Carlos Henriquez - "A Nuyorican Tale"

 

El aclamado bajista y compositor nominado latino nominado al premio GRAMMY, CARLOS HENRIQUEZ se enorgullece en presentar su cuarto álbum como líder:

 "A Nuyorican Tale", en donde presenta una mirada a sus raíces en la cultura nuyorican y arroja luz sobre la compleja historia de los puertorriqueños en la ciudad de Nueva York; el Nuevo Album editado de forma independiente se presenta oficialmente a mediados de Septiembre en Estados Unidos.

 Acompañando a CARLOS HENRIQUEZ en este nuevo e importante trabajo están el vocalista y flautista Jeremy Bosch, los trompetistas Mike Rodríguez y Terrell Stafford, el trombonista Marshall Gilkes, la saxofonista tenor Melissa Aldana, el pianista Robert Rodríguez, el percusionista Anthony Almonte y el baterista Obed Calvaire . A Nuyorican Tale se estrena de forma independiente este próximo 15 de septiembre de 2023.

El contrabajista y compòsitor CARLOS HERNRIQUEZ naciò en el sur del Bronx (USA), gran parte del trabajo como solista de CARLOS HENRIQUEZ se basa en su herencia puertorriqueña. Usando su plataforma como ancla de la orquesta de jazz preeminente del mundo, el contrabjista ha compartido con éxito las historias del pueblo puertorriqueño a través de la música: en particular, en su álbum nominado al GRAMMY "The South Bronx Story". En Su Nuevo Album "A Nuyorican Tale", CARLOS HENRIQUEZ presenta una colección de cuentos urbanos de jazz latino que nos habla del complejo enigma puertorriqueño y nuyorican en la ciudad de Nueva York, al contrario del Album "The South Bronx Story" que se centraba en la historia personal y la experiencia del bajista, en "A Nuyorican Tale" cambia la atención a la experiencia general del Nuyorican, específicamente aquellas familias que emigraron a la ciudad de Nueva York y al sur del Bronx desde Puerto Rico . A lo largo de sus 9 composiciones, CARLOS HENRIQUEZ ofrece una lección de historia perspicaz y educativa, que habla de la tensión racial y las batallas ganadas con tanto esfuerzo que galvanizan el camino histórico de la comunidad y definieron la experiencia cultural puertorriqueña.

Confesaba el propio CARLOS HENRIQUEZ: 

“Estoy trabajando en mi próximo disco y me di cuenta de que estamos justo en el medio de este barrio que solía llamarse San Juan Hill. Y luego descubrí que solíamos vivir aquí, con los afroamericanos, y Benny Carter escribió una suite llamada "Echoes of San Juan Hill", y Thelonious Monk solía tocar aquí. Me di cuenta de lo valioso que era este vecindario y lo descubrí porque anhelaba encontrar mi conexión con el jazz”, San Juan Hill era un barrio de Manhattan delimitado entre las calles 59 y 65, desde Amsterdam hasta West End Avenue. Fue un importante centro de la población afroamericana, afrocaribeña y puertorriqueña, antes de su demolición a mediados del siglo XX debido a la renovación urbana. Miles de familias fueron desplazadas para construir una de las instituciones culturales más famosas del mundo: el Lincoln Center. Esta historia, junto con la apertura del nuevo David Geffen Hall el año pasado, inspiró A Nuyorican Tale. “Este álbum tiene que ver con el Cerro San Juan, lo que sucedió allí y cómo influyó a las generaciones de puertorriqueños”, nos menciona el bajista.

Las composiciones más destacadas incluyen el tema de apertura “Nuyorican Souls”, un favorito de Henríquez que trata sobre los puertorriqueños como un niño invisible. “Los puertorriqueños a menudo son los que agregan sabor, pero rara vez se les da crédito. Este tema habla de esto. Cuando escuchas, lleva palabras sobre los puertorriqueños, nuestra frescura y los ritmos que traemos. Es una canción en la que expreso mi opinión sobre ser un nuyorican en la ciudad de Nueva York y el sur del Bronx”. La siguiente composición, "Bodegas Groove", analiza la bodega delis en la que creció Henríquez y la vibra que brindaron a los propietarios de estos establecimientos. “Trataron bien a las familias e hicieron que el vecindario se sintiera genial”, dice el compositor. Este sabroso cha-cha presenta un solo de Henríquez particularmente conmovedor en el contrabajo y un solo elevado del trompetista Terrel Stafford. En “Afro-Monk” los oyentes disfrutaron de una combinación perfecta de jazz americano con un toque afrocubano en 6/8 donde brilla el talento compositivo de Henríquez y rinde homenaje a Thelonius Monk. Al mismo tiempo presenta un solo magistral de bajo donde demuestra cómo conviven ambos mundos.

“Robert’s Red Line” es una de las composiciones más sabrosas del álbum, ya que cuenta la historia de los problemas que enfrentó la ciudad de Nueva York cuando el urbanista Robert Moses cambió Lincoln Square. “Se basa en una historia real sobre la línea roja de la ciudad de Nueva York y cómo el gobierno calificó a San Juan Hill como un barrio pobre. Dibujaron una línea a su alrededor, lo que dificultó que las personas del vecindario obtuvieran préstamos y se mudaran. La canción habla de cómo se destruyó el barrio y cómo ser de colores oscuros significaba estar destinado al fracaso. Se adentra en el controvertido tema de cómo San Juan Hill y Lincoln Center persistieron durante años sin abordarlo ni confrontarlo”, dice Henríquez.

