Dafnis Prieto - "3 Sides Of The Coin" (2024)

El baterista y compositor cubano de jazz, ganador del GRAMMY, DAFNIS PRIETO, junto con su épico cuarteto Sí o Sí, presenta Su nuevo álbum "3 Sides of the Coin".

"3 Sides of the Coin" marca el regreso al estudio del aclamado cuarteto Sí o Sí (“Yes or Yes”) de DAFNIS PRIETO, una cohorte justamente jubilosa compuesta por Peter Apfelbaum en instrumentos de viento, Martin Bejerano en piano y Ricky Rodríguez en bajo eléctrico, reunidos para conmemorar tanto el cuarto de siglo del líder de la banda en los EE. UU. como su 50 cumpleaños. 

"3 Sides of the Coin" comenzó como una serie de reflexiones sobre el concepto eternamente ondulante de la interpretación que uno tiene del mundo y cómo la visión de cada persona puede diferir dramáticamente. “El concepto del álbum nació del concepto intrigante y desconcertante de la ‘percepción de la realidad’, de cómo diferentes personas pueden percibir e interpretar una circunstancia específica o un objeto simple”, confiesa DAFNIS PRIETO

25 años después de su llegada a Nueva York, el baterista, compositor y becario MacArthur ganador del GRAMMY y nominado al Latin GRAMMY, DAFNIS PRIETO ha cambiado por completo el panorama sonoro de la escena del jazz y la música creativa. La aparición de DAFNIS PRIETO en la escena del jazz neoyorquino se ha comparado con “un asteroide que golpea la ciudad” (The New York Times) y tiene una reputación que lo alaba con razón como “uno de los artistas más multidimensionales de la actualidad” (JazzTimes). 

Comentaba el propio DAFNIS PRIETO sobre Su Nuevo Album "3 Sides Of The Coin":“Este álbum trata sobre ese tercer lado: el lado que mira, observa e interpreta de manera personal una realidad que podría no coincidir con otros: tu propia percepción de la vida”...“La moneda aporta una cualidad de ‘física sólida’, pero incluso ella puede interpretarse de muchas maneras. Por lo tanto, el significado que le damos a esos objetos y/o circunstancias es completamente relativo a cómo somos capaces de interpretarlos, ya sea colectivamente o individualmente”.

El estilo musical de PRIETO es una amalgama profundamente personal de su desarrollo artístico y experiencias individuales. Cada tema de este álbum es una composición original que encarna un concepto o personaje que se suma a la exploración de la percepción de PRIETO. El resultado final es un mosaico integral de viñetas que captura diferentes ángulos sobre la idea de la interpretación en sí. Para lograr este efecto, DAFNIS PRIETO recurre a una variedad de influencias musicales. Abarcando desde fuertes raíces en sus estilos nativos cubanos y la base firme del jazz y el funk hasta estilos menos representados dentro de las fusiones culturales de la música clásica del sur de la India y Europa, Prieto pinta magistralmente con cada una de estas paletas para retratar su visión con una variedad perfecta de perspectivas.

Cada uno de los timbres y paisajes sonoros presentes en cada canción vincula directamente su respectivo carácter y concepto. El álbum abre con “Caprichos Cubanos”, una fuerte apertura dedicada a la gente y la cultura de Cuba. A esto le sigue inmediatamente “Conga Ingenua”, una pieza nostálgica que nos recuerda la infancia de Prieto y sus primeras experiencias interactuando y escuchando la música de Cuba. El título evoca directamente esto y se traduce como “Conga Naive”. El álbum continúa con “Two Sides of the Coin”, un guiño al título del álbum que juega con la idea de temas entrelazados y percepción. En esta pieza, dos temas diferentes coexisten e interactúan de manera complementaria sin subvertir nunca al otro, como dos caras de la misma moneda. El tercero, el elemento de la percepción, también está sutilmente presente aquí. Esta pista es seguida por “Naive”, una pieza que actúa, como describe Prieto, como “una reflexión encantadora y espiritual sobre ese estado de existencia”.

 Más adelante en el álbum, los oyentes se encuentran con las pistas emparejadas “Humanoid” y “Funky Humanoid”. La primera es una visión de la superposición contemporánea de la ciencia y la ficción a medida que se superponen y dan forma al futuro de la humanidad. El último se basa en las mismas ideas que el primero, pero se presenta con un ritmo y una expresión impulsados ​​por el funk. “Alba” continúa esta exploración musical de la ciencia y está inspirada en la existencia de Alba, un conejo verde genéticamente modificado. El penúltimo tema del álbum, “Temptation”, es un arreglo para cuarteto de la pieza de 2022 del líder de la banda, “Tentación”, compuesta originalmente para la banda de timba People of Earth, acompañada por una orquesta de cuerdas, y fue interpretada en todo el mundo por la Orquesta de Louisville, la Filarmónica de Los Ángeles, la New World Symphony y la Britt Festival Orchestra. El álbum concluye con “The Happiest Boy in Town” y es una perspectiva sobre esa piedra angular de la historia del jazz, Charlie Parker, inspirada en una foto de él sonriendo.

En un cuarteto, las contribuciones de cada miembro son vitales. Del cuarteto Sí o Sí, que grabó por primera vez juntos en el álbum de 2009, Live at Jazz Standard NYC, Prieto se apresura a expresar su gratitud por el papel que desempeñó cada miembro en la configuración de la música. “Peter, Martin y Ricky han dominado sus instrumentos y todos tienen su propio sonido personal”, dice Prieto. “Esa química en la banda está bien documentada en este álbum. La sincronicidad y la conexión tenían que estar ahí, de lo contrario no habríamos podido tocar esta música como lo hicimos”. Prieto cita el lapso de 15 años que la banda ha estado junta en varias iteraciones como una razón principal por la que el álbum está ejecutado con tanta autenticidad y precisión. “Puedes escuchar esta conexión durante las hermosas y desafiantes melodías, pero también durante las diferentes sesiones de la canción, incluidas las sesiones en solitario”, dice. También están presentes en este álbum dos colaboradores clave: el productor ganador del GRAMMY y el Latin GRAMMY Eric Obserstein, quien es el coproductor de Prieto desde hace mucho tiempo, y el ingeniero ganador del GRAMMY Mike Marciano, quien grabó, mezcló y masterizó el álbum.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafè FM para escuchar y disfrutar el estilo y el sonido del baterista y compositor cubano de jazz DAFNIS PRIETO desde Su Nuevo Album "3 Sides Of The Coin"

https://www.radiojazzcafefm.com

John Chin - "Jourmey Of The Man"

