60miles - "Ice Cream Latin Amèrica Tour" (Octubre-2023)

Jazz Cafè FM-Radio Argentina de Jazz presenta en Primicia Exclusiva al prestigioso y reconocido Trio Suizo de Jazz Contemporàneo 60 Miles, que desembarca en Buenos Aires antes de su gira por el interior del país

El trío de jazz suizo integrado por André Hahne en bajo, Philip Leibundgut en batería y Nicolas Gerber en piano, desembarca en Buenos Aires en formato cuarteto junto al trompetista Shems Bendali, para presentar su cuarto disco llamado “Ice Scream” con una selección de temas. propios de jazz inspirados no solo en Charlie Parker, Keith Jarret o Leonard Cohen, sino también en Led Zeppelin, Bethooven, Radiohead, Basquiat y el cine blanco y negro de Jim Jarmusch.

Fecha: Miércoles 4 de Octubre en Café Berlín

Hora: 23 horas

Entradas: Las entradas anticipadas $3500 se consiguen por Livepass.com

Dirección: Avenida San Martín 6656, Capital Federal (Devoto), Buenos Aires.

Luego del show en Café Berlín, se presentarán al día siguiente en el Festival de Jazz de Lomas de Zamora a las 21hs (Manuel Castro 220) con entrada libre y gratuita, y el viernes 6/10 a las 20hs en La Alianza Francesa (Av. .Córdoba 946, entradas $3000 a través de Alpogo.com), para luego partir a una gira que los llevará por Córdoba, Mendoza, Chile y Brasil.

El Trio Suizo de Jazz 60miles esta formado por:

Philip Leibundgut:

Baterista oriundo de Berna, comenzó a tocar la batería y tambores de marcha a la edad de 10 años. Es un joven talento experimentado y sabe cómo imponerse en los entornos musicales más diversos. Participa en los proyectos Woodoism, Dimitri Howald Trio, Windisch, Shane Quartet y Swiss Jazz Orchestra. Ganador del Premio Internacional de Jazz Biberach.

André Hahne:

Compositor, bajista y productor alemán/neozelandés que vive y trabaja en Suiza. Es director del sello Nova Jazz y director del Festival de Jazz Yverdon-les-bains de Suiza. Es fundador de proyectos como No Square Quartet y 60 Miles. Crea música para piezas de teatro y danza. Tiene un fuerte sentido de la melodía y últimamente ha concentrado su investigación en las polirritmias. En sus palabras textuales: “Si cuando era estudiante el disco de Miles Davis «The Man with the Horn» me introdujo en el jazz, ahora mis últimas influencias son la música de Ambrose. Akinmusire y Tigan Hamasyan”

Nicolás Gerber:

Pianista de jazz y tecladista de rock. Toca principalmente en 60 Miles y KKAAN (pop-rock alternativo) con los que viaja por Europa, Asia y Sudamérica. Colaboró con diferentes músicos como Guillaume Perret, Cyril Regamey, Samuel Blaser, Lucien Dubuis, Lionel Friedli, Simon Gerber, Le Bel Hubert, Napoleon Washington, Tiza B., Mimmo Pisino y muchos otros. Toca teatro musical con el Théâtre de la Grenouille y la compañía Frakt' de Biel y con el cineasta suizo Pierre-Yves Borgeaud.

Los invitamos, cafecito de por medio, en Primicia Exclusiva desde Jazz Cafè FM a escuchar y disfrutar de la mùsica del Trio Suizo de Jazz 60miles

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Gregory Lewis - "Organ Monk Going Home" (2023)

 

El organista amèricano de jazz GREGORY LEWIS ha encontrado un hogar musical al profundizar en el órgano Hammond la música del gran compositor y pianista Thelonious Monk, una práctica que le ha brindado la oportunidad de tocar con músicos extraordinarios y visitar lugares increíbles, y su nueva grabación "Organ Monk Going Home" trae todos estos aspectos a tener en cuenta, el Nuevo Album fue editado en Septiembre 2023 por el sello SunnySide Records.

Al crecer en Nueva York en un hogar negro proveniente del Sur, a GREGORY LEWIS le enseñaron a celebrar el continente donde comenzó la civilización, junto con la sociedad que estas dinastías de África ayudaron a crear. Parte de esta base social fue la música que Lewis creció escuchando en su casa de la década de 1970, que incluía música soul y funk, además de jazz., fue asì que descubrió inicialmente el trabajo de Thelonious Monk a través de la colección de discos de su padre. La impresión causada por el maestro fue suficiente para inspirar al joven oyente a intentar aprender la idiosincrásica música del piano. Pero fue cuando GREGORY LEWIS escuchó al organista Larry Young interpretar una versión de "Monk's Dream", GREGORY LEWIS supo que quería centrarse en interpretar la música de Monk en el órgano.

La transición de interpretar la música de Monk en piano a órgano fue difícil. Naturalmente, Monk había desarrollado su propia técnica para tocar el piano, y sus sutilezas se aplicaban a muchas de sus composiciones. Como no hay sostenido en el órgano, las voces extendidas son diferentes. Las voces proporcionadas por el órgano respiran de manera diferente y pueden mantenerse por más tiempo, convirtiéndose en un sonido más grande y de múltiples capas. Lewis también tuvo que depender de sus pedales para realizar las partes del bajo.

Mientras realizaba un concierto de material de Monk en el club de jazz de Brooklyn, Sista's Place, el fotógrafo oficial del ex presidente de Zimbabwe, Robert Mugabe, se acercó a Lewis. Se forjó una amistad que llevó a Lewis a ser invitado a funciones de las Naciones Unidas y a visitar Zimbabwe, un viaje que afectó profundamente a Lewis cuando finalmente pudo hacerlo después de la pandemia de Covid 19.

Para Su Nuevo Album "Organ Monk Going Home", GREGORY LEWIS reclutó al baterista Nasheet Waits y al guitarrista Kevin McNeal para completar su trío.

Todos los temas del Nuevo Album fueron compuestos por el pianista Thelonious Monk, a excepciòn del tema "Jaclyn`s Eyes" de Gregory Lewis.

