MEHMET ALI SANLIKOL & WHATSNEXT - "Turkish Hipster-Tales From Swing To Psychedelic"

El pianista y compositor turco de jazz MEHMET ALI SANLIKOL regresa al formato de gran conjunto con esta nueva y poderosa colección de composiciones conmovedoras, interpretadas por su grupo "WhatsNext", en su séptimo álbum de estudio "Turksh Hipster-Tales From Swing To Psychedelic".

 MEHMET ALI SANLIKOL encuentra una línea que conecta las culturas musicales de todo el mundo y aprovecha estos puntos en común para crear obras que pueden resonar con todos nosotros: "Turkish Hipster" permite al oyente entrar en la mente del compositor y deleitarse con la belleza de un lenguaje musical global. Los invitados especiales incluyen a Anat Cohen, Antonio Sánchez y Miguel Zenón.

El lanzamiento del Album "Turkish Hipster-Tales From Swing To Psychedelic" será el 21 de julio de 2023 a través del sello DÜNYA. 

El gran conjunto estelar de MEHMET ALI SANLIKOL está compuesto por el baterista Antonio Sánchez, la clarinetista Anat Cohen, los saxofonistas altos Miguel Zenón, Mark Zaleski, Aaron Kaufman-Levine y Lihi Haruvi, los saxofonistas tenores Rick DiMuzio, Bill Jones y Aaron Henry, los saxofonistas barítonos Melanie Howell Brooks y Kathy Olson, los trompetistas Mike Peipman, Jeff Claassen, Dan Rosenthal, Doug Olsen y Jerry Sabatini, los trombonistas Chris Gagne, Bob Pilkington y Garo Saraydarian, el trombonista bajo Angel Subero, el pianista Utar Artun, el guitarrista Phil Sargent, el bajista Fernando Huergo y los percusionistas Bertram Lehmann y George Lernis, el propio MEHMET ALI SANLIKOL también contribuye al álbum cantando e interpretando varios instrumentos turcos, así como el berimbau, sintetizadores, teclados y Fender Rhodes.

"Turkish Hipster", podría evocar imágenes de residentes de Brooklyn dando pequeños gorros de lana rebuscando en cajas de discos de vinilo, el apodo, de hecho, pretende describir al propio líder de la banda MEHMET ALI SANLIKOL al parecer, es el hipster original (el compositor se desprendió de su formación pianística clásica occidental para tocar rock progresivo en su adolescencia). Cuando el progresivo se convirtió en la corriente principal, pasó a estudiar jazz. Cuando no existía un instrumento digital lo suficientemente adecuado para ejecutar sus líneas de melodía microtonal, diseñó y creó uno, conocido como "SANLIKOL Renaissance 17". Finalmente, donde no existía antes un sonido que encarnara los muchos lenguajes musicales en los que está tan profundamente inmerso, MEHMET ALI SANLIKOL creó ese sonido, junto con su magistral conjunto 'WhatsnNext?'. inconformista; intelectual; hombre renacido, MEHMET ALI SANLIKOL está impulsado por la pasión y la autenticidad. 

En este Nuevo Album "Turkish Hipster", el público escucha capoeira brasileña casada con folk turco, rock psicodélico turco extraído de la década de 1970 y hip-hop estadounidense, todo dentro de un idioma de orquesta de jazz. Históricamente, el álbum presenta la primera interpretación grabada de las secciones de saxofón y trompeta de una orquesta de jazz que toca sabores microtonales precisos de la música turca. MEHMET ALI SANLIKOL logró estos resultados mediante el uso de digitaciones alternativas y varias técnicas que perfeccionó durante varias décadas.

“Quizás sea justo decir que este álbum presenta música original innovadora escrita para orquesta de jazz que tiene puntos de entrada para una amplia audiencia debido a su variedad estilística y accesibilidad”, reflexiona Sanlikol.  Si bien reconoce que las influencias no occidentales tienden a inspirar muchas grabaciones de jazz en estos días, cree que esta es particularmente especial: “Lo que sugiero y presento en este álbum es una forma sofisticada de cosmopolitismo que nos permite acceder a muchas mundos sin pretender reducirlos o estandarizarlos”.

En el tema “A Capoeira Turca (Baia Havası)”, mientras que las trompetas y el clarinetista destacado, Anat Cohen, se pueden escuchar tocando sabores microtonales seleccionados de la música folclórica turca a través de digitaciones alternas desarrolladas por MEHMET ALI SANLIKOL el elemento musical vinculante es el surco híbrido que se conecta a un sonido más ligero. y un sentimiento brasileño más funky que recuerda a los que se encuentran en las grabaciones clásicas de rock turco de la década de 1970. Quizás la declaración compositiva más aventurera y expansiva del álbum es "The Times of the Turtledove", que se inspiró en un ciclo rítmico clásico otomano/turco derivado de la llamada de una tórtola. Esta pieza con Miguel Zenón presenta una sección microtonal extendida totalmente impregnada de música clásica otomana/turca.

“The Boston Beat” rinde homenaje al gran legado del jazz de Boston con el reconocido rapero Raydar Ellis, así como Anat Cohen, Antonio Sánchez y Miguel Zenón. Sanlıkol señala que ““Estarabim” ciertamente ha sido una de mis canciones de rock turcas favoritas de todos los tiempos y es el tipo de clásico que sería reconocido de inmediato por casi cualquier persona turca”, comparte el artista con sede en Boston. “Si bien tiendo a distanciarme de la música que ha alcanzado el estatus de clásico, hice una excepción aquí debido a que me convenció el arreglo de vientos y las influencias del ska/reggae”.

La "Suite de Abraham", que concluye el álbum, se encargó y grabó por primera vez en el Festival Jazzaar en 2019. Ese proyecto reunió a tres compositores diferentes (Gil Goldstein, Fritz Renold y Sanlıkol) que representan las versiones de la historia de Abraham de las tres tradiciones de fe abrahámica diferentes. . Sanlıkol ha querido lanzar una versión de orquesta de jazz de su suite desde entonces, y está encantado de ver que se materializa aquí.

