Mike LeDonne - "Wonderful! (Con Groover Quartet & Gospel Choir) (Cellar Music Group)

 

Cellar Music Group se complace en anunciar el lanzamiento del Nuevo Album "Wonderful", el poderoso álbum del célebre pianista y organista amèricano de jazz MIKE LEDONNE. 

"Wonderful" es una exploración extraordinaria de la unión armoniosa entre un coro de gospel y los ricos sonidos del antiguo grupo de LeDonne - "Groover Quartet". La confluencia del órgano de jazz y el gospel toca una fibra conmovedora y edificante en las composiciones de LeDonne y en sus cuidadosos arreglos de canciones populares. El álbum presenta una alineación excepcional de los antiguos camaradas musicales de LeDonne, incluido el saxofonista tenor Eric Alexander, el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Joe Farnsworth, y el saxofonista alto invitado Vincent Herring y el percusionista Danny Sadownick.

El hilo temático del álbum está tejido con el elemento clave del amor, sirviendo como un sentido homenaje a la esposa de LeDonne, Margaret, y a su hija Mary, cuya imagen radiante adorna la portada. Titulado "Wonderful for his Mary", el último esfuerzo de LeDonne se esfuerza por celebrarla y arrojar luz sobre otras personas que forman parte de la comunidad de personas con discapacidad, celebrando su diversidad como un aspecto hermoso de la humanidad.

El viaje de LeDonne como padre de Mary ha sido una fuente de inspiración para su música y activismo. La creación del Desfile del Orgullo de la Discapacidad en la ciudad de Nueva York, iniciada por LeDonne, nació de su amor por su hija y del deseo de mostrar la naturaleza vibrante y diversa de la comunidad de personas con discapacidad. "Cuando comencé, no tenía idea de cómo crear un desfile o una organización sin fines de lucro, pero a través de Mary, encontré fortalezas en mí que no sabía que tenía. Cuando la gente me agradece por mi trabajo creando el desfile "Siempre les digo que no fui yo, fue Mary", explicó.

La inspiración musical detrás de "Wonderful" surgió del profundo amor de LeDonne por la música gospel, un género que ha influido profundamente en su trayectoria musical. LeDonne indica: "Para mí, reunir un coro de gospel y un organista de jazz parecía natural, pero, increíblemente, nunca se había hecho antes... La mayor parte de la música que amo proviene de los ritmos y sentimientos del gospel y el blues. y cuando escuché coros de gospel bailando con fuerza un estribillo o un vampiro, siempre quise escuchar una parte de ello. Esta grabación fue mi oportunidad de finalmente hacer eso y no sólo agregarle ritmo a la música, sino también expandir el sonido de la banda con el instrumento más hermoso de todos: la voz humana”.

Para darle vida a este trascendental proyecto, MIKE LEDONNE colaboró ​​con su amiga y talentosa cantante Carolyn Leonhart, quien ayudó a organizar las partes del coro. La diversa selección de canciones incluye clásicos del gospel como "Let Us Go", que presenta el vibrante espíritu del coro, y "Put It Back", que destaca la gran sección de percusión formada por Farnsworth y Sadownick, quienes alcanzaron un gran éxito. desde el principio. La banda brilla con la composición espiritual de John Coltrane "Lonnie's Lament", que LeDonne dedica al fallecido Dr. Lonnie Smith, el gran maestro del B3 y mago del órgano Hammond.

"Bridge Over Troubled Water", "Ain't Nothin' Like The Real Thing" y "Make Everyone Happy" demuestran la capacidad de LeDonne para reinterpretar los clásicos de una manera fresca y emocionante. El líder de la banda señala que "éstas son un par de canciones que siempre me han encantado y que encajan perfectamente en la historia que cuento en esta grabación". En "Bridge Over Troubled Water", el órgano hace una llamada y respuesta con el coro para la melodía y luego se asienta en un grasiento ritmo aleatorio. "Make Something Happy" presenta una interpretación conmovedora de la hermosa melodía de LeDonne y Alexander, un maravilloso solo de Bernstein después del cual LeDonne hace todo lo posible para desatar todo el poder del órgano Hammond.

El álbum también incluye composiciones originales, como "Twinkies Organ Prelude/Wonderful", que comienza con una melodía del gran organista y cantante gospel Twinkie Clark, y conduce a "Wonderful", una composición de LeDonne que documenta su primera incursión como letrista...LeDonne señala que "son palabras sencillas que expresan lo que mi familia significa para mí". El álbum concluye con el animado cierre "Genesis", otro original de LeDonne en el que Farnsworth participó en la batería, tocando a un ritmo vertiginoso. Una verdadera pieza de conjunto, "Genesis" termina el álbum con una nota alegre.

 "Wonderful" es un Album innovador, que promete dejar una huella imborrable en el mundo del jazz y el gospel, mostrando el poder del amor a través del lenguaje universal de la música.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafè FM, para escuchar y disfrutar una Nueva Premiere Exclusiva presentando al pianista y organista MIKE LEDONNE desde Su Nuevo Album "Wonderful!"

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Jim Rotondi - "Finesse" (Cellar Music Group-2024)

Cellar Music Group anuncia el lanzamiento el 9 de febrero 2024 del Album "Finesse", una nueva obra maestra para big band y orquesta del gran trompetista, compositor y educador amèricano de jazz JIM ROTONDI. 

JIM ROTONDI ha acompañado a grandes estrellas de la mùsica en Nueva York y Europa durante más de 30 años, fue miembro estable de la Orquesta de Toshiko Akiyoshi y de Bob Mintzer, e integrò los pequeños grupos de Lou Donaldson, Curtis Fuller y Joe Cámaras. Ahora, después de haber dejado su huella en el panorama del jazz con ocho álbumes como director de banda, JIM ROTONDI da un paso adelante para hacer realidad un sueño de larga data y el cumplimiento de uno de los grandes legados de la historia del jazz: un gran álbum conjunto en el que participan ambas big bands. y orquesta.