El pianista y compositor coreano JOHN CHIN es un veterano moderno de la escena del jazz de Nueva York, habiendo sido un músico emblemático desde su aparición en el género en 1998. JOHN CHIN es un músico nominado al GRAMMY que tocó junto a Rene Marie (Sound of Red, 2017), ha actuado junto a algunas de las figuras más queridas del jazz, entre ellas Ron Carter, Benny Golson, Mark Turner, Dayna Stephens y Ari Hoenig, entre otros. Ahora, con cinco álbumes como líder de banda en su haber, JOHN CHIN se ha embarcado en una expedición para explorar el concepto de identidad en Estados Unidos a través de la interacción con su identidad personal como coreano-estadounidense y su identidad como creador magistral dentro de la gran forma de arte estadounidense que es el jazz. Liderando un trío de músicos de jazz asiático-estadounidenses Jeong Lim Yang (bajo) y Jongkuk Kim (batería), JOHN CHIN presenta "Journey of Han", una observación hermosamente reflexiva sobre la personalidad y la individualidad a través de la diversidad y el individualismo.

Para JOHN CHIN - "Journey of Han"no fue una inspiración de la noche a la mañana, sino el nacimiento gradual y constante de un concepto. Gran parte de la base del álbum proviene de las experiencias de JOHN CHIN como coreano-estadounidense que vivió en Nueva York durante más de 25 años, y sigue su crecimiento artístico e interpersonal.

Confiesa el propio JOHN CHIN: “Desde la camaradería y el sentido de comunidad que encontré dentro de la escena del jazz hasta los desafíos de enfrentar el racismo y la discriminación, cada momento moldeó mi perspectiva e inspiró la música de este álbum”.. “El álbum refleja los altibajos de mi viaje, explorando temas de identidad, resiliencia y el poder de la música para trascender barreras”. A partir de estas experiencias, JOHN CHIN desarrolló un sentido de orgullo, empoderamiento y un deseo no solo de reconocer, sino de celebrar su identidad cultural. “En general, el álbum surge de una experiencia profundamente personal y transformadora de abrazar mi identidad cultural mientras dejaba una huella en un espacio tradicionalmente no diverso”, dice JOHN CHIN. Esto se resume, en muchos sentidos, a través del trío presente en el álbum. Para JOHN  CHIN, dirigir un conjunto de músicos de jazz asiáticos es un hito de logro, arte y representación, y en muchos sentidos resume la belleza de romper barreras, encontrar un sentido de pertenencia y la riqueza de la contribución cultural asiática a la música jazz. “Este álbum transmite un mensaje de unidad y solidaridad dentro de la comunidad asiático-estadounidense, así como una celebración de la diversidad dentro de la comunidad de jazz en general”

El título del álbum "Journey of Han" es una referencia directa a la cultura coreana y proporciona una perspectiva clave a través de la cual un oyente puede entender la progresión musical del álbum. “El concepto de han abarca una amplia gama de emociones relacionadas con la herencia coreana contemporánea”, explica Chin. “Esto incluye dolor, resentimiento, resiliencia, anhelo, pérdida y liberación”. Por lo tanto, "Journey of Han"simboliza la exploración de la identidad coreano-estadounidense y navega musicalmente por los conceptos profundamente humanos de historia, sentido de pertenencia y fusión cultural, todo dentro del marco del jazz. 

JOHN CHIN explica: “Como músico de jazz asiático-estadounidense, el concepto de ser un ‘extranjero constante’ es una experiencia profundamente sentida. A pesar de haberme criado en Estados Unidos, a veces me veían como un perpetuo extraño, enfrentándome al estereotipo persistente de ser ‘extranjero’ u ‘otro’”..."Journey of Han" reconoce y examina la idea de la herencia oculta que, para Chin, abarca tanto la riqueza de la tradición cultural de su ascendencia asiática como la perspectiva y el punto de vista únicos que surgen de la combinación de múltiples mundos.

Musicalmente, JOHN CHIN recurre a una plétora de influencias para dar forma a su sonido como intérprete y compositor. Basándose en el estilo de escritura del jazz a lo largo de casi toda su historia (como lo demuestran los arreglos presentes en el álbum) y combinándolo con la estética de los siglos XVIII y XIX de Chopin, Ravel, Rachmaninov y Mompou, Chin ha desarrollado una presentación musical que es innegablemente jazz, pero que está adornada con el contrapunto exuberante y el drama evocador de la tradición clásica occidental.

Uno de los elementos más poderosos que contiene "Journey of Han" es el ritmo y el orden de las canciones, diseñados intencionalmente por el propio JOHN CHIN: organizado en dos actos, la estructura de cada uno crea los temas emocionales y sonoros generales de exploración del yo y examen de la identidad contenidos en el concepto de han. El primer acto se abre con “The Longing of the Wind”, una pieza expositiva para piano solo que presagia el estado de ánimo y los paisajes sonoros del viaje que se avecina. A esto le sigue “Midnight Sun”, cuyo texto, escrito por Johnny Mercer, se extiende sobre una sensación de rock deconstruido con un ostinato de bajo y piano, creando una sensación de tictac de reloj. Este efecto complementa la letra sobre estar al borde de enamorarse y agrega una sensación de mayor urgencia.

 El tercer tema se titula “The Shimmering Veil”, que actúa como una transición perfecta entre “Midnight Sun”, la cuarta pista con el arreglo de John Chin es “Lady Day” de Wayne Shorter. La composición de Shorter estaba dedicada a Billie Holiday, una música cuyo profundo arte, pero cuya trágica vida, tuvo tanta influencia en la música jazz.