En cuanto a las influencias de la música sufí turca, la primera sección “El fuego” es donde se pueden escuchar más claramente en forma de zikir (ostinato vocal), mientras que “El sacrificio” comienza con una tranquila introducción dirigida por el duduk (doble flauta de caña). Esta pista pasa rápidamente a una ansiosa sensación de fusión afrocubana que se acumula a lo largo del movimiento mientras presenta a varios solistas. Finalmente, “The Call” lleva esta suite a un punto de reflexión. “He estado buscando un toque de eternidad”, lamenta la letra de Sanlıkol, compartiendo con nosotros el verdadero propósito del viaje del artista, esforzarse hacia un momento, de los cuales hay muchos en este mismo álbum, donde el tiempo parece detenerse y nuestro espíritu se eleva.

Los Esperamos, cafecito de por medio, desde Jazz Café FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar en una Nueva Premiere Exclusiva el Nuevo Album del pianista y compositor turco de jazz MEHMET ALI SANLIKOL & WhatsNext - "Turkish Hipster-Tales From Swing To Psychedelic"

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NICOLE ZURAITIS - "How Love Begins"

El sello internacional Outside In Music presenta el lanzamiento del nuevo y provocativo Album "How Love Begins", de la joven cantautora amèricana de jazz NICOLE ZURAITIS y coproducido por el gran contrabajista amèricano de jazz Christian McBride

 "How Love Begins" es una meditación ardiente, vulnerable y cercana sobre el amor moderno que solidifica la estatura de la joven cantante NICOLE ZURAITIS, nominada al GRAMMY, como uno de las compositoras más destacadas de nuestro tiempo. Junto con la voz altísima y los estribillos pianísticos de NICOLE ZURAITIS, "How Love Begins" presenta al mencionado Christian McBride en el bajo, Gilad Hekselman en la guitarra, Maya Kronfeld en el órgano, Wurlitzer y Rhodes y Dan Pugach en la batería. El álbum también cuenta con invitados especiales como David Cook al piano, Billy Kilson a la batería y Sonica, un trío vocal codirigido compuesto por Thana Alexa, Julia Adamy y la propia NICOLE ZURAITIS.

"Quizás este álbum debería haberse llamado 'Cómo comienza el amor... y termina'", confiesa NICOLE ZURAITIS con ironía, al comentar sobre la dualidad que presenta claramente en la estructura de dos partes del lanzamiento. Para ilustrar las muchas fases del amor, divide su colección de 10 pistas en mitades tituladas 'parte I: aceite' y 'parte II: agua'. Este formato, que verifica la idea de que “los opuestos se atraen”, encarna una historia de romance inicialmente bendecida con armonía pero eventualmente plagada de discordia.

Impulsada por la noción de que la polaridad del amor a menudo puede ser una coincidencia, Zuraitis conceptualizó 'Aceite' y 'Agua' espontáneamente después de una reacción visceral que tuvo ante el trabajo del fotógrafo conservacionista español Daniel Beltrá. Se topó con su colección “Spill”, que a primera vista le parecían pinturas con hermosos patrones de color creados a partir del pincel de un artista. “Cuando me enteré de que las impresionantes obras de arte, con sus colores arremolinados y tonos perfectamente colocados, eran en realidad fotografías aéreas del derrame de petróleo más devastador de la historia, mi corazón se hundió”, describe. “La ironía no se me pasó por alto. Al igual que un amor que termina demasiado pronto, el hilo común es que algunas de las cosas más bellas de la vida también pueden ser las más desgarradoras”.

 "How Love Begins" se esfuerza por representar el viaje que abarca todo el amor moderno, incluida la belleza de correr riesgos, la complejidad del deseo, la fragilidad de la emoción, las imperfecciones que quedan cuando se cierran los capítulos y el optimismo de larga data de comenzar de nuevo. El álbum fue concebido entre Nicole Zuraitis y Christian McBride en el 2021 después de varios años de soñar con colaborar. Los caminos de los socios musicales se cruzaron por primera vez en el Red Eye Grill en la ciudad de Nueva York, donde Zuraitis tenía una residencia de larga data, solo unos meses después de que ella participara en el Concurso Internacional de Voz de Jazz Sarah Vaughan. Después de muchos años de admiración mutua, los dos artistas finalmente se unen en esta fructífera colaboración.

“Trabajar con Nicole fue una emoción absoluta. Hace todo al más alto nivel: cantar, tocar, escribir, producir y hacer arreglos”, comparte Christian McBride. “Estoy poniendo mucho, mucho dinero en Nicole. No puedo esperar a ver explotar su carrera”.

Musicalmente "How Love Begins" rinde homenaje a muchos de los compositores favoritos de NICOLE ZURAITIS desde Tin Pan Alley hasta la actualidad. Al igual que los grandes compositores de antaño, NICOLE ZURAITIS logró componer material crudo e identificable, con el potencial de perdurar por generaciones. “No quiero ser la única persona que cante estas canciones que escribo”, agrega, insistiendo fervientemente en que su objetivo es que tanto los entusiastas del jazz como los profesionales agreguen sus canciones a su repertorio

“Si escuchas un momento más allá de la pista final, puedes encontrar débiles destellos de esperanza para el futuro, guardados para un día lluvioso”, insinúa NICOLE ZURAITIS

El lanzamiento internacional de "How Love Begins" será el próximo 7 de julio de 2023, la vocalista y compositora tiene dos importantes actuaciones de lanzamiento que coinciden con meses de gira de lanzamiento nacional que continuará durante el verano y el otoño. Ella producirá un concierto de lanzamiento de álbum a gran escala en Park City Music Hall en CT el 8 de julio de 2023 titulado "Siren Songs- For the Love of the Sound"; un día de activismo y festival musical en beneficio de "Save the Sound.Org", una organización sin fines de lucro dedicada a luchar contra el cambio climático y proteger el estuario, los ríos y la vida silvestre de Long Island Sound. Además, el 4 de septiembre de 2023, NICOLE ZURAITIS tendrá su fiesta oficial de lanzamiento del álbum en la ciudad de Nueva York en Birdland con invitados especiales Christian McBride y Gilad Hekselman a las 7 p.m.

