiero que toda mi música suene igual”, dice Fineberg. "Estoy demasiado interesado en cosas diferentes".

En resumen, "Jean Fineberg & JAZZphoria" es el sonido no solo de uno, sino de toda una serie de artistas altamente talentos consumados y versátiles. Aun así, es Fineberg quien, además de liderar la banda, compuso todas menos una de las melodías y arregló todo el álbum, cuya visión está en el corazón del álbum.

Nacida el 1 de abril de 1946 en el Bronx y criada en las cercanías de New Rochelle, Jean Fineberg sabía que era una músico desde la primera infancia. Comenzó a estudiar piano a los 6 años y violín a los 9 antes de descubrir la flauta a los 11. También incursionó en la batería y la guitarra cuando era adolescente, y finalmente comenzó a estudiar saxofón tenor, que se convirtió en su principal instrumento. Se lo llevó junto con la flauta a la Universidad Estatal de Pensilvania, donde obtuvo dos licenciaturas y una maestría en sucesión.

En 1972, Fineberg se convirtió en miembro fundador de Isis, una banda de jazz-rock exclusivamente femenina con sede en Manhattan.Si bien la banda nunca logró un gran éxito comercial, ganó críticas positivas y abrió las puertas paraFineberg en la escena musical de Nueva York. Junto con los tres álbumes de Isis, tocó en docenas degrabaciones de las décadas de 1970 y 1980, incluidos grandes éxitos de David Bowie, Sister Sledge y Chic comoasí como la sección de vientos de Brecker Brothers. Hizo una gira con Laura Nyro y la trombonista/directora de orquesta de jazz.Melba Liston y actuó con Dizzy Gillespie y Clark Terry en el Carnegie Hall. A mediados de los años 80, Fineberg cofundó (con Ellen Seeling) la banda de fusión "DEUCE", que se convirtió en un elemento básico de Festivales de Jazz  y grabó dos álbumes de su música original.

Al establecerse en el Área de la Bahía de San Francisco, Fineberg se restableció en la década de 1990 como miembro del Oeste de primera llamada. Músico de la Costa antes de unirse a la recién establecida "Montclair Women’s Big Band de Seeling" en 1997. 25 años después, ha sido su salida principal, tanto en la sección de cañas como en la principal de la banda.compositor y arreglista. La maestría musical superlativa que encontró en la banda fue el catalizador para "Jean Fineberg & JAZZphoria", el largo debut de Fineberg como líder de la banda.Fineberg forma parte del cuerpo docente de la Escuela de Jazz del Conservatorio de Jazz de California en Berkeley, donde dirige Jazz & Blues Camps anuales para mujeres y niñas ("mi forma de intentar de devolver el favor").

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafè FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar el Album solista de la saxofonista y compòsitora JEAN FINEBERG - "Jean Fineberg & JAZZphoria".

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MIGUEL ZENON - "MUSICA DE LAS AMERICAS" (2022)

El reconocido saxofonista y compositor puertoriqeño MIGUEL ZENÒN presenta Su Nuevo Album "Música de Las Américas", inspirado en la historia del continente americano, el 26 de agosto de 2022 a travès del sello Miel Music. "Música de Las Américas" presenta música completamente nueva de MIGUEL ZENÒN para su cuarteto de trabajo de mucho tiempo más maestros percusionistas de su Puerto Rico natal.

“Esta música está inspirada en la historia del continente americano: no solo antes de la colonización europea, sino también en lo que ha sucedido desde entonces, causa y efecto”, dice Miguel Zenón sobre su último álbum de obras originales, "Música de Las Américas"...La música surgió de la pasión de Miguel Zenón por la historia del continente americano, y el álbum resultante rinde homenaje a sus diversas culturas y al mismo tiempo desafía las suposiciones modernas sobre quién y qué es "América".