Los Esperamso, cafecito de por medio, en Jazz Cafè FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar el organista amèricano de jazz GREGORY LEWIS desde Su Nuevo Album "Organ Monk Going Home"

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Hery Paz - "Jardineros"

El multiinstrumentista, compositor y artista visual cubano radicado en Nueva York, HERY PAZ, se complace en anunciar el lanzamiento de su álbum debut "JARDINEROS", editado por el sello 577 Records.

Comentaba el saxofonista amèricano de jazz Dave Liebman: “El trabajo de Hery inspira en varios niveles: imaginación, disciplina, intrigante y lleno de energía... en otras palabras, pura belleza”.

Con "JARDINEROS", HERY PAZ convoca a dos espíritus afines de su diáspora: el maestro percusionista Román Díaz (también vocalista) y el veterano baterista Francisco Mela para buscar más allá de las formas y códigos de las estructuras musicales cubanas reimaginando lo sincrético, rítmico y poético. materiales en la práctica instrumental y de improvisación personal. Lejos del ritualismo, el misticismo y las limitaciones tradicionales "JARDINEROS" es una declaración poética a la libertad, un paisaje de nuevos terrenos para diálogos intransigentes entre improvisadores cubanos.

La musicóloga cubana Lea Cárdenas profundiza sobre "JARDINEROS": “Abordar este álbum pretendiendo escuchar lo que tradicionalmente entendemos como música cubana sería un error. El carácter revolucionario de los formatos instrumentales utilizados, la novedad en la escritura de Paz al graficar el contenido musical a través de notación no convencional, la libertad creativa que ofrece a cada uno de los músicos que lo acompañan en este viaje, abren nuevos caminos estilísticos”.

El propio HERY PAZ comentaba sobre el origen de la música de "Jardineros": “mucho antes de dilucidar alguna idea musical para este proyecto hubo un poema muy conciso que escribí con el mismo nombre…

en un ritual de lenguas • saborean la tierra - entre sus labios y escupen • invocando la

nostalgia alucinante del sol del mediodia - JARDINEROS

"…esas palabras evocaron sentimientos de nostalgia de mi vida en casa, en lo que sólo puedo describir como abstracciones sensoriales. No son exactamente recuerdos, son sentimientos táctiles que se arraigan en algún lugar profundo entre mi imaginario y la realidad. Mi espalda sobre un frío suelo de cemento, el agua con sabor a bronce de un pozo, el olor a quemado de un pozo de carbón o el letargo paralizante del calor del mediodía... Esta música es mi humilde intento de retratar esos sentimientos y acontecimientos en todo su misterio poético. .”, confesaba HERY PAZ

Para su Nuevo Album "JARDINEROS", HERY PAZ convocò a dos de las voces veteranas más singulares del Jazz y la música afrocubana de su diáspora. En la batería aparece Francisco Mela, quien ha sido un frecuente y cercano colaborador de Paz desde su llegada a la escena neoyorquina. Mela es una de las favoritas entre los instrumentistas de élite del jazz, incluidos Joe Lovano, McCoy Tyner, Chucho Valdez, Cooper Moore y Willian Parker, por nombrar algunos. “Mela es un verdadero original cubano, ha destilado los sonidos y las complejidades de nuestra música en un consumado lenguaje de improvisación propio que desmantela cualquier barrera estilística”, comentaba HERY PAZ.

Completando el trío está el maestro percusionista Román Díaz, quien es un depósito vivo de la cultura afrocubana iniciada por sus mayores en la antigua hermandad africana del tambor. Es un embajador de la música cubana de renombre internacional, un importante Olú Aña o “guardián del tambor sagrado” y un gran innovador. “Román es un poeta en todos los sentidos de la palabra, me siento sumamente honrado de que haya escrito “El Real de las Palmas” para mí, así que tuve que buscar la manera de incluirlo en la narrativa musical del álbum”, dijo Paz.

"...Hery es una revelación, un músico de una fuerza extraordinaria", comenataba el prestigioso pianista amèricano de jazz Fred Hersch

"JARDINEROS" ofrece una recontextualización de la música popular cubana, basada en el uso de sonidos y recursos interpretativos propios de los estilos musicales más experimentales. Es un retorno a las raíces, la reafirmación de una identidad, de una idiosincrasia que se consolida y preserva desde la memoria y la experiencia de vida. “Satisface una necesidad compartida entre los artistas cubanos contemporáneos de establecer nuevos diálogos para explorar y expandir nuestros componentes folclóricos más allá de su forma tradicional. Entonces, me propuse crear un espacio compositivo flexible, para que nosotros, como "JARDINEROS", cultivemos y mantengamos esa conversación”, confesaba HERY PAZ

HERY PAZ:

Nacido y criado en Cabaiguán, Cuba, el saxofonista Hery Paz ha actuado con varias bandas y artistas cubanos importantes, entre ellos la notable Afro Cuban All Star Band y Juan De Marcos González (mejor conocido por su trabajo con Buena Vista Social Club). Desde que se mudó a la ciudad de Nueva York, Hery ha sido un elemento integral de la escena musical creativa donde ha trabajado con artistas como Dave Liebman, William Parker, Cooper Moore, Ralph Alessi, Francisco Mela, Tom Rainey, Thomas Morgan, Ethan Iverson. , Kris Davis, Miguel Zenón, Gerald Cleaver, Nate Wooley y Joe Morris entre otros....HERY PAZ es también es pintor publicado y artista de portada para IRAZÚ RECORDS, RED PIANO RECORDS, PYROCLASTIC RECORDS y NEWVELLE RECORDS. La portada de JARDINEROS presenta una pintura en acrílico y carboncillo del propio HERY PAZ

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafè FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar del Nuevo Album del Multinstrumentista cubano de jazz HERY PAZ - "Jardineros"

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Gonzalo Rubalcba - "Borrowed Roses" (2023)

El sello Top Stop Music se complace en anunciar el lanzamiento el 15 de septiembre de 2023 del Nuevo Album "Borrowed Roses", el último lanzamiento del maestro pianista cubano, ganador del premio Grammy GONZALO RUBALCABA

 "Borrowed Roses" es una evocadora aventura en solitario, en la que el pianista GONZALO RUBALCABA ofrece su versión distintiva de doce estándares y canciones populares, este es el tercer álbum de "solo piano" de GONZALO RUBALCABA y el primero dedicado íntegramente a los cánones de los Great American Standards y Great Jazz Songbooks. 