 "Finesse" es el noveno álbum de JIM ROTONDI Y comprende una orquesta de virtuosos dirigida y arreglada por Jakob Helling, todos los cuales están inmersos en la rica tradición histórica y musical de Austria, donde Rotondi actualmente reside y enseña. Sin embargo, la brillantez de este elenco no termina ahí, ya que JIM ROTONDI también recurrió a sus compañeros, el legendario trombonista Steve Davis, el saxofonista Dick Oatts y el pianista Danny Grisset, de sus prolíficas décadas en Nueva York. Con arreglos sólidos, orquestaciones deliciosas y solos tentadoramente elaborados "Finesse" está preparado para ser la marca más profunda e indeleble de JIM ROTONDI en el mundo del jazz y la música creativa hasta la fecha.

El título del álbum "Finesse" resume el espíritu que requería este proyecto y con el que JIM ROTONDI abordó todo el proceso:"Soy un músico conocido por grabar proyectos directos con grupos más pequeños, en un estilo menos estrictamente organizado"..."Para mí, este disco representa la atención a cada detalle, de ahí el nombre Finesse", confiesa el propio JIM ROTONDI.

El personal de "Finesse" está formado principalmente por músicos de orquesta y big band de Austria. En particular JIM ROTONDI contó con la destreza de la Notes and Tones Jazz Orchestra, una big band con sede en Viena codirigida por el baterista Mario Gonzi y el trompetista Daniel Nösig. La orquesta se formó a través de la estrechamente entrelazada red de músicos de Viena, y rápidamente el equipo de ensueño de JIM ROTONDI creció a partir de él y Helling para incluir una big band de 16 integrantes, una orquesta de 20 integrantes y los dos artistas invitados destacados del álbum. "Todos los que tocan en este álbum son virtuosos", afirma Rotondi..."La comunidad musical independiente de Viena se encuentra en un nivel altísimo, por lo que ya sabía desde antes de empezar que este grupo musical sería absolutamente impecable".

 Con "Finesse", el trompetista JIM ROTONDI muestra la pura fuerza creativa que viene con una visión clara y una capacidad decisiva para colaborar con un fuerte objetivo compartido. Este álbum marca un reconocimiento de los puntos más elevados y célebres de la tradición y la historia del jazz y utiliza este vehículo jubiloso de orquesta y big band combinadas para elevar el listón y preparar el escenario para que lo familiar se utilice de formas nuevas e infinitamente inventivas.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafè FM, para escuchar y disfrutar la 1ra Premiere Exclusiva del 2024 presentando al legendario trompetista JIM ROTONDI desde Su Nuevo Album "Finesse".

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Rodrigo Recabarren & Yago Vazquez & Pablo Menares - "Familia"

 

El baterista Rodrigo Recabarren, el pianista Yago Vázquez y el bajista Pablo Menares lanzarán su nuevo álbum "Familia", el 23 de febrero de 2024 a través de Greenleaf Music, marcando su debut con el sello.

Provenientes de Argentina (Recabarren y Menares) y Galicia, España (Vázquez), estos tres jóvenes artistas incorporan una gran cantidad de experiencias culturales a su destreza musical. Rindiendo homenaje a la música de su infancia, el trío utiliza una variedad de tradiciones musicales folclóricas en un álbum que, como muchos dentro del jazz panlatino, hibrida varios atributos culturales en composiciones que reflejan las complejidades de nuestro mundo moderno. Audaces, cómodos con una variedad de géneros y estilos de música, una profunda confianza une sus ambiciones musicales colectivas.

Al emigrar a la ciudad de Nueva York en 2009, Recabarren y Menares rápidamente se encontraron en círculos sociales similares como estudiantes y artistas que navegaban por el pulso magnético de la capital del jazz de Estados Unidos. Pronto se encontraron con Vázquez y comenzaron a compartir una pasión colectiva por el "fútbol", la comida, la familia y la dinámica floreciente de lo bien que colaboraban juntos. Cuando era un trío joven, Recabarren descubrió rápidamente que sus compañeros de bajo y piano tenían una forma única de comunicarse musicalmente. "Es algo así como telepatía", describe Recabarren, añadiendo "simplemente se aceptan unos a otros. Es como una conversación con un buen grupo de amigos y una botella de vino". Para el trío. el Album "Familia" es una expresión de experiencias mutuas compartidas, pero también de la curiosidad necesaria para explorar cómo la identidad personal da forma a la música que desean explorar. Para Recabarren, "hay pocas cosas más importantes que la identidad. Me mudé a los Estados Unidos para aprender sobre el folklore estadounidense y en el proceso me encontré a mí mismo".

Debajo de la superficie de viajes musicales como "Familia" se encuentran los atributos personales y culturales que hacen que el jazz panlatino sea tan especial. Cada canción, ritmo, estructura de acordes o melodía es una oportunidad para explorar la vida a través del prisma de las vastas experiencias que dan forma a una personalidad musical. Para Recabarren y Menares, eso es todo lo relacionado con Chile, con su tesoro de tradiciones folclóricas como los ritmos callejeros "chin-chin" o los legados musicales de íconos como Violeta Parra y Víctor Jara que se filtraron a lo largo de su infancia bajo la dictadura de Augusto Pinochet. Mientras tanto, Vázquez está innatamente conectado con la rica historia cultural de Galicia. En ambos casos encontrará músicos experimentados negociando su camino a través del Jazz en camino a resucitar un aprecio sincero por sus países de origen cultural.

Tomemos por ejemplo "Santiago", la canción que abre el álbum. Nombrado en honor al hijo de Recabarren, se basa en el fenómeno del ritmo de la cumbia colombiana, ilustrando las formas gloriosas en que el trío combina estructuras rítmicas latinas con la sensibilidad melódica del jazz contemporáneo. La composición de Vázquez "Terra" (en gallego "tierra") flota entre el popular ritmo de xota de 3/4 de la región y la energía de 6/8 del ritmo de chacarera que reverbera en toda Argentina. Siempre en capas, con destellos de las diversas influencias que el trío ha absorbido hasta la fecha, "Familia" continúa con "Ritual", una meditación reflexiva sobre la interpretación de Menares de la "cualidad sagrada de estudiar, practicar y hacer música".