 

NICOLE ZURAITIS (Bio)

NICOLE ZURAITIS, cantautora, pianista, arreglista y vocalista de jazz nominada al GRAMMY, directora de orquesta radicada en Nueva York y ganadora de la prestigiosa Medalla de Oro del Concurso Vocal American Traditions 2021, continúa estableciéndose como una fuerza innegable en el panorama del jazz moderno de ambas ciudades de Nueva York. y más allá. Con un “corazón tan grande como su notable voz”, (Jazz Police), la personalidad efervescente y el entusiasmo sin límites de Nicole, combinados con el activismo y el humor, la han posicionado como una de las mejores artistas y compositoras para ver en el jazz.

Además de liderar su cuarteto, NICOLE ZURAITIS es la principal vocalista de Birdland Big Band y con frecuencia encabeza clubes de jazz icónicos de Nueva York como Dizzy's Club en Lincoln Center, Birdland, Blue Note, Carlyle, 54 Below y el gran 55 Bar. Ha aparecido como solista destacada con la Filarmónica de Savannah, la Sinfónica de Asheville y otras orquestas de pop destacadas, así como con el apoyo de cantantes icónicos de piano y voz como Morgan James, Darren Criss y Livingston Taylor. Como artista de grabación, NICOLE ZURAITIS ha lanzado cinco álbumes como líder, y este verano, su sexto álbum "How Love Begins", coproducido con el ocho veces ganador del GRAMMY Christian McBride.

 NICOLE ZURAITIS ha colaborado con una extensa lista de luminarias, incluidos Christian McBride, David Cook, Cyrille Aimee, Antonio Sanchez, Dave Stryker, Omar Hakim, Rachel Z, Melanie Safka, Helen Sung y Bernard Purdie. Es una educadora orgullosa y actualmente es profesora vocal en NYU y Suny Purchase.

Una ferviente activista con un historial de retribución de una década, el lanzamiento de su último álbum coincide con un festival de música y recaudación de fondos de un día de producción propia para Save the Sound.Org en Park City Music Hall en Bridgeport, CT el 8 de julio. 2023. Continuamente rehabilita pitbulls y dona las ganancias de las ventas de álbumes al rescate de pitbulls y la concientización sobre la salud mental.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Café FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar de una nueva Premiere Exclusiva presentando el Nuevo Album de la joven cantante y compositora amèricana NICOLE ZURAITIS - "How Love Begins"

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ELIANE ELIAS - "Quietude"

"Quietude" es el nuevo Album de la prestigiosa y reconocida pianista y compositora brasileñá de jazz y bossa-nova ELIANE ELIAS, editado a fines de Octubre del 2022 por el sello Candid Records

"Quietude" presenta 11 canciones grabadas en su mayoría en São Paulo,Brasil, durante 2019-2020, la pianista y cantante ELIANE ELIAS esta acompañada por:

Marcus Texeira en guitarra, Lula Galvao en guitarra, Oscar Castro Neves en guitarra, Celso de Almeida en percusiòn, Marc Johnson en contrabajo, Steve Rodby en contrabajo, Emilio Martins en percusiòn, Dori Caymmi en voces, .

 ELIANE ELIAS confesaba:"Me gusta hacer música que personalmente me gustaría escuchar. Este álbum me hace sentir bien, en paz y relajado, y espero que los oyentes sientan lo mismo". 

El periodista Marc Myers del periodico The Wall Street Journal escribió: "La instrumentación de repuesto del álbum pone el énfasis en la seductora voz de canto de la Sra. Elias y las guitarras que la acompañan. Su tono profundo y cálido impregna las canciones con un anhelo silencioso y rastros de nostalgia. Lo más notable es que la Sra. Elias canta sin afectación vocal. Las notas no se alargan ni se fortalecen con vibrato. En cambio, simplemente se cantan y se balancean como notas tocadas en un piano sin el pedal sostenido, articulando perfectamente el atractivo sincopado de la bossa nova". 

Michael Major del BroadwayWorld declaraba "Con su voz embriagadora en este vibrante viaje de bossa nova, Eliane ha contado magistralmente estas relajantes historias musicales a sus oyentes. Su arte demuestra que junto con sus muchos elogios como pianista brillante, Eliane también puede llevar la corona como la reina reinante. de la bossa nova". [6] Matt Collar de AllMusic comentó que el "álbum puso de manifiesto las inmensas habilidades de jazz, música latina y teclados clásicos de Elias. Si bien ella toca algo de piano aquí, Quietude intencionalmente destaca su voz, Intérprete nacida con varios de sus amigos guitarristas más cercanos en un puñado de sus canciones favoritas de su tierra natal". 

ELIANE ELIAS canta en portugues clàsicos como:

"Voce e EU" de Carlos Lyra y Vinicius de Moraes, "Marina" de Dorival Caymmi, "Bahia com H" de Denis Brean, "So Tinha de ser con Vocé" de Antonio Carlos Jobim, entre otros

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafe FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar de una Nueva Premiere exclusiva junto a la pianista y cantante carioca ELIANE ELIAS desde Su Nuevo Album "Quietude".

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ENRICO PIERANUNZI & BERT JORIS & FRANKFURT RADIO BIG BAND - "CHET REMEMBERED" (2023)

El cèlebre pianista italiano ENRICO PIERANUNZI junto al trompetista y arreglador belga BERT JORIS en un Nuevo Albùm para el sello internacional Challenge Records - "Chet Remembered", un gran homenaje musical al recordado trompetista y cantante amèricano de jazz CHET BAKER.

En "Chet Remembered" todos los temas fueron compuestos por Enrico Pieranunzi, con arreglos de Bert Joris.