“Después de escuchar estas interpretaciones de jazz latino de las historias que siento que son el pináculo y la representación de mi vida, usted también tendrá una idea de la importancia de mi gente y su cultura y lo que han brindado a través de sus historias y música a nuestra ciudad”, reflexiona Henríquez.

 

“A Nuyorican Tale", comentaba el propio CARLOS HENRIQUEZ "es más que solo música, es un reconocimiento tridimensional de las almas de África y de nuestra familia taína nativa, todas fusionadas como una sola. Cuando los combinas, experimenta a un nuyorican: uno que lleva la antorcha y porta las almas rítmicas de nuestros antepasados”.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafè FM-Radio Argentina de Jazz para escuchar y disfrutar el Nuevo Album del bajista y compòsitor puertoriqueño CARLOS HENRIQUEZ - "A Nuyorican Tale".

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Mike Jones & Pen Jillette & Jeff Hamilton - "Are You Sure You Three Guys Know What You`re Doing?" (2023)

 

"Are You Sure You Three Guys Know What You're Doing?" (Estas seguro que estos 3 muchachos saben lo que estàn haciendo) , es el Nuevo álbum del pianista Mike Jones, el bajista e ilusionista Penn Jillette y el baterista Jeff Hamilton, que se presenta oficialmente en Estdos Unidos el 18 de agosto a través del sello Capri Records.

 

En equipo con compañeros de la sección rítmica incomparables, el bajista Pen Jillette ofrece una actuación robusta con un sentido del tiempo sólido como una roca y una pizca del ingenio rápido que aporta a su actuación en el escenario.

Mike Jones es un consumado y aclamado pianista directo que estudió en Berklee y toca con la flota. , virtuosismo conmovedor de héroes como Oscar Peterson y Art Tatum, entre otros.

 Jeff Hamilton es uno de los bateristas más venerados en la escena del jazz convencional moderno, cofundador de Clayton-Hamilton Jazz Orchestra y colaborador de todos, desde Monty Alexander hasta Diana Krall, Ray Brown y Michael Bublé, entre otros

 

El rascacabezas viene cuando miramos la silla del bajo, sostenida por alguien que en otro contexto también podría responder con un rotundo “sí” – Penn Jillette, junto con su compañero Teller, es quizás el mago más famoso, respetado e irreverente de su generacion Penn & Teller ha encabezado un exitoso espectáculo de Las Vegas lleno de ilusiones alucinantes durante más de 30 años, coanfitrión de la serie de televisión de "CW Fool Us" y ha recorrido el mundo engañando a los ansiosos ojos del público. Entonces, ¿qué está haciendo caminando con el bajo con dos músicos de jazz veteranos?, hay que escucharlo para descubrirlo.

Mike Jones, naturalmente, asume esta colección de estándares con el vigor y la agilidad que han adornado sus más de una docena de álbumes como líder, que incluyen colaboraciones con Hamilton, los bajistas Kelly Sill, Mike Gurrola, Alex Frank y Katie Thiroux, los bateristas Matt Witek y Tim Davis; y el guitarrista Graham Dechter. Abre “’S Wonderful” con una percusión aguda y baila alegremente alrededor de la línea de bajo trotante de Jillette; "Doxy" de Sonny Rollins se toma con un movimiento rápido, mientras que "On Green Dolphin Street" evidencia la ternura nostálgica de su interpretación de baladas, algo que no puede mostrar en un acto en el que su trabajo está entusiasmando a una multitud. para ver trucos de cartas y escapes milagrosos.

 

En cuanto a Jeff Hamilton, Mike Jones lo dice mejor: "Jeff es mi baterista favorito vivo", dice entusiasmado. “Él toca el estilo con el que crecí escuchando, esa idea de swing, esa excavación fuerte. Es directamente del Ray Brown Trio o de la cartera de Oscar Peterson”. Simplemente disfrute de su pincelada alegre en "Lo que el viento se llevó" o su volea más ligera que el aire en "Perdido". La diversión que los tres están teniendo es obvia a lo largo del álbum, pero en ninguna parte más que en el improvisado "Blues for Burns" original de Mike Jones, una dedicatoria al jefe del sello Capri Records, Tom Burns.

 

Hay una novedad en presenciar a alguien tan famoso como Penn Jillette de repente fuera de su zona de confort, pero eso pronto desaparece a medida que él ancla hábilmente cada una de estas melodías. Lo que queda es el estilo de celebración y el swing intrépido de un trío liderado por un pianista que ha disfrutado de una posición única durante 21 años, después de un nuevo rediseño del escenario, incluso tendrá su nombre en luces, lo que lo convierte en el centro de atención varias noches. una semana. “Puedo probar todo tipo de ideas nuevas y estirarme todo el tiempo”, dice. “Y sé que Penn estará debajo de mí, jugando sólidamente”.

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Jack Jones - "Art-Work" featuring Joey de Francesco (2023)

Cavalry Productions presenta el Nuevo álbum del legendario cantante amèricano de jazz y mùsica populare JACK JONES - "ArtWork", con invitado muy especial, el multinstrumentista Joey DeFrancesco en trompeta.