Medido como si marcara el paso del tiempo, "Aninovo (Día de Año Nuevo)" celebra la vida del abuelo de Vázquez, quien milagrosamente nació y falleció el 1 de enero con varias décadas de diferencia. Siguiendo con un tema pensativo está "Viaje" de Menares, su viaje introspectivo inspirado en los caporales, la danza folclórica boliviana que utiliza cuidadosamente compases de 3/4 y 6/8 dentro del marco melódico de 4/4 de la canción. Como lo describe Menares, "no importa a dónde vayas, llevas tus raíces contigo. Siempre hay ritmos como este en el trasfondo de tu vida". Y aparentemente también vías fluviales, ya que el Miño, el río que divide Galicia y Portugal, proporciona el fondo pintoresco para una hermosa balada que fluye tan volublemente como el afluente que retrata.

A continuación viajamos a "Castro", un distrito central del parque dentro de la ciudad de Vigo, lugar del paisaje prehistórico donde se asentaron los primeros habitantes de Galicia. Animado y enérgico, Vázquez utiliza este divertido fondo musical para describir la alegría que ha experimentado en el amplio jardín que su familia y amigos han reunido durante años. Originalmente escrita como una canción para conmemorar a su compañero de vida, "Lazo" de Recabarren recibe un suave empujón de los arreglos de Menares y Vázquez y un leve guiño armonioso a la banda Radiohead. "Famila" termina con "Después de Todo", un final ingenioso que incorpora el matiz armónico de "Guinga" o los estilos musicales del legendario compositor, guitarrista y vocalista Carlos Althier de Souza Lemos Escobar. También habla de la obra escrita del autor chileno Jorge Teillier, cuyo poema del mismo nombre habla de la influencia de la comunidad de relaciones que cultivamos durante nuestras vidas.

Lo que nos devuelve elegantemente al tema de la familia. Y no sólo parientes consanguíneos, sino familias de elección; familias que ayudan a dar forma a nuestras identidades, moldean nuestras pasiones creativas y luego se encargan de que esas aspiraciones se hagan realidad. "Todos emigramos juntos a Nueva York y creamos una familia", recuerda Recabarren, recordando los años que pasaron aprendiendo sobre sí mismos tanto como dominando la mecánica del Jazz. Para el trío, el jazz ha sido el vehículo elegido para involucrarse y explorar la circunferencia total de sus vidas musicales. "Creo que el Jazz le hace eso a la gente", cree Recabarren. "Es un lenguaje que te permite explorar la belleza, los temas en profundidad, y creo que me estoy dando cuenta de esto también a través de este álbum".

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Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafe FM, para escuchar y disfrutar en Primicia Exclusiva el Album Debut de Rodrigo Recabarren & Yago Vazquez & Pablo Menares - "Familia"

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Adam Blackstone & The Baylor Project & Russell Ferrante - "Vulnerable" (2023)

El Proyecto Baylor ha agregado una séptima nominación al GRAMMY® a su lista cada vez mayor de elogios. Su colaboración con el director musical, músico y compositor ganador del premio Emmy® ADAM BLACKSTONE y el renombrado teclista de los Yellowjackets ganadores del premio GRAMMY® RUSSELL FERRANTE - “Vulnerable (Live)”, le ha valido una nominación al GRAMMY® en la categoría Mejor interpretación de jazz en la 66a. Premios GRAMMY®. La canción aparece en el nuevo álbum de ADAM BLACKSTONE - "The Legacy Experience Live", que se lanzó en Septiembre del 2023

"The Legacy Experience Live",  comprende 14 presentaciones en vivo de sus programas emergentes "The Legacy Experience", que se presentaron en apoyo del álbum en todo Estados Unidos. "Vulnerable (Live)", coescrito por la esposa de Adam, Kaisha Blackstone y el compositor Jae Deal, es un tema de conversación que "desentraña las complejidades de las relaciones".

"Vulnerable" es una de mis canciones favoritas del álbum. Es un disco muy especial para mí que fue coescrito por mi esposa. Ella me presentó esta canción hace años y me pareció el momento adecuado para lanzarla", compartió Blackstone. "El Proyecto Baylor fue la voz y el acompañamiento musical adecuados para dar vida a esta visión. Ahora estamos nominados al GRAMMY®... Estoy muy emocionado de compartir esto con ellos y Russell Ferrante”.

El Proyecto Baylor compartió un sentimiento similar con respecto a la nominación. "Estamos simplemente extasiados de haber recibido una nominación al GRAMMY® junto a Adam Blackstone y Russell Ferranté por "Vulnerable (Live)". Fue un momento especial compartir el escenario nuevamente con el ex compañero de banda de los Yellowjackets, Russell Ferranté, y ser parte de darle vida a una canción tan hermosa con nuestro buen amigo, Adam", compartió The Baylor Project en un comunicado.

The Baylor Project presenta a la pareja conmovedora y carismática: el vocalista Jean Baylor y el baterista Marcus Baylor. Antes de formar The Baylor Project en 2013, Jean saltó a la fama como la mitad del poderoso dúo de R&B Zhané en la década de 1990, y Marcus pasó una década en la silla de batería del grupo de fusión Yellowjackets, ganador del premio GRAMMY®. Su álbum debut aclamado por la crítica, The Journey, fue nominado a dos premios GRAMMY® en 2018 y, desde 2020, el dúo ha estado nominado al GRAMMY® durante cuatro años consecutivos. Su discografía decorada y nominada al GRAMMY® también incluye el sencillo de la era de la pandemia “Sit On Down”, el segundo álbum ganador del premio NAACP Image, Generations, y el sofisticado The Evening: Live at APPARATUS del año pasado.

The Baylor Project y Adam Blackstone se unieron por primera vez en un disco en 2022, en el álbum "Legacy" de Blackstone, nominado al GRAMMY®, con un grupo de invitados especiales como Jazmine Sullivan, cuya interpretación de 'Round Midnight fue nominada para un premio GRAMMY® en la categoría Mejor R&B tradicional. Categoría de rendimiento.

Aunque fue su debut formal, ADAM BLACKSTONE ha sido durante mucho tiempo una fuerza increíblemente prominente como el cerebro musical detrás de los shows en vivo de muchas de las estrellas más importantes de la actualidad, incluidas Justin Timberlake, Rihanna, Janet Jackson, Alicia Keys, Eminem y más. Es el director musical de citas televisivas como los Oscar, "The Voice" de NBC y los premios Grammy, así como de numerosos programas de BET, VH1 y MTV. Esta es la cuarta nominación en la carrera de Blackstone. The Legacy Experience (Live) también está nominado a Mejor Álbum de Jazz este año.