 

Con su cuarteto de larga data integrado por el pianista Luis Perdomo, el bajista Hans Glawischnig y el baterista Henry Cole, "Música de Las Américas" representa una ampliación del alcance y la ambición de Zenón, quien es mejor conocido por combinar el modernismo de vanguardia con la música folclórica y tradicional de Puerto Rico. Al realizar un proyecto tan amplio, Zenón contrató al ilustre conjunto puertorriqueño Los Pleneros de La Cresta para contribuir con su inconfundible sonido. tambièn hay contribuciones adicionales de los maestros músicos Paoli Mejías en percusión, Daniel Díaz en congas y Victor Emmanuelli. en barril de bomba.

 

Las composiciones de Zenón sobre "Música de Las Américas" reflejan el dinamismo y la complejidad de las culturas indígenas de América, sus encuentros con los colonos europeos y las implicaciones históricas resultantes. Zenón se sumergió en estos temas durante la pandemia, leyendo clásicos como Venas Abiertas de América Latina, de Eduardo Galeano, que detalla la explotación occidental de los recursos de América del Sur y se convirtió en la inspiración para Las “Venas Abiertas” de Zenón.

 

Otras fuentes de inspiración incluyen “Taínos y Caribes” de Sebastián Robiou Lamarche, en referencia a las dos sociedades principales que habitaron el Caribe antes de la colonización europea y que son el tema de apertura del álbum. “Eran las dos sociedades predominantes pero muy diferentes: los taínos eran una sociedad agrícola más pasiva mientras que los caribes eran guerreros que vivían para la conquista”, dice Zenón, quien captura el choque de las sociedades en los ritmos entrelazados de la pieza.

 

Siguiendo el hilo de las sociedades indígenas del Caribe, “Navegando (Las Estrellas Nos Guían)” rinde homenaje a la cultura marinera que existió en toda la región. “Una cosa que me asombró fue cómo podían viajar largas distancias por el mar solo usando canoas mientras eran guiados por las estrellas”, dice Zenón. "Eso abre conversaciones sobre lo que es 'arcaico' versus lo que es 'avanzado' en términos de logros científicos entre el 'Nuevo Mundo' y el 'Viejo Mundo'".

 

Zenón se refirió a las formaciones estelares utilizadas para la navegación por esas sociedades como base musical de la canción, en la que destaca la percusión y voz de Los Pleneros de la Cresta, quienes cantan y acompañan el coro titular: “Navegando vengo, sigo a las estrellas .”

Posiblemente la pieza más desafiante del álbum en su disonancia armónica y complejidad, “Opresión y Revolución” evoca la tensión y liberación de las revoluciones en el continente americano, notablemente la Revolución Haitiana entre otras. Con la percusión de Paoli Mejías combinada con el trabajo de piano de percusión de Perdomo, la pieza también refleja la influencia de la música vudú haitiana, a la que Zenón estuvo fuertemente expuesto mientras trabajaba con el baterista Ches Smith y su conjunto “We All Break”.

 

Aunque para muchos el término “imperio” recuerda el mundo occidental contemporáneo, Zenón compuso “Imperios” teniendo en cuenta los diversos imperios indígenas de América, incluidos los incas, mayas y aztecas. “Eran algunas de las sociedades más avanzadas de su época; de hecho, estaban en cierto modo más avanzados que lo que estaba ocurriendo en Europa en términos de matemáticas y astronomía contemporáneas, sociedad y política”, dice Zenón. “Ya había algo allí que estaba realmente avanzado, y me hace pensar en lo que podría haber sido: ¿qué habría resultado de eso?”. La melodía deriva de la transcripción de Zenón de la música de una ceremonia de descendientes aztecas, que es la contraparte de la estructura rítmica de la canción.