El primer álbum de GONZALO RUBALCABA, grabado en La Habana en 1986 con su pionero Grupo Proyecto, incluía un arreglo intenso de “Green Dolphin Street”, mientras que su discografía en el clàsico sello Blue Note incluia la versiòn de "Somethin' Else" de los años ´90, un cruce vertiginoso y homenaje cultural al bebop con Ron Carter y Julio Barreto (Diz), tanbièn interpretaciones virtuosas de canciones emblemáticas como “All The Things You Are”, “Here's That Rainy Day”, “Yesterdays”, “Caravan”, “Giant Steps” y , el gran Standard “Autumn Leaves” con John Patitucci y Jack DeJohnette en el Festival de Jazz del Monte Fuji de 1991.

En este Nuevo Album "Borrowed Roses", el pianista GONZALO RUBALCABA ha creado una obra maestra en respuesta a una propuesta bien concebida que provino de Gregory Elias, el propietario del sello Top Stop Music, quien reclutó a GONZALO RUBALCABApara tocar en el lanzamiento del album solista de la prestigiosa cantante cubana Aymée Nuviola, quien ganò el Grammy al "Mejor Album Tropical" en el 2019; luego en el 2020 se editò el Album "Viento y Tiempo: Live at the Blue Note Tokyo", que precedió a su sublime dúo de voz y piano "Live in Marciac", publicado por el propio GONZALO RUBALCABA en su sello 5Passion, Y que ganó el premio Grammy Latino 2022.

“He seguido a Gonzalo durante muchos años”, confiesa Gregory Elías, baterista y letrista de joven, antes de ingresar al mundo del derecho y las finanzas...“Hay otros pianistas de Cuba que tienen un talento inmenso, pero él es único. Quizás porque vivió tanto tiempo en Estados Unidos, absorbió y asimiló muchos géneros del exterior y los combinó con su educación cubana. Quería que hiciera algo con canciones que fueran imperecederas, que importaran al público estadounidense, ya fuera jazz o no"

El pianista GONZALO RUBALCABA a partir del 2020 grabó y lanzó un flujo constante de material en su sello 5Passion, incluido "Skyline" con Ron Carter y Jack DeJohnette, que ganó el premio Grammy al "Mejor Álbum de Jazz Instrumental" en el 2022, y "Trio D'ete", una gira. de-force con Matt Brewer y Eric Harland. Pero la idea del disco de piano solo nunca estuvo lejos de su mente. “Nunca lo olvidé y le envié una nota a Gregory por correo electrónico”, recordaba Gonzalo Rubalcaba..“Él respondió rápidamente y comenzamos a hablar sobre encontrar un estudio con un buen piano..En aquel momento Bösendorfer había enviado a un técnico para reconstruir mi piano, que tiene unos 25 años..Era como tener un piano nuevo...Entonces pensé en hacer el disco en casa, donde está el piano. Eso significaba que tendríamos que alquilar muchas cosas para que el espacio sonara preciso, para hacer la grabación y también el equipo que necesitábamos para hacerlo. Gregory dijo: '¿Por qué no? Veamos cómo podemos arreglarlo todo”. Aprecié que estuviera muy abierto a cualquiera de mis ideas más locas”.

GONZALO RUBALCABA y Gregoy Elías se propusieron seleccionar un repertorio, 15 canciones cada uno, y finalmente seleccionaron las 12 que Gonzalo Rubalcaba interpreta en este recital mordaz y poético:“Here, There and Everywhere”, “Shape of My Heart” de Sting, “Summertime” de Gershwin, “Someone to Watch Over Me” y “Do It Again” y “Night and Day” de Cole Porter. " Los de Rubalcaba incluyeron “Windows” de Chick Corea, “Very Early” de Bill Evans, “Chelsea Bridge” y “Lush Life” de Billy Strayhorn, “In A Sentimental Mood” de Ellington y “Take Five” de Dave Brubeck.

La grabación del Nuevo Album "Borrowed Rose" transcurrió durante dos días de sesiones de siete horas muy centradas. GONZALO RUBALCABA había grabado anteriormente piano solo en “Here, There and Everywhere” y en “In A Sentimental Mood”. Comentaba GONZALO RUBALCABA: “Muchos músicos –y yo soy uno de ellos– conocen el título y más o menos de qué habla la pieza, pero no profundizamos en el mensaje de la letra, y hacemos nuestra propia traducción musical”..“Para este álbum, leí la letra de cada pieza y lo que la misma contiene, para internalizar el mensaje. Realmente afecta la forma en que ves la música, la forma en que la tratas en términos de arreglos, o cómo improvisas la historia que quieres contar, o qué incluyes armónicamente, o cómo alteras la estructura"... "Traté de hacer cada toma de manera muy diferente para tener contraste"

“Tocar en solitario es un viaje diferente que tocar con un trío, cuarteto o cualquier conjunto. Es un gran desafío, pero también presenta muchas posibilidades. Lo que puedes hacer con un piano es casi infinito. Tienes que encontrar la manera de utilizar todas estas posibilidades que tienes ante ti según lo que necesites estéticamente, artísticamente en cada momento. Exige que estés bien entrenado, que conozcas el instrumento, que conozcas la música, que te conozcas a ti mismo. Si no te conoces a ti mismo, no puedes buscar una evolución”. afirmaba GONZALO RUBALCABA

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafè FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar de una Nueva Premiere Exclusiva presentando el Nuevo Album del talentoso pianista y compositor cubano de jazz GONZALO RUBALCABA - "Borrowed Roses"

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Carlos Henriquez - "A Nuyorican Tale"

 

El aclamado bajista y compositor nominado latino nominado al premio GRAMMY, CARLOS HENRIQUEZ se enorgullece en presentar su cuarto álbum como líder:

 "A Nuyorican Tale", en donde presenta una mirada a sus raíces en la cultura nuyorican y arroja luz sobre la compleja historia de los puertorriqueños en la ciudad de Nueva York; el Nuevo Album editado de forma independiente se presenta oficialmente a mediados de Septiembre en Estados Unidos.

 Acompañando a CARLOS HENRIQUEZ en este nuevo e importante trabajo están el vocalista y flautista Jeremy Bosch, los trompetistas Mike Rodríguez y Terrell Stafford, el trombonista Marshall Gilkes, la saxofonista tenor Melissa Aldana, el pianista Robert Rodríguez, el percusionista Anthony Almonte y el baterista Obed Calvaire . A Nuyorican Tale se estrena de forma independiente este próximo 15 de septiembre de 2023.