La quinta pieza del álbum es “ATL”, una obra llena de energía que rinde homenaje al jazz eléctrico y de fusión de los años 70. Al hacerlo, pinta un paisaje sonoro de Atlanta, una ciudad cuya historia está marcada simultáneamente por la brillantez y la tragedia. Todas estas canciones conducen al clímax conceptual y emotivo que es “The Constant Foreigner”. Comenzando con los titulares que describen los tiroteos en el spa de Atlanta en 2021, esta composición es una obra con tres secciones distintas, que enfatizan la tragedia, la misión y la unificación. “Esta pieza es especialmente personal para probablemente todas las personas asiáticas que tienen una mujer en su vida, ya sea madre, esposa o hermana, y es un comentario sobre algunos de los desafíos que han enfrentado los asiáticos, especialmente en la era de esta pandemia”, dice Chin. El primer acto concluye con “Promising World”, una pieza de bajo solista de Jeong Lim Yang que actúa como coda final de “The Constant Foreigner”, brindando un destello de esperanza e introspección.

El segundo acto comienza con “Lament for a Past Life”, una pieza sentimental y retrospectiva cuyo tono se desarrolla con “Never Let Me Go”, un estándar que evoca anhelo y compromiso. El álbum cambia de rumbo musicalmente, pero no emocionalmente, con “Loom”, una pieza de batería solista de Jongkuk Kim que agrega complejidad rítmica, textura y un amplio rango dinámico a la obra del álbum. Continuando en la misma línea, la pieza de piano solista de Chin “Tarn” brinda una calma pensativa en medio del peso de los temas que se han explorado en las últimas diez piezas. “The Next Thing” señala un cambio temático en el tono del álbum, creando una sensación de anticipación por las próximas notas finales del álbum. El clásico de Strayhorn, “Lush Life”, es el penúltimo trabajo del álbum y funciona como un resumen de la esencia melancólica y sofisticada que ha permeado esta colección de piezas. Journey of Han concluye con el clásico atemporal, “Stardust”. Apoyándose en la estética nostálgica y onírica de esta composición, Chin deja al oyente con una sensación de plenitud y reflexión. Lo más conmovedor es que el final de esta pieza fluye directamente hacia la apertura de la primera pieza, creando un bucle cíclico intencional que refleja metafóricamente la naturaleza cíclica del viaje temático del álbum del que deriva su nombre.

Los Esperamos, cafecito de por medio, para escuchar y disfrutar de una Nueva Premiere Exclusiva. presentando el estilo y el sonido del pianista koreano JOHN CHIN desde Su Nuevo Album "Jourmey Of The Man".

https://www.jazzcafefm.com

Scott Coley & Edward Simon & Brian Blade - "Three Visitors" (2024)

Los mùsicos internacionales de jazz EDWARD SIMON, SCOTT COLEY y BRIAN BLADE lanzarán su nuevo álbum "Three Visitors" el 1 de noviembre de 2024 a través del sello GroundUP.

El l pianista venezolano EDWARD SIMON el bajista amèricano SCOTT COLEY y el baterista amèricano BRIAN BLADE, han tocado juntos en numerosas configuraciones durante años, ahora se reúnen en este debut formal como colectivo, que evoca lo efímero, la idea de que todos estamos temporalmente en este reino físico y que podemos visitar otros reinos igualmente transitorios a través del arte y la música, en este tiempo y espacio, con la improvisación como constante, estos tres maestros se unen para visitar y explorar múltiples corrientes e influencias. 

Los invitados especiales en el Nuevo Album "Three Visitors" son el saxofonista amèricano CHRIS POTER y la joven guitarrista y compositora amèricana de jazz  BECCA STEVENS.

Confesana el bajista SCOTT COLEY: "Quería saltar de mi piel porque, desde las primeras notas, supe que esto estaba de alguna manera en mi ADN. Estoy conectado con estos muchachos porque tienen una historia musical muy larga, dentro de tantos proyectos diferentes".

El pianista EDWARD SIMON comentaba: “Lo que hace que este grupo sea realmente especial es esa apreciación por el espacio y la interactividad de alto nivel”...“una escucha muy intencional y profunda que se produce mientras improvisamos”.

El baterista BRIAN BLADE agrega: “Pienso en el hierro afilando al hierro”...“Incluso si tocamos libremente, seguimos componiendo y siempre nos inclinamos el uno hacia el otro, inclinándonos para que se produzca la conversación. Es un privilegio compartir esa confianza con alguien”.

En este Nuevo Album "Three Visitors" uno va a escuchar y descubrir la estética que va desde el jazz con tintes neo-soul hasta el post-bop de alto voltaje y el sonido más aventurero del jazz de vanguardia.

El tema principal de EDWARD SIMON “Nostalgia”, es una interpretación en trío reforzada y acentuada por cuerdas, es otro ejemplo de su rara habilidad para entremezclar resplandor y melancolía en una sola melodía...la canción transmite una potente nostalgia que puede evocar la sensación de un cambio de estaciones.

“Muchas de las composiciones que escribo son preguntas con las que podemos jugar”, confiesa SCOTT COLEY, cuyo sonido sereno, dominante y melódico puede evocar a Scott LaFaro..“Y como trío, tratamos de determinar la respuesta”. Estas pistas van desde el swing elástico y la armonía oscuramente invitante de “Ellipsis” hasta piezas atravesadas por una tensión artística, como “Far Rockaway”, la canción principal y “The Thicket”, cuya mezcla de franqueza folklórica y apertura improvisada recuerda a Paul Motian. La música de Andrew Hill, especialmente la forma en que evoca la historia del jazz en términos personales y creativamente atrevidos, también es una gran referencia para las propuestas de SCOTT COLEY.