JACK JONES fue considerado durante mucho tiempo como el cantante del cantante, el dos veces ganador del premio Grammy ingresó a United Recording Studios en Los Ángeles, CA con el equipo A de músicos de jazz en 2022, justo antes del fallecimiento prematuro de Joey DeFrancesco (25 de agosto de 2022), el Album "Artwork" se editò a fines de julio del 2023.

 

John Clayton arregló y dirigió la orquesta de 53 piezas. Jack Jones, Joey DeFrancesco y John Clayton son coproductores junto al saxofonista Tom Scott como productor asociado. Las leyendas del jazz Tamir Hendelman en piano, Jeff Hamilton en bateria, Graham Dechter en guitarra, John Hamar en contrabajo, Tom Scott en saxo tenor  Joey de Francesco en organo Hammond B-3/saxo tenor y trompeta son los principales solistas del Nuevo Album "ArtWork"

 

Paul Lowden, jefe y productor ejecutivo de Cavalry Productions, afirmaba: “Tenemos el privilegio de haber estado involucrados con Jack y Joey en la producción de lo que sería, sin que todos lo supiéramos, su última obra maestra. Joey definió el B3 para todos los tiempos y la pareja de él y Jack combinó increíblemente bien con un alma y un espíritu que es eléctrico. Sus ritmos combinados viven y respiran a lo largo de este álbum. En mi opinión "ArtWork" es su obra maestra”.

 

El crítico de jazz Will Friedwald de The Wall Street Journal y Vanity Fair escribià: “Hay mucho que decir sobre Jack Jones, pero una cosa que no se puede decir sobre este artista legendario es que tiene pocos registros. Por el contrario, el Sr. Jones es el creador de uno de los catálogos más grandes y gratificantes de cualquier artista vivo, a la altura de su amigo y mentor, Tony Bennett. Más que la mayoría de los cantantes, Jack Jones sabe cómo hacer un álbum excelente. Su voz graba particularmente bien, y es un maestro en el oficio de canalizar su personalidad y su energía a través del medio de grabación de solo audio, una habilidad que se está convirtiendo rápidamente en un arte perdido (sin recurrir a los trucos de estudio)”.

"ArtWork" es una colaboración con dos artistas excepcionales de una cosecha posterior, comenzando con Joey DeFrancesco, un gigante de la música”, continúa Friedwald, “más conocido como uno de los grandes maestros del órgano B3 Hammond, el Sr. D también tocaba la trompeta (campana abierta en "Not While I'm Around" y armon-muted a la Miles Davis en "Here's to Life") y saxofones tenores además. El otro es el notable compositor, arreglista, director de orquesta y bajista John Clayton, quien aquí dirige de manera experta una orquesta completa: metales, lengüetas, instrumentos de viento de madera, ritmo (con el excelente baterista Jeff Hamilton y el pianista Tamir Hendelman) y una sección de cuerdas completa. Pero, teniendo en cuenta que el Hammond B3 tiene todo el poder, el color y el matiz de una gran banda en sí mismo, el efecto total es casi como si Jack estuviera cantando con dos orquestas diferentes al mismo tiempo”.

Acerca de JACK JONES:

Según muchas medidas, JACK JONES fue el cantante más popular que surgió entre el apogeo de Elvis Presley y el ascenso de los Beatles. En el lapso de dos años, obtuvo dos premios Grammy por Interpretación masculina pop: "Lollypop and Roses" en 1962 y "Wives and Lovers" en 1964, lo que fue suficiente para sentar las bases de una carrera que duró hasta bien entrado el siglo XXI. Formó parte de las listas de adultos contemporáneos, acumulando los éxitos número uno "The Race Is On", "The Impossible Dream (The Quest)" y "Lady" entre 1965 y 1967. Continuó actuando en Las Vegas y de gira, incursionando ocasionalmente en la cultura pop, como cuando cantó "The Love Boat Theme" en 1980.Un verdadero Cantante y luminaria de los Cantantes. JACK JONES actúa en todo el mundo para audiencias con entradas agotadas en lugares que van desde clubes de jazz hasta el London Palladium. JACK JONES es la definición misma de un artista completo y total. El New York Times confesaba, "podría decirse que es el cantante pop masculino técnicamente más exitoso... solo hay un Jack Jones".

Los invitamos, cafecito de por medio, desde Jazz Café FM-Radio Argentina de Jazz , a escuchar y disfrutar el estilo y la voz del gran cantante amèricano JACK JONES desde Su Nuevo Album "ArtWork" junto a JOEY DE FRANCESCO en trompeta.

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BENNY GREEN - "Solo" (2023)

"Solo" es el Nuevo del consagrado pianista amèricano de jazz BENNY GREEN, grabado en Oakland, Ca., en el 2022 y editado en Abril del 2023 por el sello internacional Sunnyside Records.

 BENNY GREEN seleccionó canciones compuestas por sus pianistas favoritos: "!Soulful Mr. Timmons" de James Williams, "The Maestro" de Cedar Walton, "Lonely Woman" de Horace Silver, "This Here" de Bobby Timmons, "Ruby, My Dear" de Thelonious Monk, "Minor Mishap" de Tommy Flanagan, "Sunset" de McCoy Tyner, "Rouge" de Barry Harris y "He Has" de Oscar Peterson, también se incluyen dos originales: "Jackie McLean" y "Blue Drew", que BENNY GREEN comentaba es un "blues simple construido a partir de una frase muy común que es similar a "That's Your Red Wagon", con algunas paradas dobles en la mano derecha, expresada como un guiño a la gran pianista Kenny Drew".