El contrabajista y compòsitor CARLOS HERNRIQUEZ naciò en el sur del Bronx (USA), gran parte del trabajo como solista de CARLOS HENRIQUEZ se basa en su herencia puertorriqueña. Usando su plataforma como ancla de la orquesta de jazz preeminente del mundo, el contrabjista ha compartido con éxito las historias del pueblo puertorriqueño a través de la música: en particular, en su álbum nominado al GRAMMY "The South Bronx Story". En Su Nuevo Album "A Nuyorican Tale", CARLOS HENRIQUEZ presenta una colección de cuentos urbanos de jazz latino que nos habla del complejo enigma puertorriqueño y nuyorican en la ciudad de Nueva York, al contrario del Album "The South Bronx Story" que se centraba en la historia personal y la experiencia del bajista, en "A Nuyorican Tale" cambia la atención a la experiencia general del Nuyorican, específicamente aquellas familias que emigraron a la ciudad de Nueva York y al sur del Bronx desde Puerto Rico . A lo largo de sus 9 composiciones, CARLOS HENRIQUEZ ofrece una lección de historia perspicaz y educativa, que habla de la tensión racial y las batallas ganadas con tanto esfuerzo que galvanizan el camino histórico de la comunidad y definieron la experiencia cultural puertorriqueña.

Confesaba el propio CARLOS HENRIQUEZ: 

“Estoy trabajando en mi próximo disco y me di cuenta de que estamos justo en el medio de este barrio que solía llamarse San Juan Hill. Y luego descubrí que solíamos vivir aquí, con los afroamericanos, y Benny Carter escribió una suite llamada "Echoes of San Juan Hill", y Thelonious Monk solía tocar aquí. Me di cuenta de lo valioso que era este vecindario y lo descubrí porque anhelaba encontrar mi conexión con el jazz”, San Juan Hill era un barrio de Manhattan delimitado entre las calles 59 y 65, desde Amsterdam hasta West End Avenue. Fue un importante centro de la población afroamericana, afrocaribeña y puertorriqueña, antes de su demolición a mediados del siglo XX debido a la renovación urbana. Miles de familias fueron desplazadas para construir una de las instituciones culturales más famosas del mundo: el Lincoln Center. Esta historia, junto con la apertura del nuevo David Geffen Hall el año pasado, inspiró A Nuyorican Tale. “Este álbum tiene que ver con el Cerro San Juan, lo que sucedió allí y cómo influyó a las generaciones de puertorriqueños”, nos menciona el bajista.

Las composiciones más destacadas incluyen el tema de apertura “Nuyorican Souls”, un favorito de Henríquez que trata sobre los puertorriqueños como un niño invisible. “Los puertorriqueños a menudo son los que agregan sabor, pero rara vez se les da crédito. Este tema habla de esto. Cuando escuchas, lleva palabras sobre los puertorriqueños, nuestra frescura y los ritmos que traemos. Es una canción en la que expreso mi opinión sobre ser un nuyorican en la ciudad de Nueva York y el sur del Bronx”. La siguiente composición, "Bodegas Groove", analiza la bodega delis en la que creció Henríquez y la vibra que brindaron a los propietarios de estos establecimientos. “Trataron bien a las familias e hicieron que el vecindario se sintiera genial”, dice el compositor. Este sabroso cha-cha presenta un solo de Henríquez particularmente conmovedor en el contrabajo y un solo elevado del trompetista Terrel Stafford. En “Afro-Monk” los oyentes disfrutaron de una combinación perfecta de jazz americano con un toque afrocubano en 6/8 donde brilla el talento compositivo de Henríquez y rinde homenaje a Thelonius Monk. Al mismo tiempo presenta un solo magistral de bajo donde demuestra cómo conviven ambos mundos.

“Robert’s Red Line” es una de las composiciones más sabrosas del álbum, ya que cuenta la historia de los problemas que enfrentó la ciudad de Nueva York cuando el urbanista Robert Moses cambió Lincoln Square. “Se basa en una historia real sobre la línea roja de la ciudad de Nueva York y cómo el gobierno calificó a San Juan Hill como un barrio pobre. Dibujaron una línea a su alrededor, lo que dificultó que las personas del vecindario obtuvieran préstamos y se mudaran. La canción habla de cómo se destruyó el barrio y cómo ser de colores oscuros significaba estar destinado al fracaso. Se adentra en el controvertido tema de cómo San Juan Hill y Lincoln Center persistieron durante años sin abordarlo ni confrontarlo”, dice Henríquez.

“Después de escuchar estas interpretaciones de jazz latino de las historias que siento que son el pináculo y la representación de mi vida, usted también tendrá una idea de la importancia de mi gente y su cultura y lo que han brindado a través de sus historias y música a nuestra ciudad”, reflexiona Henríquez.

 

“A Nuyorican Tale", comentaba el propio CARLOS HENRIQUEZ "es más que solo música, es un reconocimiento tridimensional de las almas de África y de nuestra familia taína nativa, todas fusionadas como una sola. Cuando los combinas, experimenta a un nuyorican: uno que lleva la antorcha y porta las almas rítmicas de nuestros antepasados”.

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Mike Jones & Pen Jillette & Jeff Hamilton - "Are You Sure You Three Guys Know What You`re Doing?" (2023)

 

"Are You Sure You Three Guys Know What You're Doing?" (Estas seguro que estos 3 muchachos saben lo que estàn haciendo) , es el Nuevo álbum del pianista Mike Jones, el bajista e ilusionista Penn Jillette y el baterista Jeff Hamilton, que se presenta oficialmente en Estdos Unidos el 18 de agosto a través del sello Capri Records.

 

En equipo con compañeros de la sección rítmica incomparables, el bajista Pen Jillette ofrece una actuación robusta con un sentido del tiempo sólido como una roca y una pizca del ingenio rápido que aporta a su actuación en el escenario.

Mike Jones es un consumado y aclamado pianista directo que estudió en Berklee y toca con la flota. , virtuosismo conmovedor de héroes como Oscar Peterson y Art Tatum, entre otros.