La hermosa balada de BRIAN BLADE, “Kintsukuroi”, con su melodía simple y desgarradora y su enfoque rítmico como una nube, toma su nombre del arte japonés de restaurar cerámica rota. El baterista ve a Kintsukuroi, con su enfoque en crear belleza a partir de la descomposición o la destrucción, como una metáfora digna tanto del proceso de la música improvisada como de la vida misma: “Este es el viaje en el que estamos"...“Sufrimos algunos golpes, pero creo que nos estamos transformando...Y lo que surge de esa reparación es algo tan redentor y una nueva creación de belleza”, confesana BRIAN BLADE.

En el Nuevo Album "Three Visitors", EDWARD SIMON & SCOTT COLEY y BRIAN BLADE, construyen una nueva belleza desde cero, una y otra vez, pista tras pista intensamente sentida.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafe FM, para escuchar y disfrutar en Primicia Exclusiva el Nuevo Album "Three Visitors" junto al pianista EDWARD SIMON, el bajista SCOTT COLLEY y el baterista BRIAN BLADE.

https://www.jazzcafefm.com

AL DI MEOLA - "TWENTY FOUR·" (2024)

 

 "TwentyFour" es el Nuevo Album del gran guitarrista americano de jazz contemporàneo AL DI MEOLA , es un álbum cuyas raíces se remontan a la era de la pandemia de Covid-19, concebido como un proyecto reflexivo de guitarra acústica, en la nueva grabaciòn se incluye guitarra eléctrica y partes orquestales y fue grabado en varios estudios en distintos continentes; es un lanzamiento doble en formato LP/CD que incluye 15 temas, todos compuestos y arreglados por el propio AL DI MEOLA y editado por el sello e-a-rMUSIC (EDEL)

 Este es un álbum muy comercial, el tema de apertura "Fandango", que como sugiere el nombre, fusiona el flamenco con el jazz, la canción establece en gran medida el patrón para gran parte del álbum; una melodía de medio tiempo con muchos toques de flamenco acompañada por el ritmo constante de un cajón, AL DI MEOLA toca con un segundo guitarrista rítmico o con dos guitarras acústicas, una tocando el ritmo y la otra la melodía, o las dos juntas táctiles, también se utilizan instrumentos de viento para colorear el sonido discretamente.

"Capriccio Suite", incluye el ritmo constante de una Tabla, "Ava's Dance in the Moonlight" se inspiró en la hija de AL DI MEOLA que entró al estudio de grabación para decir "buenas noches", "Immasurable" es una Suite de diecinueve minutos en tres partes (la primera parte dura diez minutos; la segunda parte tres, y la tercera, seis) y es otra pieza acústica impulsada por el cajón, "Eden" es una balada sublime con la voz del músico español Iván López, "For Only You" una hermosa balada de guitarra acústica solista.

“Paradox of Puppets”, “Genetik” y “Testament 24”, son temas en los AL DI MEOLA se luce con la guitarra eléctrica como instrumento principal, con la guitarra acústica en el papel secundario.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafe FM, para escuchar y disfrutar de una Nueva Premiere Exclusiva junto al guitarrista AL DI MEOLA desde Su Nuevo Album "TwentyFour" 

https://www.jazzcafefm.com

Emmet Cohen - "Vibe Provider" (2024)

El joven pianista amèricano de jazz EMMET COHEN nos invita a descubrir al artista que más admira, es decir a Michael Funmi Ononaiye, el icónico "Vibe Provider", tìtulo de Su Nuevo Album solista, editado por el sello Mack Avenue Records, en donde se combinan las obras de este artista y del propio EMMET COHEN. 

Acompañando al pianista EMMET COHEN están Bruce Harris (trompeta), Tivon Pennicott (saxofón tenor), Frank Lacy (trombón), Cecily Petrarca (koshkah), Philip Norris (contrabajo), Joe Farnsworth (batería) y Kyle Poole (batería/productor).

Michael Olufunmilola (Funmi) Ononaiye (1968-2023), nacido en Nigeria, es un chamán polifacético, defensor de la música y transmisor de vibraciones positivas, conocido y querido por todos en los círculos artísticos y sociales de la escena musical de Manhattan. Fue representante de A&R en Atlantic Records. Fue DJ, percusionista y programador jefe en Jazz at Lincoln Center. Tuvo un profundo efecto en todos.

A la belleza de"Vibe Provider"se suma la elegancia,en las composiciones, en el arreglo de los temas y en las interpretaciones, cada músico trabaja aquí como un grupo de arquitectos en busca del punto de oro y logrando la hazaña de estructurar en torno a él. Esta excelencia de EMMET COHEN puede atribuirse sin duda a su experiencia de tocar con algunos de los más grandes artistas de jazz actuales, entre ellos Ron Carter, Benny Golson, Jimmy Cobb, George Coleman, Jimmy Heath, Tootie Heath, Houston Person, Christian McBride y Kurt Elling. Para tocar y vivir literalmente la música que interpreta con tanta habilidad, uno debe haber experimentado y vivido muchas cosas.

Como el jazz es su pasión, es natural que EMMET COHEN se comprometa con la transmisión intergeneracional del conocimiento, la historia y las tradiciones del jazz: su proyecto estrella es la ‘Masters Legacy Series’, una colección de álbumes y entrevistas que celebran a músicos de jazz legendarios, EMMET COHEN es a la vez productor y pianista de cada álbum de la serie.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafè FM, para escuchar y disfrutar el estilo, el sonido, la tècnica y la improvisaciòn del joven pianista EMMET COHEN desde Su Nuevo Album "VIBE PROVIDER"

https://www.jazzcafefm.com

Giovanni Guidi - "A New Day"

 

El joven pianista y compositor de italiano de jazz GIOVANNI GUIDI que alcanzó fama internacional tocando con el legendario trompetista Enrico Rava, acaba de publicar Su Nuevo Album "A New Day", el quinto para el prestigioso sello europeo ECM.

 "A New Day" lo presenta a GIOVANNI GUIDI en Trío y Cuarteto con colaboradores habituales, el bajista estadounidense Thomas Morgan y el baterista portugués João Lobo, así como un nuevo compañero musical, el saxofonista James Brandon Lewis, que combina sus melodías de manera espectacular con el espíritu del grupo.