"Vulnerable (Live)" está nominada con orgullo junto con las actuaciones de los también nominados Lakecia Benjamin, Samara Joy, Jon Batiste y Esperanza Spalding y Fred Hersch.

Los Esperamos, cafecito de por medio, para escucchar y disfrutar de esta Premiere Exclusiva presentando a ADAM BLACKSTONE & The Baylor Project & Russell Ferrante interpretando el tema "Vulnerable (Live)"

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Geri Allen & Kurt Rosenwinkel - "A Lovesome Thing-Live at the Philarmonie de Paris"

                                                            

"Geri Allen y Kurt Rosenwinkel son maravillosamente compatibles. Su sonido y musicalidad encajan perfectamente en esta joya de grabación. ¡Qué feliz es que finalmente se comparta con el mundo! Siempre sentí que el movimiento de cuerdas de Geri estaba muy orientado a la guitarra, por lo que la simpatía entre ellos no es una sorpresa", comentaba la joven baterista amèricana de jazz Terri Lyne Carrington

El sello Motéma Music, en armoniosa colaboración con Heartcore Records del guitarrista Kurt Rosenwinkel, espera revelar con alegría al mundo un tesoro musical escondido en las bóvedas de la Cité de La Musique de París desde 2012. La delicada obra maestra "A Lovesome Thing", que permite lo mágico. la sinergia entre la fallecida y legendaria pianista amèricana de jazz GERI ALLEN junto al innovador y muy solicitado guitarrista amèricano de jazz KURT ROSENWINKEL, que se escuchará por primera vez en un disco. Para los amigos y fanáticos de GERI ALLEN quienes estaban desconsolados por su prematura muerte en el año 2017, este lanzamiento ofrece una bendita oportunidad de escuchar su voz (tanto musical como literalmente) una vez más y experimentar una velada mágica de música que fue especialmente importante para ella. .

La baterista Terri Lyne Carrington, una de las colaboradoras más cercanas de Geri Allen, comentaba: "Este es un álbum importante en el rico legado de las grabaciones de Geri Allen, ¡y creo que los fans de Kurt Rosenwinkel también estarán encantados!".

"Todo el mundo quería tocar con Geri Allen", contaba el periodista Allen Morrison para la Revista Downbeat en un artìculo de julio de 2022 en donde se la incorpora a la pianista GERI ALLEN al Salón de la Fama de Downbeat: "...Ornette Coleman, Betty Carter, Ron Carter y Tony Williams, Charlie Haden y Paul Motian, Dave Holland y Jack DeJohnette, Esperanza Spalding, David Murray, Terri Lyne Carrington, y así sucesivamente". 

El guitarrista y compositor KURT ROSENWINKEL habia invitado a GERI ALLEN a tocar con su banda en el Jazz Standard en julio de 2012. La simpatía era fuerte. "Geri quedó tan impresionada con el flujo y la libertad de la música que experimentó durante esa noche que me instó a organizar otra actuación con Kurt lo antes posible", explica Ora Harris, la manager de Geri Allen, desde hace mucho tiempo. "Así que Anders Chan-Tidemann, entonces manager de Kurt Rosenwinkel, y yo unimos nuestras cabezas y pudimos reservar una cita a dúo para que Geri y Kurt actuaran ese mismo año en el festival Jazz à la Villette de París". tuvo lugar el 5 de septiembre de 2012 ante un público abarrotado y enormemente agradecido en la famosa Filarmónica de París, una sala increíblemente hermosa con una acústica de renombre mundial.

GERI ALLEN  & KURT ROSENWINKEL volaron esa noche desde ciudades distintas. No hubo ensayo. Sin embargo, en una fascinante exhibición de telepatía musical improvisada, tejen un tapiz armonioso, cautivando a sus oyentes con capas sobre capas de expresiones ambiguas pero místicamente elegantes y expansivas. Los tonos de la guitarra y el piano se fusionaron y resurgieron en un campo denso y majestuoso donde las ideas musicales brotaron, florecieron, se convirtieron en semillas y brotaron de nuevo a medida que los artistas reinventaban minuciosamente a Strayhorn, Gershwin y Monk y cada uno revelaba dos encantadores y originales nunca antes grabados. A medida que sus instrumentos se convirtieron en extensiones de sus seres, las notas volaron entre ellos como si una mano invisible dirigiera esta conversación íntima entre maestros. Fue conmovedor y encantador.

"Había un fuerte vínculo entre Geri y yo: una hermosa sonrisa interior, un profundo respeto". Rosenwinkel relata. "Estoy muy agradecido de que hayamos tenido la oportunidad de trabajar juntos. Hablamos a lo largo de los años sobre proyectos que queríamos hacer, canciones que queríamos tocar, pero, por desgracia, solo tuvimos la oportunidad de tocar unas pocas veces. Este concierto fue la primera y única vez que tocamos a dúo juntos. No hubo ensayo."

Los artistas estaban tan absortos en su colaboración musical esa noche que se comprometieron mutuamente a conmemorar su vínculo creativo en el estudio pronto. "Geri me habló a menudo de su deseo de grabar con Kurt", dice la fundadora y directora de Motéma, Jana Herzen. "Y era una idea que tenía muchas ganas de llevar a cabo". El destino, sin embargo, tenía otros planes, y el sueño de una cita en el estudio murió junto con Geri cuando sucumbió a complicaciones relacionadas con el cáncer en 2017.

Ella tenía sólo sesenta años. Su muerte conmocionó a la comunidad del jazz. Mensajes de respeto y amor llegaron desde los rincones más lejanos del mundo del jazz, evidenciando la influencia silenciosa pero totalmente omnipresente de GERI ALLEN en el jazz contemporáneo. "En esta música, hubo un antes y un después de Geri Allen. Ella es así de importante", escribió el pianista Ethan Iverson. "Ella realmente ha tenido una gran influencia en mi estilo y enfoque de la música gracias a su genio innato", escribió Herbie Hancock. "Su espíritu y legado vivirán para siempre", dijo McCoy Tyner, a quien la propia Geeri Allen había rendido homenaje con su obra maestra solista "Flying Toward The Sound", que marcó su debut en Motéma en 2010.