 Jeff Hamilton es uno de los bateristas más venerados en la escena del jazz convencional moderno, cofundador de Clayton-Hamilton Jazz Orchestra y colaborador de todos, desde Monty Alexander hasta Diana Krall, Ray Brown y Michael Bublé, entre otros

 

El rascacabezas viene cuando miramos la silla del bajo, sostenida por alguien que en otro contexto también podría responder con un rotundo “sí” – Penn Jillette, junto con su compañero Teller, es quizás el mago más famoso, respetado e irreverente de su generacion Penn & Teller ha encabezado un exitoso espectáculo de Las Vegas lleno de ilusiones alucinantes durante más de 30 años, coanfitrión de la serie de televisión de "CW Fool Us" y ha recorrido el mundo engañando a los ansiosos ojos del público. Entonces, ¿qué está haciendo caminando con el bajo con dos músicos de jazz veteranos?, hay que escucharlo para descubrirlo.

Mike Jones, naturalmente, asume esta colección de estándares con el vigor y la agilidad que han adornado sus más de una docena de álbumes como líder, que incluyen colaboraciones con Hamilton, los bajistas Kelly Sill, Mike Gurrola, Alex Frank y Katie Thiroux, los bateristas Matt Witek y Tim Davis; y el guitarrista Graham Dechter. Abre “’S Wonderful” con una percusión aguda y baila alegremente alrededor de la línea de bajo trotante de Jillette; "Doxy" de Sonny Rollins se toma con un movimiento rápido, mientras que "On Green Dolphin Street" evidencia la ternura nostálgica de su interpretación de baladas, algo que no puede mostrar en un acto en el que su trabajo está entusiasmando a una multitud. para ver trucos de cartas y escapes milagrosos.

 

En cuanto a Jeff Hamilton, Mike Jones lo dice mejor: "Jeff es mi baterista favorito vivo", dice entusiasmado. “Él toca el estilo con el que crecí escuchando, esa idea de swing, esa excavación fuerte. Es directamente del Ray Brown Trio o de la cartera de Oscar Peterson”. Simplemente disfrute de su pincelada alegre en "Lo que el viento se llevó" o su volea más ligera que el aire en "Perdido". La diversión que los tres están teniendo es obvia a lo largo del álbum, pero en ninguna parte más que en el improvisado "Blues for Burns" original de Mike Jones, una dedicatoria al jefe del sello Capri Records, Tom Burns.

 

Hay una novedad en presenciar a alguien tan famoso como Penn Jillette de repente fuera de su zona de confort, pero eso pronto desaparece a medida que él ancla hábilmente cada una de estas melodías. Lo que queda es el estilo de celebración y el swing intrépido de un trío liderado por un pianista que ha disfrutado de una posición única durante 21 años, después de un nuevo rediseño del escenario, incluso tendrá su nombre en luces, lo que lo convierte en el centro de atención varias noches. una semana. “Puedo probar todo tipo de ideas nuevas y estirarme todo el tiempo”, dice. “Y sé que Penn estará debajo de mí, jugando sólidamente”.

Los Esperamos, cafecito de por medio, desde Jazz Cafè FM-Radio Argentina de Jazz para escuchar y disfrutar de una Nueva Premiere Exclusiva presentando Mike Jones & Pen Jillette & Jeff Hamilton desde el Nuevo Album "Are You Sure You Three Guys Know What You`re Doing".

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Jack Jones - "Art-Work" featuring Joey de Francesco (2023)

Cavalry Productions presenta el Nuevo álbum del legendario cantante amèricano de jazz y mùsica populare JACK JONES - "ArtWork", con invitado muy especial, el multinstrumentista Joey DeFrancesco en trompeta.

JACK JONES fue considerado durante mucho tiempo como el cantante del cantante, el dos veces ganador del premio Grammy ingresó a United Recording Studios en Los Ángeles, CA con el equipo A de músicos de jazz en 2022, justo antes del fallecimiento prematuro de Joey DeFrancesco (25 de agosto de 2022), el Album "Artwork" se editò a fines de julio del 2023.

 

John Clayton arregló y dirigió la orquesta de 53 piezas. Jack Jones, Joey DeFrancesco y John Clayton son coproductores junto al saxofonista Tom Scott como productor asociado. Las leyendas del jazz Tamir Hendelman en piano, Jeff Hamilton en bateria, Graham Dechter en guitarra, John Hamar en contrabajo, Tom Scott en saxo tenor  Joey de Francesco en organo Hammond B-3/saxo tenor y trompeta son los principales solistas del Nuevo Album "ArtWork"

 

Paul Lowden, jefe y productor ejecutivo de Cavalry Productions, afirmaba: “Tenemos el privilegio de haber estado involucrados con Jack y Joey en la producción de lo que sería, sin que todos lo supiéramos, su última obra maestra. Joey definió el B3 para todos los tiempos y la pareja de él y Jack combinó increíblemente bien con un alma y un espíritu que es eléctrico. Sus ritmos combinados viven y respiran a lo largo de este álbum. En mi opinión "ArtWork" es su obra maestra”.

 

El crítico de jazz Will Friedwald de The Wall Street Journal y Vanity Fair escribià: “Hay mucho que decir sobre Jack Jones, pero una cosa que no se puede decir sobre este artista legendario es que tiene pocos registros. Por el contrario, el Sr. Jones es el creador de uno de los catálogos más grandes y gratificantes de cualquier artista vivo, a la altura de su amigo y mentor, Tony Bennett. Más que la mayoría de los cantantes, Jack Jones sabe cómo hacer un álbum excelente. Su voz graba particularmente bien, y es un maestro en el oficio de canalizar su personalidad y su energía a través del medio de grabación de solo audio, una habilidad que se está convirtiendo rápidamente en un arte perdido (sin recurrir a los trucos de estudio)”.

"ArtWork" es una colaboración con dos artistas excepcionales de una cosecha posterior, comenzando con Joey DeFrancesco, un gigante de la música”, continúa Friedwald, “más conocido como uno de los grandes maestros del órgano B3 Hammond, el Sr. D también tocaba la trompeta (campana abierta en "Not While I'm Around" y armon-muted a la Miles Davis en "Here's to Life") y saxofones tenores además. El otro es el notable compositor, arreglista, director de orquesta y bajista John Clayton, quien aquí dirige de manera experta una orquesta completa: metales, lengüetas, instrumentos de viento de madera, ritmo (con el excelente baterista Jeff Hamilton y el pianista Tamir Hendelman) y una sección de cuerdas completa. Pero, teniendo en cuenta que el Hammond B3 tiene todo el poder, el color y el matiz de una gran banda en sí mismo, el efecto total es casi como si Jack estuviera cantando con dos orquestas diferentes al mismo tiempo”.