El Nuevo Album es un viaje de descubrimiento, "A New Day" abre con el tema “Cantos del Ocells”, una nana tradicional catalana popularizada por Joan Baez en los años 60. Tomando la forma de una balada llorosa y espaciosa, la pieza está texturizada con atmósferas de piano respirables, una serena base de bajo y percusión discreta, con consideraciones pragmáticas de saxofón flotando por encima.

 Otros temas destacados del álbum interpretados en cuarteto incluyen la improvisación colectiva “Only Sometimes”, donde Morgan crea una atmósfera confiable antes de convertirse en un estado de ánimo modal sobre el cual Lewis produce estimulantes líneas coltraneanas que se vuelven fervientemente espirituales; y “Luigi (the Boy Who Lost His Name)”, un lamento conmovedor que muestra un resplandor folk en la melodía y donde la pincelada de Lobo ocasionalmente avanza lentamente contra el flujo armónico con una elegancia tímbrica contrastante.

El álbum presenta principalmente números abiertos e introspectivos, y las obras en Trío no son una excepción a la regla. “To a Young Student” adopta un minimalismo de cámara pensativo con tonos oscuros producidos por el contrabajo y el piano; “Means For a Rescue” hace un buen uso de los silencios y realza las expresiones enigmáticas, luego estimuladas por la actividad de acordes animada de Guidi a medida que aumenta la tensión pulsante; mientras que la delicada interpretación del estándar “My Funny Valentine” se funde en un enfoque ligero y suelto que aún lo hace identificable.

El joven pianista GIOVANNI GUIDI demuestra tener una voz singular, siendo un legítimo representante de la esfera del jazz europeo.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafè FM, para escuchar y disfrutar el estilo y el sonido del pianista italiano de jazz GIOVANNI GUIDI desde Su Nuevo Album "A New Day"

https://www.jazzcafefm.com

Pat Metheny - "Moondial" (2024)

"Moondial" es el tercer movimiento, con variaciones, de una secuencia de álbumes que comenzó con One Quiet Night (Warner Bros., 2003) y continuó con What’s It All About (Nonesuch, 2011), una grabación en solitario, sin sobregrabaciones, en la que el guitarrista amèricano de jazz contemporàneo PAT METHENY toca solo una guitarra acústica barítono (en el álbum de 2011 tocó otras guitarras en tres temas, pero era principalmente una guitarra barítono). Las variaciones vienen con la propia guitarra, un instrumento de cuerdas de nylon hecho a medida por la reconocida Linda Manzer.

 Junto con un nuevo tipo de cuerdas de nylon hechas en Argentina, la guitarra le permite a PAT METHENY usar un novedoso sistema de afinación con un rango que va desde el bajo hasta el soprano, algo que anteriormente solo había encontrado posible con cuerdas de acero. 

El programa se divide en dos partes: originales de Metheny, escritos en la carretera en 2023, y versiones, entre las que se incluyen “You’re Everything” de Chick Corea, “Here, There And Everywhere” de Lennon y McCartney, “Somewhere” de Leonard Bernstein y “Everything Happens To Me” y “Angel Eyes” de Matt Dennis.

PAT METHENY describe el álbum "como un disco que tiene una vibra general de “intensa contemplación” y es “un disco del anochecer al amanecer, hardcore y suave”, lírico, lleno de matices y hermoso, tan encantador como una flor, está diseñado para hacer sonreír a los oídos"

Contaba el propio PAT METHENY: "El sentimiento de este disco sigue la naturaleza del instrumento, la onda central aquí es la de una contemplación resonante..Esta guitarra me permite llegar a lo profundo, a un lugar al que quizás nunca haya llegado antes, este es un disco que va desde el anochecer hasta el amanecer, muy suave"

"A menudo, como oyente, me he encontrado buscando música para llenar esas horas y, honestamente, me resulta difícil encontrar el tipo de cosas que me gusta escuchar...Por más música "suave" que haya, mucha de ella simplemente no me satisface"

"Este disco podría ofrecer algo a los insomnes y a las personas que se quedan despiertas toda la noche y buscan los mismos sonidos, armonías, espíritus y melodías que yo buscaba durante las noches y las mañanas en las que se grabó esta música"

"Hubo muchas noches claras durante ese diciembre y, en mi imaginación, parecía que la luna estaba observando lo que yo buscaba en la montaña del norte de Nueva York donde estaba grabando"

"Esta música es para mí un reflejo de esas horas solitarias de invierno, pero sobre todo representa un nuevo reino sonoro y armónico que espero que todos disfruten escuchándolo tanto como yo disfruté conociéndolo"

El Nuevo Album "Moondial" esta editado en CD, Vinilo y en las diferentes plataformas digitales, a travès del sello BMG

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafè FM, para escuchar y disfrutar el estilo y el sonido del guitarrista contemporàneo de jazz PAT METHENY desde Su Nuevo Album "Moondial"

https://www.jazzcafefm.com

GEORGE BENSON - "Dreams Do Come True: When Gerge Benson Meets Robert Farnon" 2024)

El guitarrista y vocalista amèricano de jazz GEORGE BENSON, ganador del premio Grammy presenta Su Nuevo Album orquestal perdido hace mucho tiempo, el primero desde que regresó a Warner Music Group a principios del 2024 "Dreams Do Come True: When George Benson Meets Robert Farnon", editado en CD Deluxe y en Disco de Vìnilo  a travès de Rhino Records-

En 1989, GEORGE BENSON colaboró ​​con el célebre compositor y arreglista Robert Farnon y su orquesta para crear "Dreams Do Come True", los exuberantes arreglos de Farnon complementan perfectamente la voz conmovedora de GEORGE BENSON y su trabajo fluido de guitarra en clàsicos estandards de jazz como "Autumn Leaves", "At Last" y "My Romance". La fascinante colección también incluye clásicos pop reinventados como "Yesterday" de los Beatles y "A Song For You" de Leon Russell. 