 

“Bambula” presenta al virtuoso de la percusión Víctor Emmanuelli, a quien Zenón elogia por empujar el sobre musical como líder de banda por derecho propio. El término “bambula” se refiere a una danza que fue traída por los esclavos africanos a las Américas. Con el tiempo, la bambula se convirtió en el ritmo comúnmente conocido como “habanera”, que se encuentra en gran parte de la música latinoamericana actual. Aquí, Zenón captura la sensación de conexión a través del tiempo y el espacio que transmite esta única célula rítmica:

 

“Es un hilo desde Nueva Orleans hasta Brasil, América Central y África, a través de todas estas épocas, desde el pasado hasta el pop contemporáneo”, dice Zenón. “Para mí, quería que se sintiera como si estuvieras en el baile, pero al mismo tiempo escuchando esta armonía y melodía más modernas”.

 

Al resaltar estas conexiones entre regiones geográficas, Zenón también regresa a un tema principal a lo largo del álbum: la concepción de América no como un país, es decir, solo refiriéndose a los Estados Unidos modernos, sino como un continente. “América, el Continente” aclara ese punto mientras recuerda a los oyentes las implicaciones políticas de que Estados Unidos asuma la propiedad del término “América”, con su sutil borrado del hemisferio occidental restante.

 

“Antillano”, llamado así por los residentes de las Antillas, muestra por lo que Zenón es mejor conocido: unir el pasado y el presente de una manera musicalmente satisfactoria y con visión de futuro. Terminando el álbum con una nota optimista, la pieza emula aspectos de la música bailable contemporánea mientras sirve como característica de Daniel Díaz en las congas. Algunas sorpresas extrañas pueden volar más allá del oído de un oyente casual, pero lo hacen sin ninguna interrupción en el flujo musical transmitido con tanta naturalidad por el cuarteto de Zenón.

 

Al confrontar temas históricos a menudo desafiantes en "Música de Las Américas", Zenón ha creado una obra maestra, cuyas delicias musicales inspirarán y animarán mientras estimulan una conversación sobre las dinámicas de poder problemáticas en todo el continente americano. La premisa de que el jazz moderno no puede ser a la vez emocionante y emocionalmente resonante para el oyente casual mientras formal e intelectualmente convincente es evidentemente falsa, lo que Zenón demuestra aquí como lo ha hecho una y otra vez a lo largo de su carrera.

Sobre Miguel Zenón:

Nominado a múltiples premios Grammy® y miembro de Guggenheim y MacArthur, Zenón forma parte de un selecto grupo de músicos que han equilibrado y combinado magistralmente los polos, a menudo contradictorios, de innovación y tradición. Ampliamente considerado como uno de los saxofonistas más innovadores e influyentes de su generación, Zenón también ha desarrollado una voz única como compositor y conceptualista, concentrando sus esfuerzos en perfeccionar una fina mezcla entre el Jazz y sus muchas influencias. Nacido y criado en San Juan, Puerto Rico, Zenón ha grabado y realizado giras con una amplia variedad de músicos, incluidos Charlie Haden, Fred Hersch, David Sánchez, Danilo Pérez, Kenny Werner, Bobby Hutcherson y The SFJAZZ Collective.

Los Esperamos, en Jazz Cafè FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar de la Presenrtaciòn Exclusiva del Nuevo Album del saxofonista y compositor, nativo de Puerto Rico, MIGUEL ZENÒN - "Mùsica de las Amèricas".

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DAN NEVILLEE & XIOMARA TORRES - "LA VOZ DEL MAR"

"La Voz del Mar", el deslumbrante nuevo álbum del vibrafonista Dan Neville y la vocalista Xiomara Torres, saldrá a la venta el 15 de julio de 2022 a través de Patois Records. 

La grabación celebra los ritmos y las canciones de generaciones de afrocolombianos que viven y hacen música en la costa pacífica de Colombia, y presenta el impresionante canto de Xiomara Torres, quien proviene de una de las familias musicales más ilustres de la región. Los artistas invitados incluyen a John Benítez, Edmar Castañeda, John Santos, Wayne Wallace y Destiny Muhammad.

Dan Neville, quien ha estudiado durante mucho tiempo con maestros de la música en Cuba y Colombia, encabeza la excursión, parte de un esfuerzo continuo por compartir un patrimonio cultural extraordinario de esta región poco conocida.