BENNY GREEN es uno de los músicos más virtuosos y técnicamente hábiles de su generación, emergió para ser aclamado en los años 80 tocando una mezcla de bebop atlético y piano de zancada oscilante que subrayó su profundo conocimiento del trabajo de músicos como Art Tatum, Oscar Peterson y Bud. Powell. Mostró estas influencias en "Green's Blues" del 2001, su primer álbum de piano solo. Aunque su habilidad técnica nunca ha disminuido, BENNY GREEN ha madurado en otras formas más matizadas como jugador. Su estilo ha avanzado cada vez más hacia un lugar mesurado y profundamente conmovedor. La suya es una estética discreta que valora la melodía y el servicio de la canción por encima de un enfoque llamativo y lleno de notas. Es ese estilo discreto, pero aun así impresionante se escucha en Su nuevo Album "Solo, en el ccomienzo de su carrera, BENNY GREEN atrajo la atención como uno de los últimos pianistas de los Jazz Messengers del baterista Art Blakey.

El 10 y 11 de Agosto el pianista BENNY GREEN se presenta por vez primera vez en Argentina, y lo hara en dos noches de doble funciòn desde el Bebop Club en Palermo, acompañado en algunos temas por el trompetista argentino Mariano Loiacono, presentando Su Nuevo Album "Solo", para màs informes pueden contactarse en 

https://www.passline.com/eventos-plano/benny-green-10082023-2245h-188202

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MEHMET ALI SANLIKOL & WHATSNEXT - "Turkish Hipster-Tales From Swing To Psychedelic"

El pianista y compositor turco de jazz MEHMET ALI SANLIKOL regresa al formato de gran conjunto con esta nueva y poderosa colección de composiciones conmovedoras, interpretadas por su grupo "WhatsNext", en su séptimo álbum de estudio "Turksh Hipster-Tales From Swing To Psychedelic".

 MEHMET ALI SANLIKOL encuentra una línea que conecta las culturas musicales de todo el mundo y aprovecha estos puntos en común para crear obras que pueden resonar con todos nosotros: "Turkish Hipster" permite al oyente entrar en la mente del compositor y deleitarse con la belleza de un lenguaje musical global. Los invitados especiales incluyen a Anat Cohen, Antonio Sánchez y Miguel Zenón.

El lanzamiento del Album "Turkish Hipster-Tales From Swing To Psychedelic" será el 21 de julio de 2023 a través del sello DÜNYA. 

El gran conjunto estelar de MEHMET ALI SANLIKOL está compuesto por el baterista Antonio Sánchez, la clarinetista Anat Cohen, los saxofonistas altos Miguel Zenón, Mark Zaleski, Aaron Kaufman-Levine y Lihi Haruvi, los saxofonistas tenores Rick DiMuzio, Bill Jones y Aaron Henry, los saxofonistas barítonos Melanie Howell Brooks y Kathy Olson, los trompetistas Mike Peipman, Jeff Claassen, Dan Rosenthal, Doug Olsen y Jerry Sabatini, los trombonistas Chris Gagne, Bob Pilkington y Garo Saraydarian, el trombonista bajo Angel Subero, el pianista Utar Artun, el guitarrista Phil Sargent, el bajista Fernando Huergo y los percusionistas Bertram Lehmann y George Lernis, el propio MEHMET ALI SANLIKOL también contribuye al álbum cantando e interpretando varios instrumentos turcos, así como el berimbau, sintetizadores, teclados y Fender Rhodes.

"Turkish Hipster", podría evocar imágenes de residentes de Brooklyn dando pequeños gorros de lana rebuscando en cajas de discos de vinilo, el apodo, de hecho, pretende describir al propio líder de la banda MEHMET ALI SANLIKOL al parecer, es el hipster original (el compositor se desprendió de su formación pianística clásica occidental para tocar rock progresivo en su adolescencia). Cuando el progresivo se convirtió en la corriente principal, pasó a estudiar jazz. Cuando no existía un instrumento digital lo suficientemente adecuado para ejecutar sus líneas de melodía microtonal, diseñó y creó uno, conocido como "SANLIKOL Renaissance 17". Finalmente, donde no existía antes un sonido que encarnara los muchos lenguajes musicales en los que está tan profundamente inmerso, MEHMET ALI SANLIKOL creó ese sonido, junto con su magistral conjunto 'WhatsnNext?'. inconformista; intelectual; hombre renacido, MEHMET ALI SANLIKOL está impulsado por la pasión y la autenticidad. 

En este Nuevo Album "Turkish Hipster", el público escucha capoeira brasileña casada con folk turco, rock psicodélico turco extraído de la década de 1970 y hip-hop estadounidense, todo dentro de un idioma de orquesta de jazz. Históricamente, el álbum presenta la primera interpretación grabada de las secciones de saxofón y trompeta de una orquesta de jazz que toca sabores microtonales precisos de la música turca. MEHMET ALI SANLIKOL logró estos resultados mediante el uso de digitaciones alternativas y varias técnicas que perfeccionó durante varias décadas.

“Quizás sea justo decir que este álbum presenta música original innovadora escrita para orquesta de jazz que tiene puntos de entrada para una amplia audiencia debido a su variedad estilística y accesibilidad”, reflexiona Sanlikol.  Si bien reconoce que las influencias no occidentales tienden a inspirar muchas grabaciones de jazz en estos días, cree que esta es particularmente especial: “Lo que sugiero y presento en este álbum es una forma sofisticada de cosmopolitismo que nos permite acceder a muchas mundos sin pretender reducirlos o estandarizarlos”.