GEORGE BENSON grabó "Dreams Do Come True" durante un período prolífico y decidió retrasar el lanzamiento del álbum, mientras tanto, las grabaciones desaparecieron y permanecieron perdidas hasta hace poco, cuando fueron redescubiertas 35 años despuès en el archivo personal del propio de GEORGE BENSON.

El guitarrista GEORGE BENSON confesaba: “Después de encontrar este tesoro musical perdido hace mucho tiempo, contraté a mi amigo genio, Randy Waldman, para que me ayudara a revivirlo. Misión cumplida”.

Las sesiones de grabación originales de "Dreams Do Come True" fueron capturadas impecablemente por el ingeniero ganador del premio Grammy® Al Schmidt, quien manejó la consola de grabación para algunos de los álbumes más exitosos de Benson. Las 11 pistas fueròn remasterizadas, Benson se asoció con el pianista, compositor y arreglista ganador del premio Grammy® Randy Waldman como su coproductor, agregando sobregrabaciones y arreglos corales expresivos a lo largo del disco reinventado.

Este álbum marca el último capítulo en la ilustre carrera de GEORGE BENSON como un gigante tanto del jazz como de la música contemporánea. Durante su permanencia en Warner Records de 1976 a 1993, Benson lanzó 12 álbumes de estudio, incluido "Breezin´", disco innovador no solo encabezó las listas de éxitos de pop, R&B y jazz, sino que también le valió a GEORGE BENSON tres de sus 10 premios Grammy®,Certificado triple platino, "Breezin'" sigue siendo uno de los álbumes de jazz más vendidos de todos los tiempos, en el 2009, el National Endowment of the Arts (NEA) reconoció a GEORGE BENSON como "Maestro del Jazz", el máximo honor del país para los artistas de jazz.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafè FM, para escuchar y disfrutar en Primicia Exclusiva el Nuevo Album del guitarrista y cantante GEORGE BENSON - "Dreams Do Come True: When George Benson Meets Robert Farnon"

https://radiojazzcafefm.com.ar

Dwane Clemons - "Center Of Gravity: Live At Smalls" (2024

El veterano trompetista amèricano de jazz DWAYNE CLEMONS, quien reside en Copenhaguen, presenta Su Nuevo Album "Center of Gravity: Live at Smalls", que serà lanzado el 18 de octubre de 2024 a través del sello internacional Cellar Music Group

El Nuevo Albùm de DWAYNE CLEMONS cuenta con la participación de la saxofonista alto Amanda Sedgwick, el saxofonista tenor Aaron Johnson, el pianista JinJoo Yoo, el bajista Paul Gill y el baterista Taro Okamoto

DAWYNE CLEMONS, el trompetista afincado en Copenhague influenciado por Louis Armstrong, Red Allen, Roy Eldridge, Dizzy Gillespie, Kenny Dorham y Fats Navarro, se complace en anunciar el Nuevo Albuim "Center of Gravity: Live at Smalls", toda una suntuosa grabación de 2023 en el  sagrado club de Nueva York (USA) 

En el 2015, DWAYNE CLEMONS habià lanzado el Albùm "Live at Smalls", una selección de Standards de Thelonious Monk, Bud Powell, Gigi Gryce y otros, con la participación del saxofonista alto y barítono Josh Benko, el pianista Sacha Perry, los bajistas Murray Wall y Jon Roche, y el baterista Jimmy Wormworth.

Diez años despuès DWAYNE CLEMONS hace su regreso triunfal a ese escenario del sótano, esta vez bajo el estandarte del sello Cellar Music Group y con otra banda estupenda: la saxofonista alto Amanda Sedgwick, el tenorista Aaron Johnson, el pianista JinJoo Yoo, el bajista Paul Gill y el baterista Taro Okamoto.

Clemons ha estado relacionado con el entorno de Smalls-Mezzrow durante más de tres décadas; su primer contacto con el futuro propietario de Smalls, Spike Willner, fue a fines de la década de 1980. La década de 1990 fue dura para Clemons, ya que cumplió cinco años en el sistema penitenciario del estado de Texas por una condena por narcóticos. Sin embargo, en 1994, recibió cartas de Willner y del trompetista James Zollar, alentándolo a venir a tocar a Nueva York

El trompetista había querido formar la banda Center of Gravity desde mediados de la década de 2010, cuando el oriundo de Copenhague vivía en Estocolmo. El concepto de la banda: “Quería hacer algo con trompeta, tenor y alto”, dice Clemons. “Quería utilizar a Amanda y a [un antiguo colega] Aaron Johnson en particular. Quería utilizarla porque siempre me ha gustado mucho; es una de mis colegas más recientes y una de mis nuevas amigas”.

En general, Clemons se siente abrumado por Sedgwick, Johnson, Yoo, Gill y Okamoto. “Tocan la tradición, tocan el lenguaje, pero al mismo tiempo no es artificial”, señala. “Son creativos e imaginativos. Tienen la esencia de la música en su forma de tocar. Me siento inspirado cuando los escucho”.

"Center of Gravity-Live At Smalls" comienza con una melodía de uno de los centros de gravedad del jazz: “Burgundy”, del pianista y educador fundador Barry Harris. “Es una melodía que siempre me ha costado tocar, especialmente la introducción y el final”, admite Clemons. “Solo quería tocarla bien para Barry”. Si esa melodía alguna vez desconcertó a Clemons, no se nota aquí: Clemons canaliza “Burgundy” con gracia y autoridad ganada. “No se basa en [el estándar] ‘Out of Nowhere’, pero me recuerda a él”, dice Clemons. “Es una melodía hermosa”.

El siguiente tema que da título al álbum es “Center of Gravity”, una melodía de la contralto Sedgwick. “Me encanta su forma de escribir, tiene su propia manera de escribir”, dice Clemons. “Tiene un contenido musical real y honesto para el swing; me encanta el arreglo y la melodía. Es una melodía divertida de tocar y espero tocarla más veces”.