Confesaba el propio ENRICO PIERANUNZI: "Este Album tiene un significado muy especial para mí. "Remembered Chet" me lleva a 1979, cuando lo conocí por primera vez. Ese encuentro pronto resultaría ser un punto de inflexión en mi vida musical. Tocar juntos, compartir conciertos o sesiones de grabación con él me permitió estar en estrecho contacto con un artista de rara experiencia jazzística que supuso un cambio enorme en mi forma de tocar. Muchas de las melodías de este Album provienen de esos importantes años de colaboración. Entre ellos están “Soft Journey”, “Fairy Flowers” ​​y “Brown Cat Dance”, que compuse expresamente para Chet y que, al igual que “Night Bird”, están incluidos en "Soft Journey", grabado a fines de 1979, recién después de nuestro primer encuentro. La canción de apertura, "From E. to C.", como sugiere claramente el título, es una dedicatoria a Chet y también data de nuestro primer período de colaboración, mientras que "Echoes" se grabó más tarde en 1987, como parte de "Silence", un Album bajo la dirección de Charlie Haden".

"Chet Remembered" fue concebido y realizado en conjunto con BERT JORIS, un maravilloso trompetista en cuya forma de tocar hay claras huellas del estilo de Chet Baker, reelaborado de una manera muy personal. 

En el Nuevo Album "Chet Remembered" hay que destacar la contribución de la magnífica Frankfurt Radio Big Band de Alemania y todos Sus mùsicos.

Los temasdel Nuevo Album "Chet Remembered" son:

"Fron E. To C.", "Lost and Found", "Chet", "Soft Journey", "Fairy Flowers", "Night Band", "Echoes", "Brown Cat Dance", "The Real You", "Desert Lady-Fantasy", "Hangin´ Loose", "Hiroko´s Delight", "Broken Dreams", "Bebop".

Los Esperamos, cafecito de por medio en Jazz Café FM-Radio Argentina de Jazz para escuchar y disfrutar de una Nueva Premiere Exclusiva presentando el Nuevo Album del pianista ENRICO PIERANUNZI junto al trompetista BERT JORIS acompañados por la FrankFurt Radio Big Band - "Chet Remembered".

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SHUTEEN ERDENEBAATAR - "RISING SUN" (2023)

El sello internacional Motéma Music se complace en anunciar el próximo lanzamiento de "Rising Sun", el álbum debut de la talentosa pianista y compositor residente en Múnich SHUTEEN ERDENEBAATAR. el 15 de septiembre deL 2023.

Con solo 25 años, esta estrella en ascenso de la capital de Mongolia, Ulaanbaatar, lidera tres conjuntos de clase mundial y ha acumulado una impresionante variedad de premios importantes para jóvenes músicos en la escena europea del jazz, incluido el Premio de Jazz Kurt Maas, la Beca de Música de la Ciudad de Munich. , el Young Munich Jazz Prize, el Biberach Jazz Prize y el BMW Young Artist Jazz Award. Con el lanzamiento de "Rising Sun", Motéma Music lleva a este nuevo y brillante talento al escenario mundial, respaldado por su impresionante y dedicado cuarteto joven.

Hija de Batkhuyag Ochirbat, director de televisión y periodista, y de Erdenebaatar Gombo, quien recientemente ganó el título de “Emérito del Arte” por sus 40 años como director de la Ópera Nacional de Mongolia, SHUTEEN ERDENEBAATAR se crió rodeada de arte y cultura, particularmente música clásica. En consecuencia, estudió piano clásico y composición clásica en el Conservatorio Estatal de Ulaanbaatar antes de entrar en contacto con el jazz a través de un programa en el Instituto Goethe. Este “laboratorio de jazz” bajo la dirección de Martin Zenker resultó ser un momento crucial. "Fue entonces cuando se me abrió un mundo completamente nuevo", confiesa..."De repente tuve la libertad de tocar lo que escuchaba en mi corazón, no solo lo que estaba escrito en las notas"...Con su licenciatura en mano a los 20 años, anhelaba explorar el mundo del jazz, y como no había programas de jazz en Mongolia en ese momento, finalmente vino a estudiar en el conservatorio de Munich.Tutorada por Gregor Hübner, Christian Elsässer , Tizian Jost y Andreas Kissenbeck, entre otros, así obtuvo una maestría en Interpretación y Composición de Jazz y, lo que es más importante, pudo encontrar y cultivar su propia voz artística.

Esa voz está innegablemente presente en "Rising Sun". Ya sea en el tema de apertura lírico y cadencioso "In A Time Warp" (lanzado el 23 de junio como un Nuevo Single), el quemador rítmicamente desafiante "Ups And Downs", la pieza solista melancólica y dramática "Summer Haze" o el clímax, nostalgia- Impulsado por "Olden Days", el enfoque singular de SHUTEEN ERDENEBAATAR se encuentra al frente y al centro. El resto de "Rising Sun" incluye la dramatúrgicamente ingeniosa “An Answer From A Distant Hill” (protagonizada por una seductora melodía de flauta); la poderosa canción principal empapada de blues, que se inspira en una canción popular de Mongolia; la conmovedora balada “Saudade”; y la sorprendente canción de amor “I’m Glad I Got To Know You”, en la que la pianista en ascenso y su cuarteto realmente pisan el acelerador.

La base clásica de Erdenebaatar es inconfundible en todo momento, mostrada por su brillantez técnica, delicadeza estilística y la estructura temática de sus composiciones.

 El cuarteto está formado por un cuadro alemán de compañeros de su cohorte universitaria, todos ahora galardonados estrellas en ascenso y líderes de banda por derecho propio: El bajista Nils Kugelmann, a quien el periódico líder del sur de Alemania, The Süddeutsche Zeitung, nombró como “uno de los mejores en su campo”, es un todoterreno excepcional rítmica y melódicamente, que también brilla con un trabajo de arco en movimiento en “Saudade” de Erdenebaatar, el baterista Valentin Renner es uno de los bateristas de jazz más activos de Alemania, actualmente la columna vertebral de varios conjuntos de jazz notables en el país y el creativo y altamente virtuoso Anton Mangold completa el conjunto de saxofones y flautas. La interacción carismática del cuarteto es lo más destacado del álbum. "Me ayudó mucho conocer bien a todos. Ya tenía en mente quién estaba tocando cada parte cuando estaba componiendo", comparte Erdenebaatar.