En el tema “A Capoeira Turca (Baia Havası)”, mientras que las trompetas y el clarinetista destacado, Anat Cohen, se pueden escuchar tocando sabores microtonales seleccionados de la música folclórica turca a través de digitaciones alternas desarrolladas por MEHMET ALI SANLIKOL el elemento musical vinculante es el surco híbrido que se conecta a un sonido más ligero. y un sentimiento brasileño más funky que recuerda a los que se encuentran en las grabaciones clásicas de rock turco de la década de 1970. Quizás la declaración compositiva más aventurera y expansiva del álbum es "The Times of the Turtledove", que se inspiró en un ciclo rítmico clásico otomano/turco derivado de la llamada de una tórtola. Esta pieza con Miguel Zenón presenta una sección microtonal extendida totalmente impregnada de música clásica otomana/turca.

“The Boston Beat” rinde homenaje al gran legado del jazz de Boston con el reconocido rapero Raydar Ellis, así como Anat Cohen, Antonio Sánchez y Miguel Zenón. Sanlıkol señala que ““Estarabim” ciertamente ha sido una de mis canciones de rock turcas favoritas de todos los tiempos y es el tipo de clásico que sería reconocido de inmediato por casi cualquier persona turca”, comparte el artista con sede en Boston. “Si bien tiendo a distanciarme de la música que ha alcanzado el estatus de clásico, hice una excepción aquí debido a que me convenció el arreglo de vientos y las influencias del ska/reggae”.

La "Suite de Abraham", que concluye el álbum, se encargó y grabó por primera vez en el Festival Jazzaar en 2019. Ese proyecto reunió a tres compositores diferentes (Gil Goldstein, Fritz Renold y Sanlıkol) que representan las versiones de la historia de Abraham de las tres tradiciones de fe abrahámica diferentes. . Sanlıkol ha querido lanzar una versión de orquesta de jazz de su suite desde entonces, y está encantado de ver que se materializa aquí.

En cuanto a las influencias de la música sufí turca, la primera sección “El fuego” es donde se pueden escuchar más claramente en forma de zikir (ostinato vocal), mientras que “El sacrificio” comienza con una tranquila introducción dirigida por el duduk (doble flauta de caña). Esta pista pasa rápidamente a una ansiosa sensación de fusión afrocubana que se acumula a lo largo del movimiento mientras presenta a varios solistas. Finalmente, “The Call” lleva esta suite a un punto de reflexión. “He estado buscando un toque de eternidad”, lamenta la letra de Sanlıkol, compartiendo con nosotros el verdadero propósito del viaje del artista, esforzarse hacia un momento, de los cuales hay muchos en este mismo álbum, donde el tiempo parece detenerse y nuestro espíritu se eleva.

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NICOLE ZURAITIS - "How Love Begins"

El sello internacional Outside In Music presenta el lanzamiento del nuevo y provocativo Album "How Love Begins", de la joven cantautora amèricana de jazz NICOLE ZURAITIS y coproducido por el gran contrabajista amèricano de jazz Christian McBride

 "How Love Begins" es una meditación ardiente, vulnerable y cercana sobre el amor moderno que solidifica la estatura de la joven cantante NICOLE ZURAITIS, nominada al GRAMMY, como uno de las compositoras más destacadas de nuestro tiempo. Junto con la voz altísima y los estribillos pianísticos de NICOLE ZURAITIS, "How Love Begins" presenta al mencionado Christian McBride en el bajo, Gilad Hekselman en la guitarra, Maya Kronfeld en el órgano, Wurlitzer y Rhodes y Dan Pugach en la batería. El álbum también cuenta con invitados especiales como David Cook al piano, Billy Kilson a la batería y Sonica, un trío vocal codirigido compuesto por Thana Alexa, Julia Adamy y la propia NICOLE ZURAITIS.

"Quizás este álbum debería haberse llamado 'Cómo comienza el amor... y termina'", confiesa NICOLE ZURAITIS con ironía, al comentar sobre la dualidad que presenta claramente en la estructura de dos partes del lanzamiento. Para ilustrar las muchas fases del amor, divide su colección de 10 pistas en mitades tituladas 'parte I: aceite' y 'parte II: agua'. Este formato, que verifica la idea de que “los opuestos se atraen”, encarna una historia de romance inicialmente bendecida con armonía pero eventualmente plagada de discordia.

Impulsada por la noción de que la polaridad del amor a menudo puede ser una coincidencia, Zuraitis conceptualizó 'Aceite' y 'Agua' espontáneamente después de una reacción visceral que tuvo ante el trabajo del fotógrafo conservacionista español Daniel Beltrá. Se topó con su colección “Spill”, que a primera vista le parecían pinturas con hermosos patrones de color creados a partir del pincel de un artista. “Cuando me enteré de que las impresionantes obras de arte, con sus colores arremolinados y tonos perfectamente colocados, eran en realidad fotografías aéreas del derrame de petróleo más devastador de la historia, mi corazón se hundió”, describe. “La ironía no se me pasó por alto. Al igual que un amor que termina demasiado pronto, el hilo común es que algunas de las cosas más bellas de la vida también pueden ser las más desgarradoras”.