En las notas de este Nuevo Album el guitarrista KURT ROSENWINKEL comenta:"Geri era una fuerza poderosa: un maestro músico y un verdadero mago. Sentí una conexión con ella: el nivel de interacción con los planos sutiles, la vida interior del espíritu y el contacto con el universo. Lo sentimos en la música, algo mágico sucediendo, y creo que puedes escucharlo en esta grabación: "De hecho, podemos escucharlo. La guitarrista demostró ser el alma gemela musical perfecta para Allen, de voz suave, cuya sensibilidad era tan legendaria como su forma de tocar. Si estuviera aquí, seguramente respaldaría a Rosenwinkel en términos igualmente elogiosos, como lo hizo el New York Times, que comentó: "Kurt Rosenwinkel puede decir más en unas pocas líneas (de música) de lo que la mayoría de los guitarristas logran a lo largo de toda una carrera". .”

El lanzamiento de "A Lovesome Thing" encuentra a Kurt Rosenwinkel en un momento decisivo mientras realiza una gira para promocionar los cuatro álbumes de Heartcore que ha lanzado desde enero de 2022: "Undercover", "Berlin Baritone", "The Chopin Project" y "Kurt Rosenwinkel Plays Piano". Motéma Music se presentò en París como parte de una celebración de tres noches de los lanzamientos del 20º aniversario del sello que tuvò lugar en el Sunset/Sunside Club de París del 2 al 4 de noviembre,  a su vez el trío afro/jazz/flamenco Flamenkora y la sensación del piano mongol Shuteen Erdenebaatar (con su cuarteto) celebraròn sus grabaciones debut, y el 4 de noviembre, Kurt Rosenwinkel cerrò la celebración con la música de "A Lovesome Thing" acompañado por el pianista Gerald Clayton, quien anteriormente trabajó bajo el ala de Geri Allen en su proyecto 'Errol Garner, Concert by the Sea'.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafè FM, para escuchar y disfrutar de una Nueva Premiere Exclusiva presentando a la pianista GERI ALLEN junto al guitarrista KURT ROSEWINKEL desde el Nuevo Album "A Lovesome Thing-Live at The Philarmonie de Paris"

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BILL EVANS - "TALES-LIVE IN COPENHAGEN (1964)

Elemental Music / Resonance Records presenta el Nuevo Album "Tales-Live In  Copenhagen (1964)", con impresionantes grabaciones inèditas del gran pianista y compositor amèricano de jazz BILL EVANS, el lanzamineto oficial en Vìnilo de ediciòn limitada de 180 gramos serà el 24 de Noviembre en el RSD (Record Store Day) Black Friday.

La colección incluye actuaciones de la primera gira europea de BIL EVANS en 1964, con el contrabajitsa Chuck Israels y el baterista Larry Bunker.

En el Mes de Diciembre estarà disponible la version en CD Deluxe con anotaciones del academico de BILL EVANS, Marc Meyers, entrevistas con Chuck Israels y la viuda de Larry Bunker, Brandyn Bunker y fotografias raras de la grabaciòn de BILL EVANS, este Nuevo Set es el undécimo paquete de música no publicada autorizada por la Bill Evans Estate y producida por “Jazz Detective” Zev Feldman.

La colección, grabada por el pianista BILL EVANS junto al contrabajista Chuck Israels y el baterista Larry Bunker, tuvò lugar en el estudio Radiohuset de la radio danesa y TV-BYEN (TV City) el 10 y 25 de agosto de 1964, respectivamente.

 Zev Feldman comentaba en su introducción al álbum "Tales": “Estas 11 pistas son gloriosas, un regalo para que todos podamos disfrutar de estas muchas décadas después de la partida física de Bill de esta tierra. Es emocionante para mí ver salir estas grabaciones, extendiendo una mano de bienvenida a los fanáticos del jazz que recién están explorando la música de Bill Evans por primera vez. Tales es un documento maravilloso que captura el espíritu, la esencia y la belleza de lo que era Bill Evans”.

El Nuevo álbum, presenta seis pistas grabadas en un estudio en Radiohuset y cinco capturadas ante una audiencia en TV City, presenta al trío de Evans de 1964-65, con el debut de Chuck Israels quien fue contratado por el pianista para reemplazar a Scott LaFaro luego de su trágica muerte en un automóvil en 1961, y a Larry Bunker, quien se unió al grupo permanentemente después de la salida de Paul Motion del grupo después de una cita de estudio en diciembre de 1963.

En sus notas detalladas, Marc Myers señala que el material de "Tales" es “la grabación más antigua conocida de Bill Evans actuando en Europa. Grabados en el verano de 1964 durante su primera gira por el extranjero con un trío... estos temas también destacan por estar entre los mejores trabajos de este conjunto. Incluso hay un estándar "I Didn´t Know What Time It Was" (No sabía qué hora era) que se grabó por primera vez y nunca volvió a aparecer en la discografía de Evans”.

Marc Myers comentaba:“Desde que formó su primer trío de trabajo en 1959 con Scott LaFaro en el bajo y Paul Motion en la batería, Evans estaba decidido a que todos los miembros de su grupo conversaran musicalmente como pares dentro de la estructura de las canciones... [Evans, Israels y Bunker] tocan como si fueran una sola expresión emocional. Sus intercambios musicales son brillantes y dinámicos, y se realizan de manera perfecta y orgánica juntos y durante los solos".

En su entrevista con Zev Feldman, Chuck Israels reflexiona sobre la experiencia única de tocar con el gran maestro lírico del jazz: “Me alegré mucho de ser parte del diseño musical de Bill: la textura de cómo trabajaba ese trío; cómo Bill planeó la música; cómo lo preparó para que pudieras encajar con expresión personal y libertad para encontrar matices y detalles que se te ocurrieran... Ha habido pocas circunstancias musicales, tal vez ninguna, que te hayan dado ganas de tocar en el trío, especialmente con Larry. .”

También elogia el sonido de su compañero de banda de mediados de los 60: “Larry Bunker era un músico extraordinario. Había transparencia en el sonido de la interpretación de Larry. Larry era como un piloto de carreras en términos de delicadeza. Era un músico muy bien formado y con un oído impecable. Él entendió todo lo que estaba pasando mejor que yo”.