El cuarteto grabó "Rising Sun" los días 27 y 28 de diciembre de 2021 en el Realistic Sound Studio de Múnich, poco después de participar en la "Semana de verano de jazz" en el club de jazz Unterfahrt de renombre internacional. Durante esta semana, el cuarteto tuvo la oportunidad de elaborar el programa frente a una audiencia durante cinco noches seguidas. Por lo tanto, a diferencia de la mayoría de las producciones juveniles de hoy, el álbum no se creó antes, sino que siguió su experiencia en vivo del material, una diferencia que le da una poderosa conectividad conmovedora a su sonido ya distintivo.

"Rising Sun" es un debut sorprendentemente maduro de un nuevo talento notable. El lanzamiento de SHUTEEN ERDEMEBAATAR en Motéma Music se produce durante las celebraciones del vigésimo aniversario del sello este otoño. La fundadora y presidenta del sello, Jana Herzen, descubrió a Shuteen a través de una sumisión fría. "Francamente, es muy raro que tenga tiempo para escuchar proyectos no solicitados, pero de alguna manera me llamó la atención el correo electrónico de Shuteen. Que ella fuera mongola me intrigó y su hermosa sonrisa me llevó a escuchar. Conmovido por lo que escuché y viendo sus muchos logros , reconocí a una nueva maestra del jazz contemporáneo en ascenso y pensé que era una incorporación perfecta a nuestra temporada del 20.° aniversario”. Motéma Music tiene el honor de presentar este debut y también de trabajar con Shuteen para los próximos lanzamientos de su dúo "Lightville" y los álbumes de la Orquesta de Jazz de Cámara, ambos en desarrollo".

Los Esperamos, cafecito de por medio, desde Jazz Café FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar de una Nueva Premiere presentando a la joven pianista SHUTEEN ERDENEBAATAR desde Su Album debut "Rising Sun".

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JAVIER NERO JAZZ ORCHESTRA - "KEMET:THE BLACK LAND" (2023)

El sello internacional Outside In Music se complace en anunciar el lanzamiento el 23 de junio de 2023 de la exuberante grabación de segundo año del célebre trombonista, compositor, arreglista y educador amèricano de jazz JAVIER NERO -  "Kemet: The Black Land"con Su Jazz Orchestra. El álbum medita sobre Kemet, la civilización negra altamente avanzada del antiguo Egipto. Hipnotizado por la gran sociedad, que fue el lugar de nacimiento de la educación superior entre los generosos pilares de las ideas occidentales y la democracia, el trombonista JAVIER NERO presenta su nueva y arrolladora empresa en el espíritu de la próspera, y a menudo históricamente pasada por alto, tierra de Kemet.

JAVIER NERO se enteró por primera vez de Kemet por sus dos hermanos mayores: a los hermanos les pareció convincente la idea de una civilización avanzada de personas negras. Esta noción desafió la típica narrativa estadounidense sobre los africanos, una conversación que con demasiada frecuencia tiende a centrarse en la trata transatlántica de esclavos. A través de la producción grabada en Kemet, Nero redirige a los oyentes desde las concepciones occidentales miopes a una parte más rica y gloriosa de la historia, retrocediendo muchos milenios y reimaginando un lugar donde la libertad de expresión y la colaboración eran enfoques cardinales para hacer avanzar la vida.

Al igual que el debut de JAVIER NERO en 2020 con el Album "Freedom", que fue elogiado por su trascendencia de las fronteras culturales, "Kemet: The Black Land" aumenta temas similares, específicamente el decreto Kemetic de que las ideas y la información deben compartirse libremente. “La disciplina de la música, específicamente el jazz, se enorgullece de su fusión de diversos elementos culturales para forjar algo nuevo de belleza”, exclama JAVIER NERO.

La combinación de estilos de JAVIER NERO en "Kemet:The Black Land" produce melodías metamórficas de conflicto, libertad, anhelo y contemplación. Sus fervientes estribillos melódicos en el trombón se ven reforzados por los miembros principales del conjunto: el pianista Josh Richman, el baterista Kyle Swan y el bajista William Ledbetter. Los invitados especiales incluyen a los trompetistas Sean Jones y Randy Brecker, el vibrafonista Warren Wolf, el saxofonista Tim Green y la vocalista Christie Dashiell.

JAVIER NERO confiesa: “Cuando pienso en Kemet, visualizo lujosos paisajes de arena dorada, inmensas estructuras, vegetación, ríos y personas, viviendo, comiendo y tocando música juntos en armonía. Kemet representa la belleza de la que es capaz la humanidad a través del libre y desinhibido intercambio de ideas e información. Este álbum representa a mi familia, mi experiencia y mis influencias musicales. Mis raíces africanas, mis raíces europeas, mis raíces nativas, mis raíces hispanas y un poco de esa inexplicable experiencia humana que todos compartimos. Ahora les ofrezco la suma de esas experiencias, en sonido. He combinado algunos elementos musicales únicos en este álbum, y espero que suenen dorados para tus oídos”.

La música de"Kemet: The Black Land" utiliza muchos ritmos africanos combinados con una estructura armónica occidental muy típica y un estilo de orquestación casi sinfónico. El compositor se inspiró en los exuberantes sonidos de un conjunto de viento en su proceso de arreglo. Un tema musical común en este lanzamiento es el uso de la escala pentatónica. La escala en sí es una línea que conecta muchas culturas diferentes: la escala de 5 notas se encuentra en la música tribal o tradicional de África, Europa y Asia. La escritura de Nero entrelaza elementos de soul, folk y americana en un sonido que está fuertemente arraigado en el idioma del jazz.

Composiciones como “One Day”, “Time” y “Kemet” incorporan un minimalismo parecido al trance que refleja el de la música africana y de Oriente Medio. La letra de “One Day” explora la dualidad del gran potencial de nuestra sociedad si decidimos trabajar juntos, frente a lo que será si decidimos no hacerlo.