 "How Love Begins" se esfuerza por representar el viaje que abarca todo el amor moderno, incluida la belleza de correr riesgos, la complejidad del deseo, la fragilidad de la emoción, las imperfecciones que quedan cuando se cierran los capítulos y el optimismo de larga data de comenzar de nuevo. El álbum fue concebido entre Nicole Zuraitis y Christian McBride en el 2021 después de varios años de soñar con colaborar. Los caminos de los socios musicales se cruzaron por primera vez en el Red Eye Grill en la ciudad de Nueva York, donde Zuraitis tenía una residencia de larga data, solo unos meses después de que ella participara en el Concurso Internacional de Voz de Jazz Sarah Vaughan. Después de muchos años de admiración mutua, los dos artistas finalmente se unen en esta fructífera colaboración.

“Trabajar con Nicole fue una emoción absoluta. Hace todo al más alto nivel: cantar, tocar, escribir, producir y hacer arreglos”, comparte Christian McBride. “Estoy poniendo mucho, mucho dinero en Nicole. No puedo esperar a ver explotar su carrera”.

Musicalmente "How Love Begins" rinde homenaje a muchos de los compositores favoritos de NICOLE ZURAITIS desde Tin Pan Alley hasta la actualidad. Al igual que los grandes compositores de antaño, NICOLE ZURAITIS logró componer material crudo e identificable, con el potencial de perdurar por generaciones. “No quiero ser la única persona que cante estas canciones que escribo”, agrega, insistiendo fervientemente en que su objetivo es que tanto los entusiastas del jazz como los profesionales agreguen sus canciones a su repertorio

“Si escuchas un momento más allá de la pista final, puedes encontrar débiles destellos de esperanza para el futuro, guardados para un día lluvioso”, insinúa NICOLE ZURAITIS

El lanzamiento internacional de "How Love Begins" será el próximo 7 de julio de 2023, la vocalista y compositora tiene dos importantes actuaciones de lanzamiento que coinciden con meses de gira de lanzamiento nacional que continuará durante el verano y el otoño. Ella producirá un concierto de lanzamiento de álbum a gran escala en Park City Music Hall en CT el 8 de julio de 2023 titulado "Siren Songs- For the Love of the Sound"; un día de activismo y festival musical en beneficio de "Save the Sound.Org", una organización sin fines de lucro dedicada a luchar contra el cambio climático y proteger el estuario, los ríos y la vida silvestre de Long Island Sound. Además, el 4 de septiembre de 2023, NICOLE ZURAITIS tendrá su fiesta oficial de lanzamiento del álbum en la ciudad de Nueva York en Birdland con invitados especiales Christian McBride y Gilad Hekselman a las 7 p.m.

 

NICOLE ZURAITIS (Bio)

NICOLE ZURAITIS, cantautora, pianista, arreglista y vocalista de jazz nominada al GRAMMY, directora de orquesta radicada en Nueva York y ganadora de la prestigiosa Medalla de Oro del Concurso Vocal American Traditions 2021, continúa estableciéndose como una fuerza innegable en el panorama del jazz moderno de ambas ciudades de Nueva York. y más allá. Con un “corazón tan grande como su notable voz”, (Jazz Police), la personalidad efervescente y el entusiasmo sin límites de Nicole, combinados con el activismo y el humor, la han posicionado como una de las mejores artistas y compositoras para ver en el jazz.

Además de liderar su cuarteto, NICOLE ZURAITIS es la principal vocalista de Birdland Big Band y con frecuencia encabeza clubes de jazz icónicos de Nueva York como Dizzy's Club en Lincoln Center, Birdland, Blue Note, Carlyle, 54 Below y el gran 55 Bar. Ha aparecido como solista destacada con la Filarmónica de Savannah, la Sinfónica de Asheville y otras orquestas de pop destacadas, así como con el apoyo de cantantes icónicos de piano y voz como Morgan James, Darren Criss y Livingston Taylor. Como artista de grabación, NICOLE ZURAITIS ha lanzado cinco álbumes como líder, y este verano, su sexto álbum "How Love Begins", coproducido con el ocho veces ganador del GRAMMY Christian McBride.

 NICOLE ZURAITIS ha colaborado con una extensa lista de luminarias, incluidos Christian McBride, David Cook, Cyrille Aimee, Antonio Sanchez, Dave Stryker, Omar Hakim, Rachel Z, Melanie Safka, Helen Sung y Bernard Purdie. Es una educadora orgullosa y actualmente es profesora vocal en NYU y Suny Purchase.

Una ferviente activista con un historial de retribución de una década, el lanzamiento de su último álbum coincide con un festival de música y recaudación de fondos de un día de producción propia para Save the Sound.Org en Park City Music Hall en Bridgeport, CT el 8 de julio. 2023. Continuamente rehabilita pitbulls y dona las ganancias de las ventas de álbumes al rescate de pitbulls y la concientización sobre la salud mental.

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ELIANE ELIAS - "Quietude"

"Quietude" es el nuevo Album de la prestigiosa y reconocida pianista y compositora brasileñá de jazz y bossa-nova ELIANE ELIAS, editado a fines de Octubre del 2022 por el sello Candid Records

"Quietude" presenta 11 canciones grabadas en su mayoría en São Paulo,Brasil, durante 2019-2020, la pianista y cantante ELIANE ELIAS esta acompañada por:

Marcus Texeira en guitarra, Lula Galvao en guitarra, Oscar Castro Neves en guitarra, Celso de Almeida en percusiòn, Marc Johnson en contrabajo, Steve Rodby en contrabajo, Emilio Martins en percusiòn, Dori Caymmi en voces, .