El título de “Hey George” es un juego de palabras con “Sweet Georgia Brown”, y la melodía está basada en ese estándar. “Es una melodía que hemos estado tocando durante años”, explica, señalando que la ha tocado tanto en Estados Unidos como en Copenhague. “Es una de esas melodías que te dan algo de energía”.

El arreglo de Clemons de “Honeysuckle Rose” es el siguiente: “Esta es una versión de Cootie Williams de 1943, cuando tenía a Bud Powell, que tenía solo 18 o 19 años, en el piano”, explica. “No estoy seguro de quién hizo este arreglo, pero la melodía está un poco embellecida”.

Dice que “Hornin’ In” de Monk es “otro viejo favorito que solía tocar con mi quinteto… Siempre me ha gustado Monk, y pensé que era una buena idea bajarle el tono. Una vez más, quería aprovechar esa línea frontal de dos partes, con el tenor contra la trompeta y el alto”. Archive “I Cover the Waterfront” en “viejos favoritos”: “Es una de esas melodías que siempre me apetece escuchar, hombre”.

Sedgwick recibe otro protagonismo con su “Shadow and Act” original. “La escribió dedicada a Ralph Ellison”, aclara Clemons. “Él escribió el libro Invisible Man [de 1952, no el clásico de H.G. Wells]; escribió una colección de ensayos, y “Shadow and Act” fue uno de ellos. Entonces, ella le dedicó esta canción”.

El estándar “Smoke Rings” es “una melodía que he estado tocando recientemente; es bastante raro escuchar una melodía como esta, que tiene esta hermosa estructura armónica y melodía. Lo mismo con “Sweet Emmalina, My Gal”: “Es algo que recientemente me he decidido a adoptar como vehículo y parte del repertorio”. El álbum concluye con “When I Grow Too Old to Dream”, basada en el arreglo de Arnett Cobb para saxofón tenor.

“Es un vehículo divertido para tocar”, dice Clemons sobre esta última melodía, como lo hace con otras. Y esa es la naturaleza de un “vehículo” en esta música: empujar hasta los límites exteriores, sin sacrificar nunca el Center Of Gravity

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafè FM, para escuchar y disfrutar el estilo y el sonido del trompetista amèricano DWAYNE CLEMONS desde Su Nuevo Album "Center Of Gravity:Live At Smalls"

https://www.jazzcafefm.com

Mavis Pan - "Rising" (2024)

 

La joven pianista, compositora y vocalista amèricana de jazz MAVIS PAN lanzará su nuevo álbum "Rising" coproducido y con la participación del reconocido saxofonista amèricano Ted Nash, el 4 de octubre de 2024.

"Rising" es un mosaico de obras que narran el flujo y el reflujo de los altibajos de la vida y el viaje de MAVIS PAN para superarlo todo. El álbum cuenta con una formación estelar que incluye a Ted Nash (saxofón tenor, flauta y clarinete), Geoff Burke (saxofones alto y soprano, flauta alto y clarinete), Mark Wade (bajo), Jared Schonig (batería) y la propia MAVIS PAN en piano y voz. 

El Nuevo Album "Rising" presenta una colección de 12 piezas (13 en la edición digital de lujo), comprende una selección de obras cuidadosamente seleccionadas que abarcan un período de 20 años de la vida y la obra compositiva de la artista. Cada pieza es una huella de un momento, una persona, un lugar o un desafío que MAVIS PAN ha enfrentado y superado.

“El jazz se trata de estar en el momento y me propuse capturar cada momento fugaz con una canción”, confiesa MAVIS PAN...“No hay mejor manera para que un compositor exprese sus anhelos y frustraciones que poniendo los dedos sobre el teclado y las notas en el papel”...Es asì que "Rising" relata una amplia gama de momentos y emociones, con piezas que encapsulan la alegría y la emoción de ser recibida como una “diva” en su gira por Arabia Saudita; el regreso al atractivo y casi magnético Nueva York; el relato de los obstáculos que enfrentó como mujer de color e inmigrante en su primera llegada a Estados Unidos; las consecuencias que cambiaron el mundo del derrame cerebral de su padre y la reconciliación con su transformación de ser una niña a la que su padre amaba consentir a ser su cuidadora, este álbum es un derramamiento del corazón de MAVIS PAN, y pinta magistralmente ese desbordamiento en un lienzo musical exuberante.

El título del Nuevo álbum "Rising" se deriva de la experiencia de MAVIS PAN haciendo exactamente lo que su nombre significa: levantarse a pesar de la adversidad..."Levantarse indica victoria", afirma MAVIS PAN... "de levantarse de un pozo emocional y espiritual profundo"... "Entre todos los reveses y la desesperación, estuve rodeada de queridos amigos y seres queridos que me han demostrado un gran amor y me han animado a levantarme de nuevo"..."Al salir del fondo emocional, sigo avanzando y hacia arriba con el espíritu de resiliencia"

En el plano musical, el nuevo álbum "Rising", la pianista y cantante MAVIS PAN se inspira en su dominio de los géneros del jazz y la música clásica occidental, pero los combina con los sonidos de los lugares que ha visitado. “Este álbum es una huella musical de los lugares a los que he viajado y de las personas especiales que he conocido y que me han inspirado”, dice MAVIS PAN..“Abarca desde el funk afro hasta los valses cinematográficos franceses, desde el tango español hasta el tarab (éxtasis musical) de Oriente Medio, además de las nostálgicas canciones folclóricas taiwanesas”...“es casi como música de cámara contemporánea con métrica mixta, un diálogo contrapuntístico complejo entre diferentes voces y armonías derivadas de la estructura modal y atonal, pero combinadas con una vivacidad étnica”.

MAVIS PAN ha desarrollado un estilo compositivo distintivo que es exclusivamente suyo, inspirándose en eminencias del clasicismo occidental como Bach, Chopin, Ravel, Debussy y Bartok, y fusionándolo con los estilos de íconos del jazz contemporáneo con los que ha interactuado, como Toshiko Akiyoshi y Lionel Loueke (quienes la alentaron a incorporar su herencia étnica a su música). “Son las canciones de un pájaro migratorio”, afirma la propia MAVIS PAN.