“Randy Brecker y Sean Jones son músicos con los que crecí escuchando y transcribiendo. Fue un honor tenerlos tocar en el álbum. He recibido bastante influencia a lo largo de los años de las composiciones y la interpretación de Brecker Brothers”, indica JAVIER NERO. Randy Brecker presta su magistral melodismo a la composición “Nostalgic Haiku”.

Con respecto a Sean Jones, el trombonista JAVIER NERO comenta que “[su] forma de tocar y su música son inspiradores de la misma manera. El sentido de la melodía y la armonía de Sean encajaba perfectamente con mi música. Me siento como si fuéramos almas gemelas musicalmente y, naturalmente, pintamos con la misma paleta de colores, por así decirlo. Su estilo natural como solista fue una combinación perfecta para mis composiciones. Puedes escuchar eso especialmente en mis composiciones “Discord”, “Kemet” y “Jam #3””.

El grupo central del conjunto compuesto por el baterista Kyle Swan, el pianista Josh Richman y William Ledbetter prestan su impresionante interacción a las composiciones de JAVIER NERO, celebrando cada matiz de su magistral composición. Nero señala que “Kyle Swan fue un elemento clave para que esto sucediera. Él es otro espíritu musical afín: Kyle hizo que la banda se sintiera cómoda tocando música compleja mientras ejemplificaba la destreza técnica y el arte en la batería a lo largo de todo el álbum”.

"Kemet: The Black Land" transmite un mensaje de esperanza a todos los que escuchan, es una representación sónica de lo que era Kemet y lo que podría ser el mundo: un lugar de armonía y un intercambio de ideas que conducen a lo común. El lanzamiento consolida firmemente la estatura de JAVIER NERO como uno de los principales compositores, arreglistas e instrumentistas de nuestro tiempo.

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LEO POSTOLOVSKY - "PEQUEÑOS INFINITOS" (2023)

LEO POSTOLOVSKY es un pianista y compositor argentino de jazz, que desde hace varios años viene explorando y desarrollando sus propios impulsos musicales a través de diferentes propuestas originales plasmadas de forma independiente en los discos “PESCA DEL DIA”, “SOLSTICIO” y “BAJOFLORES” grabados en formato de cuarteto y quinteto, en el último caso.

A diferencia de los proyectos anteriores, (agrupaciones instrumentales en las cuales el foco estuvo puesto principalmente en la improvisación, que germinó dentro de un marco amplio y únicamente delimitado por la espontaneidad misma), Leo Postolovsky Septeto plantea una búsqueda en el campo de la música vocal / instrumental donde el eje está en la producción de canciones cuidadosamente arregladas y en donde la improvisación es solo un evento equilibrado dentro de la forma; lo que no impide que apareciera la improvisación libre en forma de micropiezas.

Este interesante proyecto se mueve en las aguas de diferentes raíces musicales fundidas de tal forma que hace que su música sea difícil de clasificar. Sus composiciones tienen una afinidad innegable con aquello que podría denominarse, no sin ambigüedad, como “canción popular”.

El pianista LEO POSTOLOSVKY esta acompañado por:

Luz Marmer en voz, Gabriel Stern en saxo tenor y flauta, Inti Sabey en clarinete y clarinete bajo, Vanesa Quarleri en cello, Ignacio Zsulga en contrabajo, Omar Menendez en bateria, Ezequiel Malec en percusiòn, Analia Ferronato en dun-dun., Belen Echeveste en cello y Leo Postolovsky en piano/composición y arreglos

“Pequeños infinitos” ofrece una muestra elocuente de la diversidad y la secreta sofisticación de sus gustos e inclinaciones artísticas. Música de raíces, rock argentino, ecos portentosos de la música transversal de Latinoamérica, y por supuesto, jazz: en este singular combo hay una elaboración tan refinada, una variedad de timbres, sonidos y voces, y una vocación por hacerse entender en todo momento que producen la sensación de lo familiar y lo extraño en partes iguales; la sofisticación y la cercanía de una emoción que siempre parece haber estado ahí, como si la música del grupo fuera un relevamiento de ecos lejanos que se vuelven contemporáneos, de melodías urbanas que parecen flotar en la conciencia colectiva con fuerza inusual y espontaneidad.

El álbum comienza con una micropieza introductoria a modo de obertura:  “Nacimiento y muerte de un instante”, breve crónica de un momento de tranquilidad descrito en una improvisación libre.  

“Algo anda Bien”, segundo track del disco, es una canción que habla del apocalipsis contado por alguien que lo vivió de forma serena, natural y en un estado de aceptación absoluta y divina. El juego de los instrumentos en diferentes tramas da lugar al contrapunto de voces, fuertes líneas de bajo y secciones contrastantes. Todo esto transcurre mientras el acompañamiento de tambores y ritmos afro aportan un color tribal y caótico que se contrapone al delicado sonido de cámara. El clímax llega con un solo de voz que va de menos a más subiendo de intensidad junto a los demás instrumentos y desemboca, con los últimos versos, en el tutti enérgico del final.  

“Choreando” es una composición en aire de “Choro” brasilero que cuenta con dos movimientos y una reexposición o coda enlazados por interludios transitivos en donde el piano ejerce de conductor. El primer movimiento tiene una melodía en unísono de voz (en scat) y clarinete que luego repite el piano con variación y acompañamiento de contrabajo, batería y pandeiro. El tratamiento de esta melodía es similar a lo que podría ser técnicamente una línea “be-bop”, en la cual se dibujan los cambios armónicos en forma de arpegios, pasajes diatónicos y cromatismos, siempre en el constante flujo de semicorcheas que caracteriza al género. El movimiento lento es de un carácter nostálgico, cargado de imágenes lejanas y sonidos expectantes. El clarinete cita la melodía primero, luego toma la voz y muta hacia el groove suave y sutil de las escobas, preparando el terreno para el solo de contrabajo. Al terminar el solo, la melodía aparece nuevamente con carácter épico, ahora orquestada a tres voces. Un interludio de piano nos lleva paulatinamente y en un accelerando al tempo primo para desembocar en el Choro otra vez. Esta sección final, más corta, nos vuelve a impregnar del humor y el espíritu alegre del comienzo.