Acerca de JACK JONES:

Según muchas medidas, JACK JONES fue el cantante más popular que surgió entre el apogeo de Elvis Presley y el ascenso de los Beatles. En el lapso de dos años, obtuvo dos premios Grammy por Interpretación masculina pop: "Lollypop and Roses" en 1962 y "Wives and Lovers" en 1964, lo que fue suficiente para sentar las bases de una carrera que duró hasta bien entrado el siglo XXI. Formó parte de las listas de adultos contemporáneos, acumulando los éxitos número uno "The Race Is On", "The Impossible Dream (The Quest)" y "Lady" entre 1965 y 1967. Continuó actuando en Las Vegas y de gira, incursionando ocasionalmente en la cultura pop, como cuando cantó "The Love Boat Theme" en 1980.Un verdadero Cantante y luminaria de los Cantantes. JACK JONES actúa en todo el mundo para audiencias con entradas agotadas en lugares que van desde clubes de jazz hasta el London Palladium. JACK JONES es la definición misma de un artista completo y total. El New York Times confesaba, "podría decirse que es el cantante pop masculino técnicamente más exitoso... solo hay un Jack Jones".

Los invitamos, cafecito de por medio, desde Jazz Café FM-Radio Argentina de Jazz , a escuchar y disfrutar el estilo y la voz del gran cantante amèricano JACK JONES desde Su Nuevo Album "ArtWork" junto a JOEY DE FRANCESCO en trompeta.

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BENNY GREEN - "Solo" (2023)

"Solo" es el Nuevo del consagrado pianista amèricano de jazz BENNY GREEN, grabado en Oakland, Ca., en el 2022 y editado en Abril del 2023 por el sello internacional Sunnyside Records.

 BENNY GREEN seleccionó canciones compuestas por sus pianistas favoritos: "!Soulful Mr. Timmons" de James Williams, "The Maestro" de Cedar Walton, "Lonely Woman" de Horace Silver, "This Here" de Bobby Timmons, "Ruby, My Dear" de Thelonious Monk, "Minor Mishap" de Tommy Flanagan, "Sunset" de McCoy Tyner, "Rouge" de Barry Harris y "He Has" de Oscar Peterson, también se incluyen dos originales: "Jackie McLean" y "Blue Drew", que BENNY GREEN comentaba es un "blues simple construido a partir de una frase muy común que es similar a "That's Your Red Wagon", con algunas paradas dobles en la mano derecha, expresada como un guiño a la gran pianista Kenny Drew".

BENNY GREEN es uno de los músicos más virtuosos y técnicamente hábiles de su generación, emergió para ser aclamado en los años 80 tocando una mezcla de bebop atlético y piano de zancada oscilante que subrayó su profundo conocimiento del trabajo de músicos como Art Tatum, Oscar Peterson y Bud. Powell. Mostró estas influencias en "Green's Blues" del 2001, su primer álbum de piano solo. Aunque su habilidad técnica nunca ha disminuido, BENNY GREEN ha madurado en otras formas más matizadas como jugador. Su estilo ha avanzado cada vez más hacia un lugar mesurado y profundamente conmovedor. La suya es una estética discreta que valora la melodía y el servicio de la canción por encima de un enfoque llamativo y lleno de notas. Es ese estilo discreto, pero aun así impresionante se escucha en Su nuevo Album "Solo, en el ccomienzo de su carrera, BENNY GREEN atrajo la atención como uno de los últimos pianistas de los Jazz Messengers del baterista Art Blakey.

El 10 y 11 de Agosto el pianista BENNY GREEN se presenta por vez primera vez en Argentina, y lo hara en dos noches de doble funciòn desde el Bebop Club en Palermo, acompañado en algunos temas por el trompetista argentino Mariano Loiacono, presentando Su Nuevo Album "Solo", para màs informes pueden contactarse en 

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Los Esperamos, cafecito de por medio desde Jazz Cafè FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar el estilo, la técnica, la improvisaciòn del gran pianista amèricano de jazz BENNY GREEN desde Su Nuevo Album "Solo".

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MEHMET ALI SANLIKOL & WHATSNEXT - "Turkish Hipster-Tales From Swing To Psychedelic"

El pianista y compositor turco de jazz MEHMET ALI SANLIKOL regresa al formato de gran conjunto con esta nueva y poderosa colección de composiciones conmovedoras, interpretadas por su grupo "WhatsNext", en su séptimo álbum de estudio "Turksh Hipster-Tales From Swing To Psychedelic".

 MEHMET ALI SANLIKOL encuentra una línea que conecta las culturas musicales de todo el mundo y aprovecha estos puntos en común para crear obras que pueden resonar con todos nosotros: "Turkish Hipster" permite al oyente entrar en la mente del compositor y deleitarse con la belleza de un lenguaje musical global. Los invitados especiales incluyen a Anat Cohen, Antonio Sánchez y Miguel Zenón.

El lanzamiento del Album "Turkish Hipster-Tales From Swing To Psychedelic" será el 21 de julio de 2023 a través del sello DÜNYA. 

El gran conjunto estelar de MEHMET ALI SANLIKOL está compuesto por el baterista Antonio Sánchez, la clarinetista Anat Cohen, los saxofonistas altos Miguel Zenón, Mark Zaleski, Aaron Kaufman-Levine y Lihi Haruvi, los saxofonistas tenores Rick DiMuzio, Bill Jones y Aaron Henry, los saxofonistas barítonos Melanie Howell Brooks y Kathy Olson, los trompetistas Mike Peipman, Jeff Claassen, Dan Rosenthal, Doug Olsen y Jerry Sabatini, los trombonistas Chris Gagne, Bob Pilkington y Garo Saraydarian, el trombonista bajo Angel Subero, el pianista Utar Artun, el guitarrista Phil Sargent, el bajista Fernando Huergo y los percusionistas Bertram Lehmann y George Lernis, el propio MEHMET ALI SANLIKOL también contribuye al álbum cantando e interpretando varios instrumentos turcos, así como el berimbau, sintetizadores, teclados y Fender Rhodes.