Las semillas musicales esparcidas por las Américas por la diáspora africana echaron raíces lejos de la patria, y finalmente brotaron en una asombrosa variedad de estilos, tradiciones y modismos afines. Algunos, como el son cubano, la samba brasileña y el blues estadounidense, repercutieron rápidamente en todo el mundo. Pero otros han sido pasados ​​por alto y subestimados, como los fascinantes ritmos y canciones de la costa pacífica de Colombia, donde generaciones de afrocolombianos han nutrido una variedad de música verde que no se escucha en ningún otro lugar del mundo.

"La Voz del Mar" presenta a la deslumbrante cantante Xiomara Torres (pronunciada See-o-mar-a), que proviene de una de las familias musicales más ilustres de la región.

 

Encabezado por el vibrafonista de San Francisco Dan Neville, un músico de jazz muy hábil que ha pasado años estudiando con maestros de la música en Cuba y Colombia, el álbum fue creado en homenaje al maestro recientemente fallecido Diego Obregón, tío de Xiomara, venerado marimbero y constructor de instrumentos. y repositorio de música del Pacífico. Grabado en un estudio de Cali construido para Obregón con fondos recaudados por Neville a través de una campaña de Indie Go-Go, "La Voz del Mar" es parte de un esfuerzo continuo por compartir un patrimonio cultural extraordinario de una región poco conocida que se pasa por alto incluso dentro de Colombia.

 

Nacida y criada en el pueblo rural de Guapi y radicada en Cali, Xiomara Torres graba y actúa con algunos de los conjuntos folclóricos más aclamados de la región del Pacífico, incluidos Canalon de Timbiqui y Grupo Bahía. Pero La Voz del Mar no es un proyecto conservacionista. Mientras se basa en sus profundas raíces tradicionales, también encuentra inspiración en una panoplia de estilos contemporáneos que incluyen salsa, bolero, cumbia y vallenato.

 

“Esto realmente muestra mi rango musical y lo que soy capaz de hacer artísticamente”, dijo Torres, hablando en español a través de un intérprete. “La base del proyecto tiene sus raíces en el Maestro Diego y toda la música que nos dio. Basamos nuestra interpretación artística de estos ritmos específicos de la región sin perder la cultura de raíz del Pacífico. Realmente se trata de mostrar y promover la gama artística completa de la música afrocolombiana”.

 

“Cali es este lugar donde hay una confluencia única de tradiciones folclóricas de la costa del Pacífico, salsa, jazz, reggaetón, vallenato y todos estos otros estilos”, agregó Neville. “Es muy único e inspirador. Creo que las canciones del álbum reflejan eso. Xiomara es de Guapi y canta con cierto swing que viene de la música folclórica”.

Si bien "La Voz del Mar" solo rasca la superficie de las riquezas musicales de la región, el álbum presenta un caso convincente de que la música del Pacífico se encuentra junto a las floraciones más conocidas de la diáspora africana. No sorprende que la música llamara la atención del trombonista Wayne Wallace, cuyo sello Patois ha lanzado una serie de álbumes nominados al Grammy que amplían el léxico del jazz latino. “Existe una gran sinergia entre la música folclórica, el jazz moderno y la salsa”, dijo Wallace, profesor titular en el programa de estudios de jazz de la Escuela de Música Jacobs de la Universidad de Indiana. “Este álbum abraza el pasado sin comprometerlo y mira hacia lo que puede ser la música en la diáspora sin perder sus raíces”.

 

"La Voz del Mar" refleja el profundo compromiso de Neville con la cultura afrocolombiana. Galardonado multiinstrumentista, compositor, intérprete y arreglista de big band de jazz, obtuvo una experiencia invaluable como solista destacado que compuso y arregló para Monday Night Big Band del SFJAZZ Center durante siete temporadas (2013-2016). Ganó el primer lugar en la competencia Jazz Search West en 2017, el mismo año en que lanzó Tenerife, su álbum debut aclamado por la crítica con sus composiciones originales y un sexteto lleno de talento que incluye al maestro de percusión John Santos, la flautista Rebecca Kleinmann, el arpista Destiny Muhammad, el pianista Grant Levin y el violinista Anthony Blea. Su exitosa campaña de crowd funding para construir un estudio de grabación en Cali coincidió con sus profundos estudios con Diego Obregón.