En este Nuevo Album "Rising", MAVIS PAN ofrece al público una mirada sonora vulnerable a su propia vida a través del uso de un montaje de dos décadas. Desde la celebración jubilosa hasta la súplica suplicante en medio de la desesperación, Rising es en última instancia una historia de esperanza, que se vuelve aún más conmovedora porque todo es real. Con Rising, Pan muestra a los demás que el camino hacia arriba, la forma de elevarse, a veces es vivir, experimentar, caer y volver a levantarse.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafè FM, para escuchar y disfrutar el estilo y el sonido de la joven pianista / cantante y compositora amèricana MAVIS PAN desde Su Nuevo Album "Rising"

https://radiojazzcafefm.com.ar

Diana Arias Trio - "Viaje del Pez" (2024)

La joven contrabajista colombiana DIANA ARIAS, radicada en Argentina, ha participado activamente durante casi 14 años en la escena local. Ha tocado y grabado con músicos como Ernesto Jodos, Diego Schissi, Adrian Iaies, Juan Cruz de Urquiza, Yamile Burich, entre muchos otros artistas, y en conciertos y festivales como el Festival Nacional de las Artes (Sudáfrica, 2019), Ushuaia World Music International festival (2019), Barranquijazz y AJazzGo (Colombia, 2017). Además, ha formado parte de varias ediciones del Festival Internacional de Jazz de Buenos Aires (2015-2019). Lideró el Ensamble Tumboró con quienes tocaron en diferentes escenarios de la ciudad, como “La Usina del Arte”.

Ha tenido una amplia experiencia a través de diferentes estilos musicales. Cuando era niña, integró la orquesta infantil de salsa “La Charanguita”, liderada por Luis Carlos Ochoa, con la que viajó por Colombia, Holanda y Alemania. También fue integrante de la orquesta femenina de salsa D´Caché con la que viajó a varios países, acompañando al reconocido cantante Gilberto Santa Rosa. Participó como músico Supernumerario en la “Orquesta Filarmónica del Valle”, durante tres años (Colombia, 2007-2009). Entre otros proyectos a los que se sumó en su tierra natal.

El Nuevo Albùm "Viaje Del Pez", editado en Abril del 2024 por el sello Ears&Eyes Records, tiene una buena mezcla de emociones, inquietudes e ideas, que a través del proceso de unos años de trabajo, dan como resultado un conjunto de composiciones que conforman este disco. Algunas canciones se basan en un estilo más tradicional y otras con mucha más libertad para improvisar, y es especialmente en estas últimas, en las que el pianista Ernesto Jodos y el baterista Sergio Verdinelli despliegan toda su madurez musical. Tiene canciones bastante cortas para un disco de jazz, pero en su totalidad, los 9 tracks ofrecen un muy buen recorrido para quien quiera escucharlos. Aunque hay “arreglos”, estos no definen el alma del álbum, sino que la profunda interacción del trío deja ver claramente, a su vez, el discurso de cada integrante con sus diferentes propuestas, logrando un resultado muy natural.

Pacífico: Es una composición que está inspirada en la chonta (instrumento del Pacífico colombiano), la melodía principal evoca ecos del sonido de este instrumento mientras el groove acompaña desde un ritmo irregular. Continúa con una improvisación alrededor de la canción, en forma corta, en la que Ernesto Jodos comparte toda su magia desde el piano, inspirada en el imaginario del Pacífico colombiano donde las corrientes de los ríos son recorridas en canoa y donde habitan músicos locales.

Trigridia:

De sencilla belleza, esta canción de ritmo irregular tiene la particularidad de que su melodía parece terminar donde comienza un motivo recurrente, realizando luego una especie de loop. Al final, se puede apreciar un solo de batería de Sergio Verdinelli.

Don de la noche: Al final de la introducción, la composición se convierte en una especie de marcha 3/4 que tiene una melodía corta y relajada que fluctúa entre dos tonalidades. La melodía de piano que se escucha al inicio de la pieza, es retomada al final por el contrabajo. 

Mango: Propone una melodía en dos tonalidades para luego explorar una libertad casi total para improvisar, mientras alguien lleva la voz cantante, como es el caso del primer solo de piano que luego decanta hacia un solo de contrabajo en compañía de la batería, y siguiendo el “charlataneo”, se escucha un solo de batería que nos lleva de nuevo a escuchar la melodía, un poco más corta esta última vez.

Viaje del Pez: Se genera una melodía introspectiva a través de un motivo corto que se va desarrollando poco a poco, que a su paso avanza, deja un espacio para que el trío explore a través de una especie de guía para improvisar (forma) asumiendo un juego de sombras y luces como reflejos pasajeros.

La Espera: En un ejercicio de búsqueda de acordes cercanos entre sí, surge la inspiración para la composición de esta balada que busca expresar con claridad cada momento de la pieza. De manera poco convencional, comienzo con un solo de contrabajo acompañado del piano, para luego seguir con un solo de piano con la presencia de la batería que completa el trío. En una tercera ronda, finalmente se escucha la melodía con el arco en el contrabajo.

Desbaratá: Nuevo guiño a la música del Pacífico colombiano, en el que se escucha vagamente una melodía tradicional de la región, pero como su nombre lo indica, bastante trastocada. Se trata de una búsqueda de improvisación libre con diferentes puntos de encuentro con algunos de los motivos temáticos.

Salida: Luego de la introducción, piano y bajo se encaminan a una conversación que se desarrolla en forma de oficios con un ritmo que recuerda un aire de “Zamba” argentina. El nombre hace referencia a una particularidad de la forma, ya que la melodía solo se escucha al final.

Y la Lluvia: Para concluir, una acertada introducción improvisada de Ernesto Jodos al piano da paso a una composición con aire de bolero melancólico, en la que el trío logra un baile melódico con gesto romántico.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafè FM, para escuchar y disfrutar el estilo y el sonido de la joven contrabajista colombiana-argentina DIANA ARIAS con Su Trio desde el Albùm "Viaje del Pez"

https://www.jazzcafefm.com