"Turkish Hipster", podría evocar imágenes de residentes de Brooklyn dando pequeños gorros de lana rebuscando en cajas de discos de vinilo, el apodo, de hecho, pretende describir al propio líder de la banda MEHMET ALI SANLIKOL al parecer, es el hipster original (el compositor se desprendió de su formación pianística clásica occidental para tocar rock progresivo en su adolescencia). Cuando el progresivo se convirtió en la corriente principal, pasó a estudiar jazz. Cuando no existía un instrumento digital lo suficientemente adecuado para ejecutar sus líneas de melodía microtonal, diseñó y creó uno, conocido como "SANLIKOL Renaissance 17". Finalmente, donde no existía antes un sonido que encarnara los muchos lenguajes musicales en los que está tan profundamente inmerso, MEHMET ALI SANLIKOL creó ese sonido, junto con su magistral conjunto 'WhatsnNext?'. inconformista; intelectual; hombre renacido, MEHMET ALI SANLIKOL está impulsado por la pasión y la autenticidad. 

En este Nuevo Album "Turkish Hipster", el público escucha capoeira brasileña casada con folk turco, rock psicodélico turco extraído de la década de 1970 y hip-hop estadounidense, todo dentro de un idioma de orquesta de jazz. Históricamente, el álbum presenta la primera interpretación grabada de las secciones de saxofón y trompeta de una orquesta de jazz que toca sabores microtonales precisos de la música turca. MEHMET ALI SANLIKOL logró estos resultados mediante el uso de digitaciones alternativas y varias técnicas que perfeccionó durante varias décadas.

“Quizás sea justo decir que este álbum presenta música original innovadora escrita para orquesta de jazz que tiene puntos de entrada para una amplia audiencia debido a su variedad estilística y accesibilidad”, reflexiona Sanlikol.  Si bien reconoce que las influencias no occidentales tienden a inspirar muchas grabaciones de jazz en estos días, cree que esta es particularmente especial: “Lo que sugiero y presento en este álbum es una forma sofisticada de cosmopolitismo que nos permite acceder a muchas mundos sin pretender reducirlos o estandarizarlos”.

En el tema “A Capoeira Turca (Baia Havası)”, mientras que las trompetas y el clarinetista destacado, Anat Cohen, se pueden escuchar tocando sabores microtonales seleccionados de la música folclórica turca a través de digitaciones alternas desarrolladas por MEHMET ALI SANLIKOL el elemento musical vinculante es el surco híbrido que se conecta a un sonido más ligero. y un sentimiento brasileño más funky que recuerda a los que se encuentran en las grabaciones clásicas de rock turco de la década de 1970. Quizás la declaración compositiva más aventurera y expansiva del álbum es "The Times of the Turtledove", que se inspiró en un ciclo rítmico clásico otomano/turco derivado de la llamada de una tórtola. Esta pieza con Miguel Zenón presenta una sección microtonal extendida totalmente impregnada de música clásica otomana/turca.

“The Boston Beat” rinde homenaje al gran legado del jazz de Boston con el reconocido rapero Raydar Ellis, así como Anat Cohen, Antonio Sánchez y Miguel Zenón. Sanlıkol señala que ““Estarabim” ciertamente ha sido una de mis canciones de rock turcas favoritas de todos los tiempos y es el tipo de clásico que sería reconocido de inmediato por casi cualquier persona turca”, comparte el artista con sede en Boston. “Si bien tiendo a distanciarme de la música que ha alcanzado el estatus de clásico, hice una excepción aquí debido a que me convenció el arreglo de vientos y las influencias del ska/reggae”.

La "Suite de Abraham", que concluye el álbum, se encargó y grabó por primera vez en el Festival Jazzaar en 2019. Ese proyecto reunió a tres compositores diferentes (Gil Goldstein, Fritz Renold y Sanlıkol) que representan las versiones de la historia de Abraham de las tres tradiciones de fe abrahámica diferentes. . Sanlıkol ha querido lanzar una versión de orquesta de jazz de su suite desde entonces, y está encantado de ver que se materializa aquí.

En cuanto a las influencias de la música sufí turca, la primera sección “El fuego” es donde se pueden escuchar más claramente en forma de zikir (ostinato vocal), mientras que “El sacrificio” comienza con una tranquila introducción dirigida por el duduk (doble flauta de caña). Esta pista pasa rápidamente a una ansiosa sensación de fusión afrocubana que se acumula a lo largo del movimiento mientras presenta a varios solistas. Finalmente, “The Call” lleva esta suite a un punto de reflexión. “He estado buscando un toque de eternidad”, lamenta la letra de Sanlıkol, compartiendo con nosotros el verdadero propósito del viaje del artista, esforzarse hacia un momento, de los cuales hay muchos en este mismo álbum, donde el tiempo parece detenerse y nuestro espíritu se eleva.

Los Esperamos, cafecito de por medio, desde Jazz Café FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar en una Nueva Premiere Exclusiva el Nuevo Album del pianista y compositor turco de jazz MEHMET ALI SANLIKOL & WhatsNext - "Turkish Hipster-Tales From Swing To Psychedelic"

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NICOLE ZURAITIS - "How Love Begins"

El sello internacional Outside In Music presenta el lanzamiento del nuevo y provocativo Album "How Love Begins", de la joven cantautora amèricana de jazz NICOLE ZURAITIS y coproducido por el gran contrabajista amèricano de jazz Christian McBride

 "How Love Begins" es una meditación ardiente, vulnerable y cercana sobre el amor moderno que solidifica la estatura de la joven cantante NICOLE ZURAITIS, nominada al GRAMMY, como uno de las compositoras más destacadas de nuestro tiempo. Junto con la voz altísima y los estribillos pianísticos de NICOLE ZURAITIS, "How Love Begins" presenta al mencionado Christian McBride en el bajo, Gilad Hekselman en la guitarra, Maya Kronfeld en el órgano, Wurlitzer y Rhodes y Dan Pugach en la batería. El álbum también cuenta con invitados especiales como David Cook al piano, Billy Kilson a la batería y Sonica, un trío vocal codirigido compuesto por Thana Alexa, Julia Adamy y la propia NICOLE ZURAITIS.