Como vibrafonista, Neville llegó a la región a través de la marimba, un instrumento que define la música del Pacífico. Impresionado por la combinación de voces y mazos en una transmisión de radio, trató de rastrear el sonido hasta su origen “y me atrajo desde allí. He sentido curiosidad por las raíces de las vibraciones, que obviamente no vienen de Colombia, pero esa es una parada importante en el viaje. Definitivamente también me inspiro en el balafón africano. También me ha inspirado mucho la música de marimba, y Colombia es una de las fuentes más importantes de eso”.

 

Con la quinta población negra más grande fuera de África, Colombia ha descuidado durante mucho tiempo la región de la costa del Pacífico, que recibe poca atención del gobierno central. Mientras las artes negras de Brasil, Cuba, Haití y Perú habitan la arena internacional, la cultura afrocolombiana permanece encubierta..."La Voz del Mar" busca cambiar esa ecuación.

 

“En el Pacífico, nuestras voces son tan versátiles”, dijo Xiomara Torres...“Podemos cantar jazz, ópera, salsa, y podemos hacerlo sin perder las raíces. Siento una responsabilidad de abrir nuevos caminos y posibilidades, enraizados en esa tradición, pero no estancados en un solo género. Quiero recrear la identidad de un artista de la costa del Pacífico que contenga muchas cosas diferentes. Este es un comienzo”.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafè FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar el Nuevo Album de Dan Neville & Xiomara Torres - "La Voz del Mar".

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CHRISTOPHER JAMES - "A ROSE IN THE CANYON" (2022)

"Empecé a experimentar con estilos musicales más grandes y sofisticados en el álbum The Sad Waltz. “Las Estepas de Mora” y “Ostinato” son buenos ejemplos. En el siguiente lanzamiento, Grace de Persistence, "Mother Russia", "Beyond the Stars" y "Weimar Blues (1929)" llevaron esta evolución un paso más allá..." (Confesaba CHRISTOPHER JAMES)

"El proceso de composición siguió siendo el mismo en "A Rose in the Canyon": me senté al piano y, de una manera muy "analógica", presioné grabar en la función de memoria del iPhone. La música se edita, si es necesario, y se transcribe en notación de piano: imagine a un pintor trabajando en un lienzo grande y arrojándole pintura en un acto aparentemente aleatorio. Pero en esa improvisación se revelan temas y combinaciones. Una vez que estoy satisfecho de que la pieza está terminada, entrego el siguiente paso creativo a los orquestadores. Gil Goldstein y yo hemos estado trabajando juntos durante algunos años y él contribuyó con su notable creatividad a “Adjunct/Disjunct”, “The Mighty Quinn (Martin)” y “Dr. Tocones fanfarrones”. Rob Mathes, mi compañero en tantas aventuras estos últimos 25 años, aportó su pasión a la pieza principal y a “Saudade”. Bob Stark, mi ingeniero y colaborador desde hace mucho tiempo (¡30 años!), orquestó "The Enigmatic City" y "Baile", este último presenta un glorioso solo de clarinete de John Nastos. John también creó la inventiva orquestación de “Blue in the 2nd Degree”. Bob mezcló todo el proyecto y fue mi copiloto de principio a fin. David Glasser hizo la masterización en su maravilloso estudio en Boulder, Colorado" (contaba el propio CHISTOPHER JAMES)