Brandyn Bunker le señalaba a Zev Feldman que su esposo, que murió en 2005, era un intérprete versátil que tenía talentos que se extendían más allá del jazz para trabajar con estrellas de la música pop, en bandas sonoras de películas y con orquestas clásicas.

"Larry fue capaz de adaptarse a prácticamente cualquier situación musical", dice. “Lo que le permitió ser un participante tan esencial en la música de talla mundial en todos estos géneros fue su percepción y sensibilidad musical, su capacidad para adaptarse a lo que fuera necesario, cumplirlo y luego aportar aún más de sí mismo de forma creativa a lo que fuera necesario. le pedí”.

Chuck Israels confesaba: “Estas grabaciones son realmente satisfactorias para mí porque nos escucho con un nivel de comodidad y comprensión de lo que estamos haciendo. Eso aporta una gran libertad y posibilidades expresivas. Pudimos esquivar el peligro un poco más porque sabíamos que teníamos control sobre estas cosas. Hay muchos riesgos que sólo surgen cuando estás seguro de que podrás esquiar dentro de las puertas del slalom. Te acercarás al borde, pero no perderás la puerta”.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafè FM, para escuchar y disfrutar de una Nueva Premiere Exclusiva presentandome el Album de colecciòn del pianista BILL EVANS - "TALES-LIVE IN COPENHAGEN (1964)"

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Polly Gibbons - "Midnight Prayer:The Best Of Polly Gibbons on Resonance Records" (2021)

La joven cantante y pianista britànica de jazz POLLY GIBBONS ha forjado una exitosa carrera en el circuito internacional del jazz que ya abarca dos décadas, nominada dos veces como "Mejor Vocalista de Jazz" por la BBC y Jazz FM y comparada con una versión femenina de Gregory Porter por la prestigiosa Revista estadounidense Downbeat.

Las influencias musicales de POLLY GIBBONS como vocalista y compositora comenzaron en la infancia con raíces en el blues, el soul, el gospel y el R&B, hasta el punto de que The Sunday Times describió su voz de jazz como "R&B vintage con matices de Aretha Franklin". Directamente salida de la zona rural de Suffolk, Polly llegó a la escena del jazz de Londres a los 17 años, sorprendiendo al público con su talento en bruto.

Ha actuado en el Royal Albert Hall de Londres como telonero de George Benson y Gladys Knight, y tuvo una residencia en el legendario Birdland Jazz Club de Nueva York. En Londres es una habitual de Ronnie Scott's.Jazz Club

En 2014, Polly firmó con el sello Resonance Records, con sede en Los Ángeles, un testimonio de su crecimiento como artista, donde grabó tres álbumes aclamados por la crítica. Esto la llevó a una gira internacional, en la que POLLY GIBBONS actuó en lugares y festivales de EE. UU., Europa y Asia, desde Java Jazz en Indonesia hasta el Festival de Jazz de Montreal en Canadá, asegurando su estatus como una artista experimentada y aclamada internacionalmente.

En otoño de 2022, POLLY GIBBONS cumplió su antigua ambición de grabar un álbum con todas sus canciones originales con “As It Is”. Grabado en el estudio The Old Jet en Suffolk, este álbum, el noveno, se presentò a mediados del 2023. “As It Is” está escrito, arreglado y producido por la propia Polly Gibbons, y coproducido por el veterano colaborador musical y director artístico de Ronnie Scott, James Pearson.

En el 2020 el sello Resonance Records edito el Album "Midnight Prayer:The Best Of Polly Gibbons on Resonance Records", que es una fina selecciòn de Sus mejores grabaciones para el sello.

Los invitamos a escuchar y disfrutar el estilo y la voz de la cantante britànica POLLY GIBBONS interpretando el tema "After Hours" de Parrish y Bruce, incluido en este excelente compilado "Midnight Prayer:..."

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Ray Gallon - "Grand Company" (Cellar Music Group)

Cellar Music Group presenta el Nuevo Album del pianista amèricano de jazz RAY GALLON - "Grand Company", que oficialmente se lanzarà el 17 de Noviembre del 2023.

"Grand Company" es un cautivador álbum en trío que reuniò junto al elogiado pianista RAY GALLON, al legendario ccontrabajista RON CARTER (sin duda alguna el principal bajsta de jazz de Nuestro Tiempo) y el aclamado baterista LEWIS NASH (ha trabajado con grandes luminarias como Tommy Flanagan, Betty Carter, Kenny Barron, Dizzy Gilllespie, entre otros)

 "Grand Company" presenta una mezcla intrigante de las composiciones originales de RAY GALLON y versiones frescas y reinventadas de Clàsicos Standards de Jazz. Este proyecto es la realización de la antigua aspiración de RAY GALLON de grabar en trío con dos músicos extraordinarios que tuvieron una profunda influencia en su desarrollo inicial. 

Escuchar al pianista RAY GALLON es hacer un viaje a través del gran linaje del piano de jazz desde sus inicios hasta el presente de vanguardia. Imbuido del vocabulario, la sensibilidad y el alma de los arquitectos del arte del jazz, el sonido de RAY GALLON emana de las cuerdas del piano en los icónicos estudios Van Gelder y emana a través de la misma sala en la que se encuentran muchos de los clásicos. Se grabaron álbumes de jazz de antaño. No hay mejor compañía con la que RAY GALLON comparta esta salida en trío que el bajista Ron Carter y el baterista Lewis Nash. Comentaba el propio RAY GALLON: “Tanto Ron como Lewis desempeñaron papeles importantes en mi desarrollo musical, particularmente durante esos años de formación. Grabar un álbum en trío con estos dos notables artistas ha estado en lo más alto de mi lista de deseos desde entonces; hacerlo en Rudy Van Gelder's, en ese sagrado Steinway B, fue la guinda del pastel. La fecha transcurrió sin contratiempos y todo se grabó en una o dos tomas”.

A finales de la década de 1980, RAY GALLON y Lewis Nash tuvieron la oportunidad de actuar junto con Ron Carter en Carter's Quintet and Nonet, lo que consolidó su vínculo musical. RAY GALLON señala que “esto fue como una especie de reunión para nosotros, lo que hizo de esta fecha una ocasión muy especial”.