 ELIANE ELIAS confesaba:"Me gusta hacer música que personalmente me gustaría escuchar. Este álbum me hace sentir bien, en paz y relajado, y espero que los oyentes sientan lo mismo". 

El periodista Marc Myers del periodico The Wall Street Journal escribió: "La instrumentación de repuesto del álbum pone el énfasis en la seductora voz de canto de la Sra. Elias y las guitarras que la acompañan. Su tono profundo y cálido impregna las canciones con un anhelo silencioso y rastros de nostalgia. Lo más notable es que la Sra. Elias canta sin afectación vocal. Las notas no se alargan ni se fortalecen con vibrato. En cambio, simplemente se cantan y se balancean como notas tocadas en un piano sin el pedal sostenido, articulando perfectamente el atractivo sincopado de la bossa nova". 

Michael Major del BroadwayWorld declaraba "Con su voz embriagadora en este vibrante viaje de bossa nova, Eliane ha contado magistralmente estas relajantes historias musicales a sus oyentes. Su arte demuestra que junto con sus muchos elogios como pianista brillante, Eliane también puede llevar la corona como la reina reinante. de la bossa nova". [6] Matt Collar de AllMusic comentó que el "álbum puso de manifiesto las inmensas habilidades de jazz, música latina y teclados clásicos de Elias. Si bien ella toca algo de piano aquí, Quietude intencionalmente destaca su voz, Intérprete nacida con varios de sus amigos guitarristas más cercanos en un puñado de sus canciones favoritas de su tierra natal". 

ELIANE ELIAS canta en portugues clàsicos como:

"Voce e EU" de Carlos Lyra y Vinicius de Moraes, "Marina" de Dorival Caymmi, "Bahia com H" de Denis Brean, "So Tinha de ser con Vocé" de Antonio Carlos Jobim, entre otros

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ENRICO PIERANUNZI & BERT JORIS & FRANKFURT RADIO BIG BAND - "CHET REMEMBERED" (2023)

El cèlebre pianista italiano ENRICO PIERANUNZI junto al trompetista y arreglador belga BERT JORIS en un Nuevo Albùm para el sello internacional Challenge Records - "Chet Remembered", un gran homenaje musical al recordado trompetista y cantante amèricano de jazz CHET BAKER.

En "Chet Remembered" todos los temas fueron compuestos por Enrico Pieranunzi, con arreglos de Bert Joris.

Confesaba el propio ENRICO PIERANUNZI: "Este Album tiene un significado muy especial para mí. "Remembered Chet" me lleva a 1979, cuando lo conocí por primera vez. Ese encuentro pronto resultaría ser un punto de inflexión en mi vida musical. Tocar juntos, compartir conciertos o sesiones de grabación con él me permitió estar en estrecho contacto con un artista de rara experiencia jazzística que supuso un cambio enorme en mi forma de tocar. Muchas de las melodías de este Album provienen de esos importantes años de colaboración. Entre ellos están “Soft Journey”, “Fairy Flowers” ​​y “Brown Cat Dance”, que compuse expresamente para Chet y que, al igual que “Night Bird”, están incluidos en "Soft Journey", grabado a fines de 1979, recién después de nuestro primer encuentro. La canción de apertura, "From E. to C.", como sugiere claramente el título, es una dedicatoria a Chet y también data de nuestro primer período de colaboración, mientras que "Echoes" se grabó más tarde en 1987, como parte de "Silence", un Album bajo la dirección de Charlie Haden".

"Chet Remembered" fue concebido y realizado en conjunto con BERT JORIS, un maravilloso trompetista en cuya forma de tocar hay claras huellas del estilo de Chet Baker, reelaborado de una manera muy personal. 

En el Nuevo Album "Chet Remembered" hay que destacar la contribución de la magnífica Frankfurt Radio Big Band de Alemania y todos Sus mùsicos.

Los temasdel Nuevo Album "Chet Remembered" son:

"Fron E. To C.", "Lost and Found", "Chet", "Soft Journey", "Fairy Flowers", "Night Band", "Echoes", "Brown Cat Dance", "The Real You", "Desert Lady-Fantasy", "Hangin´ Loose", "Hiroko´s Delight", "Broken Dreams", "Bebop".

Los Esperamos, cafecito de por medio en Jazz Café FM-Radio Argentina de Jazz para escuchar y disfrutar de una Nueva Premiere Exclusiva presentando el Nuevo Album del pianista ENRICO PIERANUNZI junto al trompetista BERT JORIS acompañados por la FrankFurt Radio Big Band - "Chet Remembered".

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SHUTEEN ERDENEBAATAR - "RISING SUN" (2023)

El sello internacional Motéma Music se complace en anunciar el próximo lanzamiento de "Rising Sun", el álbum debut de la talentosa pianista y compositor residente en Múnich SHUTEEN ERDENEBAATAR. el 15 de septiembre deL 2023.

Con solo 25 años, esta estrella en ascenso de la capital de Mongolia, Ulaanbaatar, lidera tres conjuntos de clase mundial y ha acumulado una impresionante variedad de premios importantes para jóvenes músicos en la escena europea del jazz, incluido el Premio de Jazz Kurt Maas, la Beca de Música de la Ciudad de Munich. , el Young Munich Jazz Prize, el Biberach Jazz Prize y el BMW Young Artist Jazz Award. Con el lanzamiento de "Rising Sun", Motéma Music lleva a este nuevo y brillante talento al escenario mundial, respaldado por su impresionante y dedicado cuarteto joven.