"Las cuatro sesiones de grabación en vivo tuvieron lugar en noviembre de 2022 en Power Station Studio A, en la ciudad de Nueva York. Algunos de los músicos destacados son: John Patitucci en el bajo, Antonio Sánchez en la batería, Alex Sopp en la flauta, Jim Beard y Gil Goldstein en el piano, así como un grupo maravilloso de músicos diversos y brillantes del área de Nueva York. Rob Mathes y Gil Goldstein hicieron una doble tarea dirigiendo y manteniendo el ambiente ligero, pero concentrado. En esta etapa de mi vida, el proceso colaborativo es el elemento más importante en mi viaje creativo. Covid desafió ese viaje, pero finalmente la música prosperó...Espero que les traiga tanta alegría como a mí..."(Confesaba el propio CHRISTOPHER JAMES)

Christopher James (nacido como Christopher James Roberts) es un compositor, productor (Paula Cole, Renée Fleming, Val Gardena) estadounidense y ex director ejecutivo de la división de música clásica y jazz de Universal Music Group. Un consumado pianista clásico, obtuvo un B.A. en Música y Literatura Alemana en Lewis and Clark College en su ciudad natal de Portland, Oregon. Sus estudios de posgrado en Musicología en la Universidad de Illinois lo llevaron a Alemania para realizar investigaciones de posgrado. Se quedó y durante varios años compuso y produjo música para la industria cinematográfica y televisiva alemana. Con un estilo que refleja el pop, así como su formación clásica y de jazz, la música de James se escuchó en horario de máxima audiencia en varias cadenas de televisión nacionales alemanas. Las influencias musicales incluyen a Elton John, Burt Bacharach, Brian Eno, Jimmy Webb, John Barry, George Gershwin, Bach, Chopin, Ravel y Stravinsky.

El cantante y guitarrista amèricano Bob Dylan dijo una vez: "Te dejaré estar en mi sueño si puedo estar en el tuyo"...La música de Christopher James, elegantemente concebida y profundamente sentida, hace que eso suceda..."

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafè FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar de la Premiere Exclusiva del Nuevo Album de CHRISTOPHER JAMES - "A ROSE IN THE CANYON".

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DOUG McDONALD & THE LA ALL-STAR OCTET - "OVERTONES" (2022)

 

Uno de los guitarristas de jazz más ocupados de Los Ángeles, es el guitarrista y compositor Doug MacDonald, quien aparece con su octeto estelar en Su Nuevo Album "Overtones". Doug MacDonald y su grupo con Rickey Woodard y Kim Richmond interpretan las canciones originales del guitarrista y clàsicos como "Lover Man".

Músicos: Doug MacDonald - Guitarra, arreglos, Aaron Janik - Trompeta, Kim Richmond - Saxofón alto (pistas 1-4, 6-8), Rickey Woodard - Saxofón tenor, Ira Nepus - Trombón, Bill Cunliffe - Piano acústico (pistas 1, 3-8), Piano eléctrico (pista 2) y Hammond B3 (pista 6), Chuck Berghofer - Bajo, Roy McCurdy - Batería, Paul Kreibich - Shaker (pista 2)

El set comienza con “Night By Night”, una pieza de tempo medio que

presenta a la banda. Todos menos McCurdy pueden hacer una declaración en solitario en la atractiva pieza que es un pariente de "Shiny Stockings". La bossa nova ligera pero armónicamente compleja “Bossa For PK” tiene una declaración extendida por parte del guitarrista y Richmond con su hermoso tono. “Blues por Ocho” le da a MacDonald (quien muestra sus propias voces de acordes), Woodard, Cunliffe y Janik oportunidades para hacer swing al blues. El vals de jazz de tempo medio “Hortense” tiene armonías coloridas por los cuernos en los ensambles al igual que “Lover Man” que es el escaparate del guitarrista. El funky “Over #21” es un cambio de ritmo (con algo de fuerte trombón de Nepus), precediendo al intrigante “Ground Up” y al cierre de tempo medio “Ricky Speaking”.