“Pequeños Infinitos”, último track del álbum y pieza que le da nombre al disco, es una toma en vivo, llena de la frescura y energía que alimenta cada concierto. Tema instrumental de una atmósfera tranquila, cómoda, que fluye entre un bossa lento y un bolero con una línea simple que se mueve sobre modos que cambian sutilmente entre sí y casi siempre sobre una misma nota pedal en dónde las voces se mueven por grado conjunto y solo lo necesario para crear cierta expectativa. Comienza con una pausada y paciente introducción del piano improvisando libremente y rubato, tomando motivos y jugando con ellos, yendo y viniendo por la forma y armonía del tema a piacere y sin prisa. Un cue da pié para que el head comience con la melodía del clarinete al unísono del piano, fundidos; la línea del cello suave pero presente, sostiene penetrante. El solo de clarinete se desprende de apoco de la melodía y se desarrolla progresivamente subiendo de intensidad y llevando al grupo a crecer con él para luego cerrar y darle lugar al contrabajo que genera un discurso activo, con líneas rítmicas e intensas que acaparan la atención hasta llevarnos al “head out”, compuesto en suficientes doce compases. 

El Nuevo Album "Pequeños Infinitos" fue grabado el 31/10/21 y 26/08/22 en estudio Doctor F, Buenos Aires, Argentina y editado en Abril del 2023 por el sello Ears & Eyes Records

LEONARDO POSTOLOVSKY,  es pianista, compositor y docente Chubutense, de la ciudad de Puerto Madryn y actual residente de la ciudad de Buenos Aires, nacido en 1976. 

Su formación musical profesional se forjó en la provincia de Bs As, obteniendo el profesorado de Piano en el conservatorio de San Nicolás, en el cual actualmente se desempeña como docente en la cátedra de piano y dirige el Jazz Ensamble. Egresado de la tecnicatura en Jazz del conservatorio Manuel de Falla de la CABA, participó de la Big Band del conservatorio. 

Tomó clases con Paula Shocron, Ernesto Jodos, Eloy MIchelini, Valentin Reiners, Enrique Norris, Daniel Johansen, Rodrigo Domínguez, Francisco Lo Vuolo y Guillermo Romero, Tony Malaby y Frank Calgberg profundizando en aspectos tales como la improvisación, composición y ensamble en el lenguaje jazzístico y contemporáneo. Estudia Técnica pianística con Malena Levin.

Formó parte de "Arboles Blancos" un grupo de exploracion entre sonido y movimiento, el cual fue becado por el F.N.de las A. para recibir una capacitación con los Prof. Ernesto Jodos y Matew Perepoint y con el cual ha tenido una serie de presentaciones a lo largo del 2014 y 2015. Junto a la baterista Analia Ferronato conforma un Dúo en donde exploran las posibilidades de este formato actuando en diversos sitios de CABA y fuera de BsAs (2016/2017). Trabajo en cruceros (Prince Cruice y Celebrity Cruice) en diferentes contratos años 2016, 2019 y 2020. 

Tomó clases de composición con Diego Schissi y Juan “Pollo’’ Raffo 2019, 2021.

En 2021 forma el “Leo Postolovsky Grupo”, proyecto que lidera actualmente y con el cual ha grabado dos ciclos de canciones “Pequeños Infinitos”, todas composiciones propias en las cuales pone el foco en los arreglos para septeto y sexteto fusionando diversos géneros. Material editado a través del sello discográfico Ears & Eyes.

Fue convocado para el festival internacional BAJAZZ 2022 (Buenos Aires),

en el 2021 forma el trío conjuntamente con el contrabajista Francisco Nava y la baterista y percusionista Analía Ferronato con el cual dentro del lenguaje Jazzistico contemporáneo exploran la fusión con música Africana en composiciones originales. Con este combo se viene presentando en diferentes escenarios del país. Sumando a Inti Sabev en Clarinetes formaron parte de la programación del Festival Madryn Jazz 2023 realizado en dicha ciudad.

Los Esperamos, cafecito de por medio, desde Jazz Cafè FM-Radio Argentina de Jazz, para escuhar y disfrutar de una Nueva Premiere presentando el Nuevo Album del pianista argentino de jazz LEO POSTOLOVSKY - "Pequeños Infinitos".

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GABRIEL ESPÌNOSA - "BOSSAS & BOLEROS" (2023)

"Bossas y Boleros", es el título del Nuevo Album del bajista/compositor y cantante mèxicano de jazz GABRIEL ESPINOSA, editado en Junio del 2023 por el sello Zoho Music.

El propio GABRIEL ESPINOSA confesaba:; "Bossas y Boleros hace honor a la música con la que crecí cuando era adolescente en Yucatán, México, en los años ´60..Fui muy influenciado por la música del compositor yucateco Armando Manzanero así como también por la música de Antonio Carlos Jobim y Burt Bacharach. La música que escribo hoy está inspirada en esos estilos de música que llevaron al título Bossas and Boleros"

"New Year": es una composición de Bossa Nova que presenta los hermosos colores de la trompeta de Jim Seeley y el trombón de Jay Ashby con las voces compartiendo la melodía. Escribí esto en honor al año 2021 y la oportunidad que trajo de un nuevo comienzo después del difícil año 2020 en todo el mundo.

"Amelia": mi sobrina Cecilia tuvo gemelos en 2019, perdió trágicamente a uno de los bebés, Amelia, a las 27 semanas. Me inspiré para escribir esta composición poco después. Kim Nazarian escribió la letra de esta composición inspirada y dedicada a la memoria de Amelia. Kim también hace un hermoso trabajo cantando la canción.

"Mi Jarana": la Jarana es una danza tradicional y estilo musical de Yucatán, México. El metro Jarana puede estar en 6/8 o en 3/4. Invité a la brillante clarinetista Anat Cohen a acompañarme en este tema, así como a Cris Alcocer, un percusionista de Yucatán que le dio vida al sentimiento mágico de la Jarana. Esta es nuestra interpretación de la Jarana.