El Nuevo Album "Grand Company" ha recibido elogios del pianista ganador del Premio Grammy Bill Charlap por su excepcional concepto de trío: “Este es mi tipo favorito de interpretación en trío: el sonido personal y colectivo inimitable y distintivo de Ray Gallon, Ron Carter y Lewis Nash tiene transparencia y claridad, donde cada nota y gesto significan algo. La música de Ray Gallon es informada, apasionada y personal. Posee una imaginación rítmica única y un vocabulario de hierro forjado. Grand Company es un hito”.

El álbum en sí logra un equilibrio entre tradición e innovación con la interpretación de cinco piezas originales de Gallon, así como sus arreglos de cuatro estándares atemporales. Las piezas originales de Gallon tocan una fibra sensible: se trata de música de improvisación en su forma más elevada de narración: una verdadera conversación entre tres artistas con un dominio incomparable del idioma.

"Grand Company" comienza con el arreglo de Gallon del clásico de Duke Ellington “Drop Me Off in Harlem”. Desde la primera selección, el oído se despierta con las rearmonizaciones y la interacción rítmica y melódica estelar entre los miembros del trío. Gallon y Carter ofrecen solos bellamente elaborados que marcan el tono de un álbum plagado de fantástica invención melódica.

“Acting Up”, un original de Gallon, es un contrafacto maravillosamente inventivo y acelerado basado en “Lullaby in Rhythm” que presenta el desplazamiento rítmico juguetón de una progresión de acordes drásticamente rearmonizada, antes de conducir a un swing maravillosamente fluido y duro. sección solista. Gallon comenta: “La figura de despedida del solo de caminata de Ron utiliza el motivo “The Golden Striker” de John Lewis y es un guiño tanto a John Lewis, mi mentor en CCNY a finales de los años 70, como al Maestro Carter, a quien le encanta Esa pieza le dio tanta importancia que le puso ese nombre a su trío”. 

“Two Track Mind”, otro de los inventivos originales de Gallon, se remonta a las raíces musicales de Gallon como pianista de blues antes de descubrir el jazz. La pieza se inspira en Monk, Ray Bryant y Sonny Clark y su capacidad para, como describe Gallon, “convertir clichés del blues en oro del jazz”. Después del asombroso solo de Carter, hay un coro de gritos que presenta la notable pincelada de Nash. El líder de la banda comenta: "Tocar este tipo de ritmo con Ron y Lewis es probablemente lo más cerca que estaré de experimentar el cielo en la Tierra".

“Monkey Bars” de Gallon es una pieza divertida que alterna entre un vampiro afrocubano de 6/8 y un vals de jazz atmosférico. En esta pieza, la figura del vampiro de la línea de bajo 6/8 sirve como fondo para un tremendo solo de Nash. 

La inquietante y hermosa “Zombette”, una malhumorada balada original de Gallon que, según él, estaba “inspirada en un pequeño zombi francés que una vez conocí”, se desarrolla en gran medida en un paisaje musical tonalmente ambiguo, antes de finalmente resolverse en la clave de re menor.

El álbum se cierra con “Old Folks”, un tema que cuenta la historia de la larga relación musical de Gallon y Carter. Gallon recuerda: “A finales de los 80, mientras era estudiante de posgrado en CCNY, Ron me pidió que tocara en lo que se convirtió en un concierto recurrente a dúo con él en el Knickerbocker de Nueva York. “Old Folks” era una canción estándar que le gustaba tocar casi todas las noches y su capacidad para producir un flujo interminable de grandes ideas nuevas, noche tras noche, coro tras coro, sin que pareciera repetirse nunca, ¡nunca dejó de sorprender! Aquí lo tocamos como una bossa con un interludio vampírico añadido. El daño que puse en la última A se inspiró enesos cambios increíbles que Ron tocó con el Quinteto de los 60 de Miles. ¡Parece de alguna manera apropiado que una de las primeras canciones que toqué con el Maestro Carter se convirtiera en el final de este proyecto de ensueño, 35 años después!"

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Radio Jazz Cafè FM, para escuchar y disfrutrar al pianista RAY GALLON junto al contrabajista RON CARTER y el baterista LEWIS NASH desde el Nuevo Album "Grand Company"

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The Dave Brubreck Quartet - "Live From The Northwest,1959" (Brubeck Editiions)

Brubeck Editions se complace en anunciar el lanzamiento del Album de Colecciòn "The Dave Brubeck Quartet, Live From The Northwest, 1959". Esta colección de grabaciones de dos conciertos electrizantes es una celebración del sonido singular y la producción estelar del icónico cuarteto en la década de 1950. Los estribillos pianísticos del legendario pianista DAVE BRUBECK bailan con la fluida invención melódica del saxofonista alto PAUL DESMOND, y la firme sección rítmica compuesta por el bajista EUGENE WRIGHT y el baterista JOE MORELLO ofrece el equilibrio perfecto entre apoyo e invención rítmica. El álbum se lanzará oficialmente como CD el 3 de noviembre y el 24 de noviembre del corriente año estará disponible digitalmente y como Disco de Vìnilo de edición especial Record Store Day.

A principios de abril de 1959, el ingeniero de sonido Wally Heider empacó su grabadora Ampex 350-2 en su camioneta y se dirigió a Portland, Oregon, para crear algunas de las primeras grabaciones remotas de alta calidad del clásico Dave Brubeck Quartet. El público se estaba enamorando del grupo por su sonido fresco, su incomparable maestría musical y una asombrosa propensión a improvisar pasajes de contrapunto de forma espontánea. Esto fue solo unos meses antes de que la invención rítmica y el sonido característico del histórico "Time Out" del cuarteto conquistaran al mundo. La innovación rítmica y el éxito sin precedentes de "Time Out", grabado sólo cuatro meses después, eclipsaron el dominio característico del Cuarteto del contrapunto espontáneo que había fascinado a su audiencia en los años 50; pero en "Live from the Northwest, 1959", sus habilidades sin precedentes son gloriosamente evidentes. Lo que Wally Heider captura en este lanzamiento son dos actuaciones que encarnan el sonido mismo del Dave Brubeck Quartet del que el público se enamoró por primera vez: un rayo en una botella.