Doug MacDonald, quien se crió en Filadelfia, adquirió una amplia experiencia como guitarrista durante períodos en Hawái y Las Vegas antes de hacer Southern California su hogar. Desde entonces, ha trabajado con notables como Buddy Rich, Ray Charles, Bill Holman, Clayton-Hamilton Jazz Orchestra, Jack Sheldon y muchos otros, pero ha tenido su mayor impacto como líder.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafè FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar de la Premiere Exclusiva presenatbdo al guitarrista amèricano de jazz DOUG McDONALD desde Su Nuevo Album "Overtones"

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JOY LAPPS - "GIRL IN THE YARD" (2022)

La artista multimodal y compositora JOY LAPPS presenta "Girl in the Yard", su quinto lanzamiento líder y su primer álbum de larga duración exclusivamente con música y arreglos originales. Con una vibrante paleta de estilos, "Girl in the Yard", que saldrá a la venta el 8 de julio, rinde homenaje a las muchas mujeres que ayudaron a facilitar su dominio del steelpan y apoyaron su éxito en el movimiento de bandas de acero. “El proceso de componer y grabar este álbum se convirtió en una exploración de cómo puedo mostrarme en el mundo gracias a las mujeres, especialmente en mi comunidad, que me han apoyado”, dice la instrumentista nominada al Grammy.

La ganadora del premio Juno 2016 se ha presentado en todo el mundo como líder, artista destacada muy solicitada y miembro de aclamadas bandas de acero, incluidas Calypsociation en París, Birdsong Steel Orchestra en Trinidad y Tobago y su agrupación actual, Pan Fantasy, en su Toronto natal. . Para interpretar el audaz repertorio de Girl in the Yard, cuyo carácter va desde lo profundamente introspectivo hasta lo festivo, Lapps reunió a una poderosa banda de improvisadores. Su conjunto principal incluye a Elmer Ferrer a la guitarra, Jeremy Ledbetter al piano, Larnell Lewis a la batería y el coproductor Andrew Stewart al bajo eléctrico, junto con contribuciones de Michael Shand, Courtenay Frazer, Rob Christian, Eric St-Laurent, Rosendo Chendy Léon, Lapps ' las hermanas Shaquilla Alexander y Asha Lapps, y Elizabeth Rodríguez y Magdelys Savigne de OKAN, entre otras voces virtuosas.

Seleccionando elementos de tradiciones distintas pero mezcladas, incluidos éxitos de radio de África occidental, afrocaribeños, samba y vintage, "Girl in the Yard" destaca la improvisación lírica, el discurso rítmico y la composición cinematográfica. “Pienso en cómo quiero que se sienta el oyente”, dice Lapps, quien había estado escuchando selecciones de meditación y cánticos durante la segunda mitad del proceso de grabación. Ella considera que Girl in the Yard es microcósmica y documenta un momento de su amplia investigación sobre las mujeres detrás de su trabajo: "Estas son las mujeres que me han permitido florecer en un espacio creativo donde, tradicionalmente, las mujeres eran consideradas extrañas".

Como concepto, rendir homenaje a las mujeres, tanto conocidas como desconocidas, surgió durante un proceso creativo de años que comenzó antes de que ella diera a luz a su hijo en 2017. "Es algo que creció en mí cada vez más", dice Lapps. “Como parte de la investigación de mi maestría, intenté trazar un mapa de la tradición del steelpan en el jazz mirando la discografía. Creo que no tengo más que el nombre de una mujer en esa lista de principios de los 60”.

Grabado en Canterbury Music Company en Toronto, "Girl in the Yard" abre con un gesto dramático en "Lulu's Dream". Llamada así por su hermana, la historia se desarrolla en torno a melodías sincopadas y una confluencia de texturas del tenor pan de Lapps, el órgano de Frazer y el cambio de fase sinfónica de la guitarra de Ferrer. “Josie’s Smile” rinde homenaje a la hermanita de la artista y presenta un paneo melódico y conversacional entre Lapps y el mentor Andy Narell detrás de tenor y alto, respectivamente. “Breathless” revela el tratamiento tierno de Lapps de la melodía, cantable y meditativo, y sirve como característica para Shand en el piano y Christian en la flauta. "Juliet Blooms" y "Eyes of Amerralys" brindan dos interpretaciones de la complicada pero hermosa relación de Lapps con su madre. “Cuanto más experimento la vida como madre, ser humano y esposa”, dice, “más amo y aprecio a mi madre”.