"Aquí Estoy Yo": escuché por primera vez esta hermosa canción interpretada por el cantante mexicano José José con un increíble arreglo de Clare Fischer. Siempre imaginé grabar esta canción solo con piano y voz. Tuve la suerte de contar con el increíble pianista Fred Hersch junto con mi voz. Esta canción la escribió un amigo mío, Memo Ruiz.

"Sing": tenía veinte años cuando escuché por primera vez la grabación clásica de 1973 de los Carpenters. Escribí un arreglo instrumental y lo compartí con mi querido amigo Jeremy Fox, quien escribió un arreglo para un cuarteto de jazz vocal. El arreglo vocal de Jeremy fue tan asombroso que tuve que pedirles a mis amigos, The New York Voices, que lo grabaran. La pista también presenta un hermoso solo de flauta de Itai Kriss. Junto a Gustavo Amarante en el bajo, Misha Tsiganov en el piano y Mauricio Zottarelli en la batería, llevan la canción a un nivel completamente nuevo.

"First Responder": esta es una composición instrumental dedicada a los primeros en responder durante la pandemia mundial de 2020. Compartí esta composición con el increíble Linwood Bell, a quien tengo la suerte de llamar amigo. Le pregunté si podía escribir un arreglo orquestal. La adición de este arreglo hizo que esta canción fuera aún más poderosa, similar a su arreglo orquestal para Amelia. Esta pista también presenta las voces de Kim y Aviana, el trombón de Jay Ashby, además de Misha Tsiganov y Jim Seeley, quienes tocan solos increíblemente hermosos. Este es un agradecimiento a todos los socorristas de todo el mundo por los sacrificios que hicieron.

"Pa Eugenio": otra composición instrumental mía dedicada a uno de los mejores músicos de jazz de México, el Sr. Eugenio Toussaint. Eugenio falleció hace unos años y siempre quise escribir algo para él. Invité a su hermano, el gran bajista Enrique Toussaint, a acompañarme en este tema en honor a Eugenio. Las voces de Kim Nazarian y Aviana Gedler le dan un hermoso color a la interpretación instrumental de Jim Seeley en la trompeta y el resto de la banda.

"Nosotros": es un hermoso bolero cubano que siempre disfruté cantar, pero esta vez decidí invitar a mi querido amigo de cincuenta años, el Sr. Gerardo Flores, a cantar y traer su magia a la canción. Gerardo es un fantástico músico, productor, compositor, pianista y un cantante increíble.

"22": es una composición mía de estilo brasileño con un coro simple para que todos la canten. En esta pista nos presenta al increíble Mauricio Zottarelli en la batería, así como a los trompetistas y cantantes. Es una melodía alegre y divertida que hará que todos se muevan.

"No Me Platiques Mas": es una composición fantástica del Sr. Vicente Garrido. Tuve la oportunidad de conocer a Vicente en Mérida, México a principios de los años ochenta. Fue un gran compositor y pianista. Él escribió esta composición que canto aquí con el increíblemente talentoso Fred Hersch al piano.

GABRIEL ESPINOSA contò con invitados especiales Fred Hersch, The New York Voices, Gerardo Flores, Enrique Toussaint, Aviana Gedler y nuestra cantante invitada, la increíble Kim Nazarian. Mi agradecimiento a Linwood Bell por sus arreglos orquestales ya Jeremy Fox por su hermoso arreglo vocal de “Sing”. También gracias a Vicente Garrido, Pedro Junco Jr, Guillermo (Memo) Ruiz, Kim Nazarian y Joe Raposo por sus hermosas composiciones.

El Album "Bossa & Boleros" fue producido por Gabriel Espinosa, grabado el 19 y 20 de septiembre de 2022 por Peter Karl en Acoustic Recording, Brooklyn, NY y el 3 y 4 de diciembre de 2022 por Travis Huisman en Catamount Studios, Cedar Falls, Iowa, mezclado y masterizado el 9 y 10 de diciembre de 2022 por Dave Darlington en Bass Hit Recordings, Nueva York, NY. Fotografía: Dan Vander Beek. Dirección de Arte y Diseño de Paquete por Al Gold. Productor Ejecutivo: Joachim “Jochen” Becker.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafè FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar del Nuevo Album del bajista/compositor y ccantante mèxicano de jazz GABRIEL ESPINOSA - "Bossas & Boleros".

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NICOLAS BEARDE - "I REMEMBER YOU-THE MUSIC OF NAT KING COLE" (2019)

 El veterano vocalista amèricano de jazz NICOLAS BEARDE grabò en el 2019 Su 6to Album solista "I Remember You - The Music Of Nat King Cole", editado en el 2021 por el sello Right Groove Records.

El Album comienza con el tema "That Sunday, That Summer" y "Funny (Not Much)" con el lucimiento del saxofonista ERIC ALEXANDER, no faltan los clàsicos e inmortales "Sweet Lorraine" y "L-O-V-E", todo está bien y es suave. En el "Thou Swell", a puro swing con fuertes solos del saxofonista Eric Alexander y el pianista Josh Nelson.

Las cuatro pistas restantes, como con todo lo que las precede, cimentan el lugar de NICOLAS BEARDE como heredero de la genialidad de Nat King Cole. Con "The Rules Of The Road", "Tenderly" y "I Wish You Love", tranquiliza y seduce. Y con "Straighten Up And Fly Right", con algunas contribuciones notables de Nelson, el bajista Alex Boneham y, sobre todo, la baterista Lorca Hart, Bearde es una sensación conmovedora.

El cantante NICOLAS BEARDE estuvò acompañado por:

Peter Horvath en piano, Josh Nelson en piano, Erik Alexander en saxo tenor, Alex Boneham en contrabajo, Dan Feiszli en contrabajo, Lorca Hart en bateria, Dan Scchenelle en bateria y Jason Lewis en bateria.

Los Esperamos, cafecito de por medio, desde Jazz Cafè FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar el estilo y la voz del cantante amèricano NICOLAS BEARDE desde Su Nuevo Album "I Remember You-The Music Of Nat King Cole".

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