Grabado el 4 de abril de 1959 en el histórico hotel Multnomah de Portland y el 5 de abril en el auditorio del cercano Clark College, "The Dave Brubeck Quartet, Live from the Northwest, 1959" presenta a los cuatro miembros de la banda en plena forma. Las cintas de Multnomah te sitúan en el ambiente del "mejor asiento de la casa" de un local íntimo de jazz de finales de los años 50 y te invitan a absorber el ambiente y la maravillosa música. Las pistas de Clark College están brillantemente interpretadas y presentadas en una acústica impecable de sala de conciertos. Es un testimonio de las habilidades de ingeniería de Heider que existe una maravillosa calidad sonora que unifica el paisaje sonoro de los dos lugares.

“When The Saints Go Marching In”, el primer tema del álbum, será el primer sencillo cuyo lanzamiento digital está previsto para el 13 de octubre de 2023. Esta es la única grabación conocida de este himno de jazz del Cuarteto “clásico”. -un juego oscilante a través del viejo estándar que energiza el escenario con solos de alto vuelo. Darius Brubeck describe esta pista como "una clase magistral de unanimidad en la sección rítmica con solos que navegan alegremente a un ritmo rápido". DAVE BRUBECK toca con un toque ligero y ágil que evoca a Count Basie. Se le puede oír invitando a PAUL DESMOND a entrar para la última salida antes de estallar en un dúo improvisado al estilo Bach que baila alrededor de los cambios de acordes. GENE WRIGHT y JOE MORELLO proporcionan la base sólida que permite a Paul y Dave dejar volar sus ideas. Como observa Matt Brubeck, “uno espera que los bajistas noten cuánta variación hay en las líneas de Wright. Incluso con formas relativamente cortas como “Saints” y “Basin Street”, Wright improvisa constantemente y rara vez se repite”.

"Basin Street Blues" es el segundo sencillo cuyo lanzamiento digital está previsto para el 27 de octubre de 2023. En esta toma, puedes escuchar que el Cuarteto se encuentra en ese estado mental especial en el que los solos son relajados y exploratorios. Chris Brubeck dice " El solo de Paul se basa en un enfoque más tradicional, pero se le escucha ir más allá de los límites armónicos durante sus excursiones. Dave canta junto con sus solos, logrando una unidad musical entre su imaginación y sus dedos, lo cual sé por haber tocado cientos de actuaciones con "Es un lugar raro para él como intérprete. En este escenario, en esta noche, él y la banda están profundamente inmersos en The Zone".

"These Foolish Things" es un tema extra que aparece únicamente en el CD y en los lanzamientos digitales. La grabación muestra el lirismo incomparable de Desmond. DAVE BRUBECK siempre se consideró un compositor que toca el piano de jazz y puedes escuchar la inspirada naturaleza orquestal y el arco de su solo. en respuesta a las melodías improvisadas del saxofonista PAUL DESMOND,  EUGENE WRIGHT agrega un solo que demuestra que es más que un bajista de “carne y papas” y que es capaz de ser técnicamente ágil cuando es apropiado. Gene y Joe son los mejores jugadores de equipo. En la próxima oferta de Clark College, usted También se puede escuchar el gran contenido de Morello al tocar pinceles y un papel secundario bajo el fácil solo de Paul en “Lo que el viento se llevó”. La caprichosa improvisación de piano de Dave en esta canción revela la forma reactiva e intuitiva de Joe, lo que se puede escuchar cuando Dave cita "Anything Goes", advirtiendo a Joe que está a punto de estirar su fraseo rítmico.

“The Multnomah Blues”, el segundo bonus track y el último sencillo del CD, cuyo lanzamiento está previsto para el 10 de noviembre de 2023, se grabó en un lugar del popular Multnomah Hotel, dando inicio al último set de la noche. Como puedes oír, el público y el Cuarteto suenan relajados y felices. El solo de Paul en este blues es típicamente innovador. Joe está alerta, anticipando y acentuando frases para impulsar las exploraciones del piano. Nuevamente, se escuchan los acordes de Dave expresando la Big Band que está escuchando en su cabeza. Gene, Joe y Dave están "profundizando", gritándose animándose mutuamente desde el otro lado del quiosco. Dave prepara a Joe para intercambios de batería donde, como dice Dan Brubeck, "Joe muestra su creatividad, humor y técnica asombrosa". Al salir de esta profunda exploración del blues, Paul vuelve a entrar y el Cuarteto logra tejer otro intercambio contrapuntístico mientras avanzan hacia el final.

"Two Part Contention" es una pieza original de DAVE BRUBECK que hizo su debut en su LP para piano solo "Brubeck Plays Brubeck" en 1956. En esta versión del Cuarteto, las intenciones contrapuntísticas de la composición se revelan de inmediato. El arreglo extendido y elaborado está diseñado para Deje que el grupo explore la melodía y los cambios como un tema y las variaciones que se encuentran a menudo en el mundo clásico. El público de Clark College está fascinado y feliz de emprender este largo viaje con el grupo. La elegante acústica del auditorio proporciona una invitación para el Cuarteto para tocar su sensible y escaso arreglo de "The Lonesome Road". La música, en esencia, es una forma de arte en la que los intérpretes cuentan una historia para atraer a la audiencia. Al escuchar esta actuación, Darius Brubeck escribió: “El desarrollo es como lo habría hecho Beethoven, el arco narrativo está ahí a través del crecimiento, una vida ocupada y la marcha fúnebre hacia el final y el final mismo”.

"The Dave Brubeck Quartet, Live From The Northwest, 1959" ofrece a los oyentes la experiencia de disfrutar del "mejor asiento de la casa" en dos actuaciones excepcionales del icónico Cuarteto de Brubeck durante el apogeo de su sinergia y exploración. Esta es una grabación asombrosa del legendario Wally Heider que captura al Cuarteto en la cima de su era contrapuntística y swing.

Este es el tercer lanzamiento de Brubeck Editions, el sello oficial de la familia Brubeck. Los lanzamientos anteriores incluyen "Time OutTakes" (2020) y "Live From Vienna 1967" (2022). Cada lanzamiento se edita, mezcla y remasteriza con orgullo y meticulosidad, y se publica en vinilo de 180 gramos, CD y formato digital.

Los Esperamos, en Radio Jazz Cafe FM, para escuchar y disfriutar, en Primicia Exclusiva esta Nuevo Album de Colecciòn del Dave Brubeck Quartet - "The Dave Brubeck Quartet-Live From The Nothwest,1959".

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