Lapps se ve a sí misma como una artista comunitaria y mujer creativa. Su trabajo dentro y fuera del quiosco de música tiene como objetivo apoyar y descubrir las contribuciones de las mujeres y ayuda a facilitar una mayor representación. “Hay muchas más mujeres en el panyard ahora que tradicionalmente”, dice ella. “Creo que el ‘pertenecemos’ de ahora es que pertenecemos a espacios de liderazgo, de creatividad y organización, y pertenecemos a posiciones en las que realmente podemos moldear y dar forma a la cultura del espacio. Y lo hemos estado haciendo”.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafè FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar de la presentaciòn exclusiva del nuevo Album "Girl In The Yard" de la joven interprete de Steel Pan JOY LAPPS.

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THE MARGARET SLOVAK TRIO - "BALLAD FOR BRAD" (2022)

"Ballad for Brad", es el Nuevo Album de la guitarrista y compositorra amèricana de jazz MARGARET SLOVAK su esperado cuarto álbum como líder, que presenta a al guitarrista en plena forma en un trío con el bajista Harvie S y el baterista Michael Sarin. El proyecto lleva el nombre de su amado esposo Brad Buchholz, quien ha tenido una larga lucha contra el cáncer. Margaret Slovak contribuyó con las diez composiciones y, aunque los tempos son generalmente relajados y las improvisaciones reflexivas, la música está llena de ideas creativas y una interacción telepática del trío.

 

Margaret Slovak, originaria de Denver, se inició en la guitarra a los 11 años. A los 14 ya componía y dos años después empezó a tocar profesionalmente. Se graduó del Cornish College of the Arts en Seattle. En 1988 se mudó a la ciudad de Nueva York donde dirigió su propio grupo durante cinco años y grabó For the Moment (que se lanzó años después en 2007), un conjunto de ocho de sus canciones originales con un cuarteto que incluía al pianista Fred Hersch, el bajista Michael Formanek y el baterista Michael Sarin. Margaret se mudó a Portland, Oregón en 1993, donde grabó Undying Hope, interpretando sus originales como guitarrista solista. Realizó una gira con su cuarteto (que incluía al baterista Bob Moses), actuando en Alemania, la República Checa, Canadá y en todo Estados Unidos. A pesar de las lesiones sufridas durante el accidente automovilístico de 2003, pudo lanzar New Wings, un conjunto de piezas en solitario y a dúo, y pasó de 2008 a 2012 en la ciudad de Nueva York. Además, desde 1994, Margaret ha actuado para pacientes en centros de tratamiento de cáncer, hospitales y hospicios.

 

Ahora, después de muchas cirugías y una recuperación exitosa, en el 2003, Margaret Slovak, era una guitarrista emergente con un gran potencial y un sonido propio, quien resultó gravemente herida en un accidente automovilístico que le dañó la mano derecha, el brazo, el hombro y el plexo braquial. Después de muchas operaciones y años de lucha, ahora está en camino de regresar con éxito. Margaret Slovak (que actualmente vive en Austin, Texas) se está dando cuenta de su potencial: "Ballad for Brad", es su mejor grabación hasta la fecha y sirve como la introducción perfecta a sus talentos musicales.

 

“Maravillosas composiciones escritas por Margaret Slovak. Bellamente realizado por Margaret y compañía. Gran sonido de sus diversas guitarras: cálido, atractivo y atractivo. Una grabación que vale la pena escuchar una y otra vez", comentario del guitarrista Jack Wilkins

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafè FM - Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar del Nuevo Album de la guitarrista y compositora amèricana de jazz MARGARET SLOVAK con Su Trio - "Ballad For Brad".

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