"Quizás este álbum debería haberse llamado 'Cómo comienza el amor... y termina'", confiesa NICOLE ZURAITIS con ironía, al comentar sobre la dualidad que presenta claramente en la estructura de dos partes del lanzamiento. Para ilustrar las muchas fases del amor, divide su colección de 10 pistas en mitades tituladas 'parte I: aceite' y 'parte II: agua'. Este formato, que verifica la idea de que “los opuestos se atraen”, encarna una historia de romance inicialmente bendecida con armonía pero eventualmente plagada de discordia.

Impulsada por la noción de que la polaridad del amor a menudo puede ser una coincidencia, Zuraitis conceptualizó 'Aceite' y 'Agua' espontáneamente después de una reacción visceral que tuvo ante el trabajo del fotógrafo conservacionista español Daniel Beltrá. Se topó con su colección “Spill”, que a primera vista le parecían pinturas con hermosos patrones de color creados a partir del pincel de un artista. “Cuando me enteré de que las impresionantes obras de arte, con sus colores arremolinados y tonos perfectamente colocados, eran en realidad fotografías aéreas del derrame de petróleo más devastador de la historia, mi corazón se hundió”, describe. “La ironía no se me pasó por alto. Al igual que un amor que termina demasiado pronto, el hilo común es que algunas de las cosas más bellas de la vida también pueden ser las más desgarradoras”.

 "How Love Begins" se esfuerza por representar el viaje que abarca todo el amor moderno, incluida la belleza de correr riesgos, la complejidad del deseo, la fragilidad de la emoción, las imperfecciones que quedan cuando se cierran los capítulos y el optimismo de larga data de comenzar de nuevo. El álbum fue concebido entre Nicole Zuraitis y Christian McBride en el 2021 después de varios años de soñar con colaborar. Los caminos de los socios musicales se cruzaron por primera vez en el Red Eye Grill en la ciudad de Nueva York, donde Zuraitis tenía una residencia de larga data, solo unos meses después de que ella participara en el Concurso Internacional de Voz de Jazz Sarah Vaughan. Después de muchos años de admiración mutua, los dos artistas finalmente se unen en esta fructífera colaboración.

“Trabajar con Nicole fue una emoción absoluta. Hace todo al más alto nivel: cantar, tocar, escribir, producir y hacer arreglos”, comparte Christian McBride. “Estoy poniendo mucho, mucho dinero en Nicole. No puedo esperar a ver explotar su carrera”.

Musicalmente "How Love Begins" rinde homenaje a muchos de los compositores favoritos de NICOLE ZURAITIS desde Tin Pan Alley hasta la actualidad. Al igual que los grandes compositores de antaño, NICOLE ZURAITIS logró componer material crudo e identificable, con el potencial de perdurar por generaciones. “No quiero ser la única persona que cante estas canciones que escribo”, agrega, insistiendo fervientemente en que su objetivo es que tanto los entusiastas del jazz como los profesionales agreguen sus canciones a su repertorio

“Si escuchas un momento más allá de la pista final, puedes encontrar débiles destellos de esperanza para el futuro, guardados para un día lluvioso”, insinúa NICOLE ZURAITIS

El lanzamiento internacional de "How Love Begins" será el próximo 7 de julio de 2023, la vocalista y compositora tiene dos importantes actuaciones de lanzamiento que coinciden con meses de gira de lanzamiento nacional que continuará durante el verano y el otoño. Ella producirá un concierto de lanzamiento de álbum a gran escala en Park City Music Hall en CT el 8 de julio de 2023 titulado "Siren Songs- For the Love of the Sound"; un día de activismo y festival musical en beneficio de "Save the Sound.Org", una organización sin fines de lucro dedicada a luchar contra el cambio climático y proteger el estuario, los ríos y la vida silvestre de Long Island Sound. Además, el 4 de septiembre de 2023, NICOLE ZURAITIS tendrá su fiesta oficial de lanzamiento del álbum en la ciudad de Nueva York en Birdland con invitados especiales Christian McBride y Gilad Hekselman a las 7 p.m.

 

NICOLE ZURAITIS (Bio)

NICOLE ZURAITIS, cantautora, pianista, arreglista y vocalista de jazz nominada al GRAMMY, directora de orquesta radicada en Nueva York y ganadora de la prestigiosa Medalla de Oro del Concurso Vocal American Traditions 2021, continúa estableciéndose como una fuerza innegable en el panorama del jazz moderno de ambas ciudades de Nueva York. y más allá. Con un “corazón tan grande como su notable voz”, (Jazz Police), la personalidad efervescente y el entusiasmo sin límites de Nicole, combinados con el activismo y el humor, la han posicionado como una de las mejores artistas y compositoras para ver en el jazz.

Además de liderar su cuarteto, NICOLE ZURAITIS es la principal vocalista de Birdland Big Band y con frecuencia encabeza clubes de jazz icónicos de Nueva York como Dizzy's Club en Lincoln Center, Birdland, Blue Note, Carlyle, 54 Below y el gran 55 Bar. Ha aparecido como solista destacada con la Filarmónica de Savannah, la Sinfónica de Asheville y otras orquestas de pop destacadas, así como con el apoyo de cantantes icónicos de piano y voz como Morgan James, Darren Criss y Livingston Taylor. Como artista de grabación, NICOLE ZURAITIS ha lanzado cinco álbumes como líder, y este verano, su sexto álbum "How Love Begins", coproducido con el ocho veces ganador del GRAMMY Christian McBride.

 NICOLE ZURAITIS ha colaborado con una extensa lista de luminarias, incluidos Christian McBride, David Cook, Cyrille Aimee, Antonio Sanchez, Dave Stryker, Omar Hakim, Rachel Z, Melanie Safka, Helen Sung y Bernard Purdie. Es una educadora orgullosa y actualmente es profesora vocal en NYU y Suny Purchase.

Una ferviente activista con un historial de retribución de una década, el lanzamiento de su último álbum coincide con un festival de música y recaudación de fondos de un día de producción propia para Save the Sound.Org en Park City Music Hall en Bridgeport, CT el 8 de julio. 2023. Continuamente rehabilita pitbulls y dona las ganancias de las ventas de álbumes al rescate de pitbulls y la concientización sobre la salud mental.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Café FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar de una nueva Premiere Exclusiva presentando el Nuevo Album de la joven cantante y compositora amèricana NICOLE ZURAITIS - "How Love Begins"

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