Hija de Batkhuyag Ochirbat, director de televisión y periodista, y de Erdenebaatar Gombo, quien recientemente ganó el título de “Emérito del Arte” por sus 40 años como director de la Ópera Nacional de Mongolia, SHUTEEN ERDENEBAATAR se crió rodeada de arte y cultura, particularmente música clásica. En consecuencia, estudió piano clásico y composición clásica en el Conservatorio Estatal de Ulaanbaatar antes de entrar en contacto con el jazz a través de un programa en el Instituto Goethe. Este “laboratorio de jazz” bajo la dirección de Martin Zenker resultó ser un momento crucial. "Fue entonces cuando se me abrió un mundo completamente nuevo", confiesa..."De repente tuve la libertad de tocar lo que escuchaba en mi corazón, no solo lo que estaba escrito en las notas"...Con su licenciatura en mano a los 20 años, anhelaba explorar el mundo del jazz, y como no había programas de jazz en Mongolia en ese momento, finalmente vino a estudiar en el conservatorio de Munich.Tutorada por Gregor Hübner, Christian Elsässer , Tizian Jost y Andreas Kissenbeck, entre otros, así obtuvo una maestría en Interpretación y Composición de Jazz y, lo que es más importante, pudo encontrar y cultivar su propia voz artística.

Esa voz está innegablemente presente en "Rising Sun". Ya sea en el tema de apertura lírico y cadencioso "In A Time Warp" (lanzado el 23 de junio como un Nuevo Single), el quemador rítmicamente desafiante "Ups And Downs", la pieza solista melancólica y dramática "Summer Haze" o el clímax, nostalgia- Impulsado por "Olden Days", el enfoque singular de SHUTEEN ERDENEBAATAR se encuentra al frente y al centro. El resto de "Rising Sun" incluye la dramatúrgicamente ingeniosa “An Answer From A Distant Hill” (protagonizada por una seductora melodía de flauta); la poderosa canción principal empapada de blues, que se inspira en una canción popular de Mongolia; la conmovedora balada “Saudade”; y la sorprendente canción de amor “I’m Glad I Got To Know You”, en la que la pianista en ascenso y su cuarteto realmente pisan el acelerador.

La base clásica de Erdenebaatar es inconfundible en todo momento, mostrada por su brillantez técnica, delicadeza estilística y la estructura temática de sus composiciones.

 El cuarteto está formado por un cuadro alemán de compañeros de su cohorte universitaria, todos ahora galardonados estrellas en ascenso y líderes de banda por derecho propio: El bajista Nils Kugelmann, a quien el periódico líder del sur de Alemania, The Süddeutsche Zeitung, nombró como “uno de los mejores en su campo”, es un todoterreno excepcional rítmica y melódicamente, que también brilla con un trabajo de arco en movimiento en “Saudade” de Erdenebaatar, el baterista Valentin Renner es uno de los bateristas de jazz más activos de Alemania, actualmente la columna vertebral de varios conjuntos de jazz notables en el país y el creativo y altamente virtuoso Anton Mangold completa el conjunto de saxofones y flautas. La interacción carismática del cuarteto es lo más destacado del álbum. "Me ayudó mucho conocer bien a todos. Ya tenía en mente quién estaba tocando cada parte cuando estaba componiendo", comparte Erdenebaatar.

El cuarteto grabó "Rising Sun" los días 27 y 28 de diciembre de 2021 en el Realistic Sound Studio de Múnich, poco después de participar en la "Semana de verano de jazz" en el club de jazz Unterfahrt de renombre internacional. Durante esta semana, el cuarteto tuvo la oportunidad de elaborar el programa frente a una audiencia durante cinco noches seguidas. Por lo tanto, a diferencia de la mayoría de las producciones juveniles de hoy, el álbum no se creó antes, sino que siguió su experiencia en vivo del material, una diferencia que le da una poderosa conectividad conmovedora a su sonido ya distintivo.

"Rising Sun" es un debut sorprendentemente maduro de un nuevo talento notable. El lanzamiento de SHUTEEN ERDEMEBAATAR en Motéma Music se produce durante las celebraciones del vigésimo aniversario del sello este otoño. La fundadora y presidenta del sello, Jana Herzen, descubrió a Shuteen a través de una sumisión fría. "Francamente, es muy raro que tenga tiempo para escuchar proyectos no solicitados, pero de alguna manera me llamó la atención el correo electrónico de Shuteen. Que ella fuera mongola me intrigó y su hermosa sonrisa me llevó a escuchar. Conmovido por lo que escuché y viendo sus muchos logros , reconocí a una nueva maestra del jazz contemporáneo en ascenso y pensé que era una incorporación perfecta a nuestra temporada del 20.° aniversario”. Motéma Music tiene el honor de presentar este debut y también de trabajar con Shuteen para los próximos lanzamientos de su dúo "Lightville" y los álbumes de la Orquesta de Jazz de Cámara, ambos en desarrollo".

Los Esperamos, cafecito de por medio, desde Jazz Café FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar de una Nueva Premiere presentando a la joven pianista SHUTEEN ERDENEBAATAR desde Su Album debut "Rising Sun".

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